Winnie Camila Berg

Winnie Camila Berg

Violista. Nace en La Habana, Cuba. Camila Berg obtiene en el concurso Jóvenes Talentos 2008, auspiciado por la Escuela nacional de Arte (ENA), el segundo y tercer premio; posteriormente, el primer premio en el concurso Musicalia 2011, realizado en el Instituto Superior de Arte de la Habana (ISA).

Se ha presentado en varios festivales de música contemporánea de La Habana. Fue violista de la Camerata Romeu por varios años. Reside en Costa Rica desde el 2011, donde ha tocado con la Orquesta Sinfónica de Heredia, entre otras agrupaciones. En julio del 2014 formó parte de la gira por el Caribe con la Orquesta de las Américas (YOA). En la actualidad, es violista titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart

Considerado por muchos como el mayor genio musical de todos los tiempos, W. A. Mozart compuso una obra original y poderosa que abarcó géneros distintos como la ópera bufa, la música de cámara, la música sacra y las sinfonías. Se hizo célebre no únicamente por sus extraordinarias dotes como músico, sino también, por su agitada vida personal, marcada por la rebeldía, las conspiraciones en su contra y su fallecimiento prematuro.

Nació el 27 de enero de 1756, en Salzburgo, Austria. La madre procedía de una familia acomodada de funcionarios públicos; el padre, Leopold Mozart, era un modesto compositor y violinista de la corte del príncipe arzobispo de Salzburgo, autor de un útil manual de iniciación al arte del violín, publicado en 1756. Mozart era el sétimo hijo de este matrimonio, pero de sus seis hermanos sólo había sobrevivido una niña, Maria Anna, Wolferl y Nannerl, como se llamó a los dos hermanos familiarmente, que crecieron en un ambiente en el que la música reinaba desde el alba hasta el ocaso, ya que el padre era un excelente violinista que ocupaba en la corte del príncipe-arzobispo Segismundo de Salzburgo el puesto de compositor y vicemaestro de capilla. La mañana del 4 de diciembre de 1791, Mozart todavía trabajó en el Requiem, preparando el ensayo que sus amigos músicos habrían de realizar por la tarde en su alcoba. Hacía ya una semana que los médicos le habían desahuciado. Murió en la madrugada del 5 de diciembre de 1791.

Personaje rebelde e impredecible, Mozart prefiguró la sensibilidad romántica. Fue, junto con Händel, uno de los primeros compositores que intentaron vivir al margen del mecenazgo de nobles y religiosos, hecho que ponía de relieve el paso a una mentalidad más libre respecto a las normas de la época. Su carácter anárquico y ajeno a las convenciones le granjeó la enemistad de sus competidores y le creó dificultades con sus patrones.

Yalil Guerra

Yalil Guerra

El 27 de abril de 1973, en La Habana, Cuba, nace Yalil Guerra, compositor y guitarrista de concierto. Hijo del afamado dúo vocal cubano Rosell y Cary, realiza sus primeros estudios musicales en la Escuela Nacional de Música (ENA), en la capital de la isla con el maestro de guitarra clásica y concertino Jorge Luis Zamora. Se gradúa como intérprete y profesor en 1981. Asimismo, estudió dos años en el Instituto Superior de Arte (ISA), y recibió clases con Jesús Ortega, Joaquín Clerch y Efraín Amador Piñero.

Guerra se trasladó a España y obtuvo una maestría en guitarra clásica en el Conservatorio Real de Música Reina Sofía, con sede en Madrid, a la luz de las enseñanzas del profesor Gabriel Estarellas. También, se graduó en contrapunto y fuga con los profesores Daniel Vega y Mercedes Padilla Valencia, y recibió clases de composición con Aurelio de la Vega, profesor emérito de la Universidad Estatal de California.

A los 16 años de edad ganó el Concurso y Festival Internacional de Guitarra Clásica en Cracovia, Polonia, convirtiéndose, de ese modo, en el cubano más joven que ha ganado un certamen internacional. Inicia su carrera como productor, compositor y arreglista en 1990, y ha trabajado desde entonces para diversas empresas. Hoy en día, escribe música para las cadenas de televisión estadounidenses Univisión, Telemundo, Telefutura y Canal 14 de Miami. Pero también ha escrito música para espectáculos como la Copa Mundial Sudáfrica 2010, para los Premios Grammy Latinos y Premios lo Nuestro. En 2012 ganó el Grammy Latino a mejor composición clásica contemporánea con su obra Seducción.

Yuri Kasparov

Yuri Kasparov

Yuri Sergeyévich Kasparov es un compositor ruso, nacido en Moscú, el 8 de junio.  Se graduó en el Instituto de Ingeniería Eléctrica de Moscú, en 1978 y en el Conservatorio Estatal  P.I. Chaikovski, en 1984, donde cursó estudios de posgrado en composición con Edison Denisov, entre 1984 y 1991.

