Rubén Simeó

Rubén Simeó

Rubén Simeó nace en Vigo, Galicia, España, en el año 1992. Comienza sus estudios musicales en el conservatorio de esa ciudad con su padre, J. V. Simeó, demostrando, desde muy temprana edad, unas facultades excepcionales en la trompeta, realizando conciertos en grandes auditorios y programas de televisión, con gran éxito de público y crítica musical, que elogian su madurez técnica e interpretativa a tan corta edad.  Desde los 8 años, obtiene grandes premios en los mejores concursos nacionales e internacionales, como Yamaha, en Madrid, Ciudad de Vigo, Porcia (Italia), Benidorm, Maurice André (Paris), Bruselas, Selmer (Francia), P. Jones (Gebwiller, Francia), entre otros, siendo siempre el concursante más joven de todas sus ediciones en conseguirlo.

Desde muy temprana edad, participa continuamente en programas radiofónicos y televisivos, como los de TVE, Antena 3, Canal 9, T. V. Galega, TV. Francesa, Cuatro, Radio Clásica, T. V. Tokio, Radio France, L.P.T.V. Con doce años de edad, actúa como solista con la Orquesta Sinfónica de la R.T.V.E. en el Auditorio Nacional de Madrid y en Zaragoza, dirigido por Adrián Leapper, y retransmitido en el concierto de Navidad para todo el mundo por Televisión Española Internacional. También participa en varias ocasiones en los programas «El Conciertazo» y «Pizicatto». Desde entonces, participa asiduamente en distintos programas televisivos y radiofónicos, de RTVE, Antena 3, Canal 9, LPTV, Radio France, Radio Portugal. A esa misma edad, realiza su primera grabación «Ensueño», la cual presentó con una amplia gira de conciertos por España y Portugal.

Asimismo, realiza cursos y clases magistrales como pedagogo por distintos países, como Estonia, Portugal, España, Francia, Japón. Actúa regularmente con grandes orquestas y agrupaciones sinfónicas, como: Orquesta de Múnich, R.T.V.E., Valencia, Viana do Castelo (Portugal), Sinfónica de San Cristobal (Venezuela), Guarda Republicaine (Paris), Sinfónica León, Orquesta P. Mallorca, Sinfónica Alicante, Filarmónica Cannes, Filarmónica Niza, Filarmónica Nantes, Orquesta Metropolitana Lisboa, E. Romagne (Italia), Torrente, Siena Wind Tokio, Sinfónica Kanazawa (Japón), Sinfónica de Paris, Sinfónica de Sttugart, Sinfónica de Galicia; así como, con las bandas sinfónicas municipales de Valencia, Alicante, Ciudad Real, U.M. Lliria, G. Republic. Francesa, Pensilvania (clausura concurso internacional I.T.G.), Banda Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Orquesta Nantes y Portugal.

En julio de 2005, con 13 años, actúa, invitado por Maurice André en la Semana Internacional de la Trompeta, celebrada en Burdeos (Francia), con gran éxito de crítica y público. En 2008, actúa en Lille, junto con Maurice André y Michel Becquet. Precisamente, André ha resaltado de Rubén sus condiciones técnicas excepcionales, sorprendentes a tan temprana edad.

Ha grabado varios discos editados por todo el mundo, con Siena Wind Tokio, Orq. Sinfónica Kanazawa (Japón), varias bandas sinfónicas, orquestas de cámara, acompañado por piano y órgano barroco. Del mismo modo, tiene programada la grabación del Concerto Ibérique de V. Cosma, junto a la Garde Republicaine de Paris. En 2008, recibió en Stuttgart (Alemania), el Premio Europeo para la Cultura, como reconocimiento a su brillante carrera concertística. Actualmente, es concertista de trompeta, así como solista del Holencours Soloist Chamber Orchestra. Desde el fallecimiento del maestro Maurice André, Rubén continúa estudiando bajo la tutela de Vicente Campos, en el Conservatorio Superior de Castellón.

Fernando Domínguez

Fernando Domínguez

Fernando Domínguez es, actualmente, el principal exponente del repertorio contemporáneo para clarinete en México. Su interés por este género lo ha llevado a colaborar de manera muy cercana con la mayor parte de los compositores mexicanos, quienes le han dedicado obras, tal es el caso de Ignacio Baca-Lobera, Eugenio Toussaint, Juan Trigos, Carlos Sánchez Gutiérrez, Hébert Vázquez, etc. En su repertorio, incluye obras de Franco Donatoni, Brian Ferneyhough, Helmut Lachenmann, Pierre Boulez, Isang Yun, Eliott Carter, entre otros.

Se presenta regularmente en los ciclos dedicados a la música contemporánea, tales como, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Ciclo de Música Contemporánea del Festival Internacional Cervantino, Festival Radar, etc. También, se ha presentado en el Festival de Música Contemporánea de La Habana, en el ciclo “Encuentro con México” en Bogotá, así como, en Estados Unidos, Canadá y China. Asimismo, es clarinetista de los grupos de cámara más reconocidos en el medio musical: Duplum, Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y ÓNIX Ensamble. Con estos grupos ha grabado nueve discos compactos para los sellos URTEXT y Quendicim, dedicados en su totalidad a la música del siglo XX.

Como solista, ha actuado con la Orquesta Sinfónica Vida y Movimiento, Orquesta de Cámara de la Escuela Nacional Preparatoria, Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM), Orquesta Sinfónica de Yucatán. Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta Sinfónica de Oaxaca  y Orquesta Juvenil del Estado de México.

En los años 2002 y 2004 participó en el curso de música contemporánea en Darmstadt, Alemania (Ferienkurse für neue musik Darmstadt), y ha sido becario del FONCA en las modalidades de estudios en el extranjero y ejecutantes. Ha sido miembro del jurado de la comisión dictaminadora de los Apoyos para estudios en el extranjero del FONCA. Es egresado del Conservatorio Estatal de Viena, donde fue alumno de Roger Salander. Posteriormente, realizó una especialización en clarinete bajo y música contemporánea con Harry Sparnaay en el Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam, Holanda. En 2011, obtuvo la licenciatura otorgada por la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Del año 1999 al 2004, fue maestro del taller de clarinete del Colegio Cedros (Universidad Panamericana), dirigido a niños y adolescentes