Entre sus galardones se encuentran: primer premio en el concurso Guido d’Arezzo (1989), Gran Premio del concurso Henri Dutilleux (1996), y una mención especial en el concurso de la Academia Musical Pescarese, en Pescara, Italia (1999). Asimismo, fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno de Francia, en 2008.

Se desempeñó como editor musical en jefe del Centro de Estudios Estatal Ruso de Películas Documentales, de 1985 a 1989. Fundó el Conjunto de Música Contemporánea de Moscú en 1990, y ha fungido como su director artístico desde 1990. Además, fue miembro fundador del comité organizador de la Asociación de Música Contemporánea de Moscú. Además, es profesor de composición y orquestación en el Conservatorio Estatal Chaikovski desde 2005. Desde 1992 forma parte del comité organizador del Festival Internacional Moscovita de Otoño de Música Contemporánea.

En 2007, por decreto del presidente de Rusia, le fue otorgado el Premio Honorífico al Trabajador del Arte. En el año 2008, por el Ministerio de Cultura de Francia, le fue concedido el galardón de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 2009, la popular publicación Revista Musical, nombra a Yuri Kasparov como compositor del año.

Desde el inicio de su carrera, sus obras han sido incluidas en diversos festivales como Pontino (Italia), FrankfurtFest (Alemania), Festival de Radio-France Présences, Festival de Verano de Tokio (Japón), Ensems (España ), Otoño de Varsovia (Polonia) y muchos otros. Kasparov ha recibido encargos por parte de intérpretes y entidades organizadoras de conciertos y festivales.  Entre ellos se encuentran, Ensemble Modern (Alemania), Radio Francia, junto con l’Institut National de l’Audiovisuel (Groupe de Recherches Musicales); festivales internacionales, tales como, Tage für Neue Musik de Zurich (Suiza) y el Festival de Feldkirch (Austria), Gran Teatro de Tours ( Francia), Orquesta Sinfónica de Stavanger (Noruega), Orquesta Sinfónica de Tours (Francia), Ensemble Accroche Note y Conjunto Orquestal Contemporáneo (Francia), el CORE Ensemble (EE.UU.), Archaeus Ensemble (Rumanía), Orquesta de Flûtes Française y otros.

Sus trabajos han sido interpretados por maestros como Paul Méfano, Pierre Roullier y Daniel Kawka (Francia); Friedrich Goldmann (Alemania), Olivier Cuendet (Suiza), Tadaaki Otaka (Japón), David Milnes (EE.UU.); Emin Khachatourian, Valeri Poliansky, Vladimir Ziva, Sergei Skripka, Vassily Sinaisky, Alexandre Dmitriev (Rusia).

Entre los solistas que han estrenado obras suyas están: el flautista Pierre-Yves Artaud (Francia), el oboísta Dorin Gliga (Rumanía), los clarinetistas Armand Angster (Francia) y Nicholas Cox (Reino Unido), los  fagotistas Valeri Popov (Rusia) y Johnny Reinhard (EE.UU. ), los barítonos Jaques Bona y Vincent Le Texier (Francia), el organista Hervé Désarbre (Francia), el violinista Vladislav Igolinsky, el pianista Mikhail Dubov, los violonchelistas Vladimir Tonkha, Sergei Sudzilovsky y Alexandre Zagorinsky (Rusia).

Sus composiciones han sido interpretadas por agrupaciones  como la Orquesta BBC-Gales (Reino Unido), Orquesta Filarmónica de Niza (Francia), Orquesta Nacional de la Radio Rumana, Ensemble Contrechamps (Suiza), Schoenberg-Ensemble (Países Bajos), 2E2M Ensemble (Francia), así como muchas de las principales orquestas y grupos de cámara de Moscú. Diferentes compañías discográficas han grabado muchas de sus composiciones, entre estas, Olympia (Reino Unido), Le Chant du Monde junto con Harmonia Mundi (Francia), Vista Vera (Rusia) y otras empresas discográficas.

La música de Yuri Kasparov se interpreta regularmente en muchos países alrededor del mundo. Estrenos mundiales de sus obras han tenido lugar en Francia, Italia, Alemania, Austria, España, Inglaterra, Suiza, Bélgica, Polonia, Suecia, Dinamarca, Noruega, Rumania, Finlandia, Ucrania, Japón, EE.UU. y Rusia. Con regularidad ofrece conferencias y clases magistrales en diversas instituciones de educación superior, tanto en Rusia como en el extranjero.

 

Nota escrita por:

Gustavo Adolfo Segura

«Voces» La sexta producción discográfica de la OSH

«Voces» La sexta producción discográfica de la OSH

El error de brújula de Colón y su resistencia a romper los esquemas de la simetría trina, pensar que podía haber un cuarto mundo, crearon el primer problema de identidad. Reconocidas las nuevas tierras como Indias, los conquistadores que siguieron al navegante obligaron a los naturales a llamarse indios. Así dejaron de ser abipón, aimara, apache, araucano, auca, azteca, bajá, boruca, botocudo, ciaguá, calchaquí, calchin, calpul, caluma, camahua, canaco, caracará, caracas, carajá, carapachay, carapacho, cariaco, caribe, cario, cataubas, cayapa, cayapo, cayeté, chaima, charca, charruá, chibcha, chichimeco, chontal, chuchumeco, chuncho, cocama, comenche, coronda, gandul, guaraní, iroqués, mapuche, maya, omagua, orejón, párparo, patagón, payagua, puelche, quechua, querando, quiché, quichuá, siux, taino, tamanaco, tapuya, tolteca, tupi o yumbo. Así perdieron su identidad cultural y tribal, identificándose con el bárbaro: mismo nombre, mismo rostro, misma barbarie” (Miguel Rojas Mix, Los cien nombres de América).

La mayoría de las palabras que identifican a los pueblos de este continente como grupos culturales y étnicos heterogéneos, expuestas en la cita de M. Rojas Mix, ni siquiera aparecen en el diccionario ni, mucho menos, en los procesadores de texto. Word, por ejemplo, no las reconoce y las subraya con color rojo.

Es así como, mediante diversos procesos de cooptación, las historias de los pueblos, sus voces e incluso su misma existencia han sido silenciadas e invisibilizadas históricamente.

Precisamente, a partir de este contexto y enmarcado en el proyecto descolonizador que ha emprendido la Orquesta Sinfónica de Heredia, surge el disco Voces. En él se vinculan las voces ocultas, estas voces silenciadas que la OSH quiere visibilizar.

Cinco compositores, cinco voces diferentes nos cuentan sus propias historias: historias únicas. Aquí le damos la palabra a cada uno de ellos, al camino trazado por los creadores de esta parte del mundo: América.

En Plegaria para cuarteto de cuerdas solista, cuerdas y percusión (2014), surgen varias voces, aparecen diferentes expresiones de actores-músicos. Entre ellos, la voz del compositor, Eddie Mora, manifiesta su mundo interno. Mora expone que:

Hay cuatro peticiones de los solistas, donde cada instrumento tiene su propio discurso, su propia voz, la cual se prepara para ofrecer una plegaria. La orquesta es una voz más, la voz del otro que actúa como un interlocutor del cuarteto, incorporándose en un diálogo con los solistas”.

Asimismo, el escucha de la obra está convocado como una voz más, la cual dará su propia interpretación del concepto plegaria.

A su vez, en la obra Cantos enterrados, Alejandro Cardona despierta las voces de personajes femeninos “amenazantes y, a la vez, atrayentes que son la perdición de los hombres, como dice La Petenera en sus versiones mexicanas y españolas”. Según el compositor:

Cantos enterrados es una obra inspirada en estos personajes femeninos, y en ciertos sones veracruzanos en los que aparecen: La Petenera, La Lloroncita y La Bruja. Fragmentos de estos sones, todos relacionados con símbolos femeninos acuáticos (sobre todo la sirena), emergen del tejido musical como elementos sobrevivientes de un exilio forzoso o como resonancias de un mundo reprimido y enterrado (pero evocado con una mezcla de fascinación morbosa y espanto)”.

Es así como se evocan diferentes canciones de la tradición popular:

La sirena se embarcó
en un buque de madera
como el viento le faltó
no pudo llegar a tierra
y a medio mar se quedó
cantando la Petenera.

Trío Xicontepec, Veracruz.

La Petenera señores
no hay quien la sepa cantar
solo los marineros
que navegan en la mar
han oído a la sirena
la Petenera cantar.

La Petenera, Huasteca veracruzana.

¡Ay de mí, Llorona
pero déjame llorar!
¡Ay de mí, Llorona
pero déjame llorar,
a ver si llorando puede
mi corazón descansar
a ver si llorando puede
mi corazón descansar!

La lloroncita, Veracruz.

¡Ay, me espantó una mujer
en medio del mar salado,
en medio del mar salado!
¡Ay, me espantó una mujer, ay mamá!
Porque no quería creer
lo que otros me habían contado,
lo de arriba era mujer
y lo de abajo pescado, ¡ay mamá!


La bruja, Veracruz.

Por su parte, la voz de Pablo Chin toma fuerza a partir de dos fuentes. Una de estas es, según el compositor:

La admiración por la obra de Cardona [la composición está dedicada al compositor costarricense Alejandro Cardona] de la que aprendí mucho siendo su estudiante. En mi concierto mucho del material musical se deriva de operaciones aplicadas a la obra para clarinete de Alejandro Canto y danza de los innúmeros abuelos. Aunque la intención no es que se escuche, su música sirvió de punto de partida en la composición del concierto”.

 

La segunda fuente que llena la voz de Chin es de carácter universal. Según él:

El título In the Form of a Shell, que significa “en la forma de una concha”, refleja la colocación no convencional de la orquesta, la cual usa como modelo las proporciones de la concha de Nautilus, cuya espiral se puede dividir en compartimentos cada vez más grandes, a menudo asociados a la proporción áurea. Así, en mi pieza la espiral comienza con la flauta, y a través de formaciones cada vez más numerosas culmina con un ensamble de cuerdas a la izquierda del escenario (visto desde el público). El objetivo es generar espacialidad en el sonido e intensificar la percepción del material musical”.

 

Ahora, regresamos nuevamente a la producción de Eddie Mora. En el texto titulado Ni aquí, ni allá existen varias voces. Una de estas es poderosa y trágica, la voz de la poetisa Marina Tsvetáyeva, quien en un corto poema reconstruye su vida, la cual estuvo inserta en un camino amargo por los sucesos dolientes de Rusia de la primera mitad del siglo XX. La presencia de la artista rusa se encuentra acompañada del compositor costarricense, quien manifiesta que:

La obra mantiene la intención de transmitir el simbolismo de las palabras, en sus tejidos sonoros, valiéndose del potencial expresivo del timbre oculto de los instrumentos musicales y sirviéndose también, en otros momentos, de la movilidad rítmica y la fortaleza del sonido. Un período de tiempo considerable en Rusia, me permitió aproximarme a su gente y a su cultura, a reconocer que en ese país, la palabra, impera. Se carga con una larga y monumental tradición literaria, con la que Tsvetáyeva coexistió. Hoy para nosotros, muchos años después de su trágica y temprana muerte, su palabra no es más que un testimonio de esa vivencia”.

Ni aquí, ni allá
Nuevamente las campanas
cantan la gloria
a las
resplandecientes cruces.
Tiemblo en todo mi ser,
porque entendí:
que estas cantan “y aquí, y allá”.

La sonrisa llama a los labios,
la gloria se está precipitando…
¿Cómo pude equivocarme?
Estas cantan: “No aquí, sino allá”.

Oh, que las campanas
sigan cantando
la gloria
a las cruces resplandecientes
Entendí demasiado claro:
Que no cantan “Ni aquí…, ni allá”.

(Traducción del ruso al español realizada por Ekaterina Chatski).

Posteriormente, encontramos la obra de Marvin Camacho, esta se titula La voz de San Juan. Con este poema sinfónico se cierra el tríptico de poemas compuestos por Camacho. El texto se construye a partir de dos personajes del Nuevo Testamento: Juan Bautista (Agua) y Juan Evangelista (Fuego). Tal y como nos dice el autor:

La presencia de estos personajes intenta producir un equilibrio entre uno y otro, y conduce a la orquesta hacia un tratamiento tímbrico y armónico distinto a lo tradicionalmente planteado en mis otras obras sinfónicas. La voz de San Juan convoca, una vez más, al carácter reflexivo de los dos poemas sinfónicos que le anteceden, con la variante de un planteamiento estético que emplea un concepto místico, el cual reviste a cada uno de los personajes aludidos”.

Por último, la composición de Camacho concluye con la voz femenina que transmite el texto en latín: Dona nobis pacem (Danos paz).

El disco finaliza con la voz de la compositora costarricense Rocío Sanz, quien dedica sus cuatro piezas a la muerte. Canciones de la muerte para soprano y cuerdas es un ciclo escrito en 1983, cuyos textos pertenecen a Rocío Sanz. Las canciones que este incluye son: La muerte espera, La fiera (Muerte inesperada), La muerte prevenida y Arrullo.

Dichas piezas ofrecen algunas características generales: lacónicas en su expresión, su forma musical se acerca a la miniatura musical, son atonales y el texto literario juega un papel importante en la escogencia de los recursos musicales.

La muerte espera
La muerte espera en todos los recodos de la vida,
agazapada fiera, secreta y escondida.

La fiera (Muerte inesperada)
Muerte violenta y súbita, fiera que salta desde su guarida.
La muerte inesperada nos desgarra, las páginas del libro de la vida.

La muerte prevenida
La muerte prevenida, la que se ensaya, aquella que se espera;
la muerte prevenida es tan fuerte que la otra, la otra, es la misma.

Arrullo
El engañoso arrullo de la fiera
es la muerte que a todos
nos espera y canta: ah, ah.

Nota escrita por: 

Ekaterina Chatski

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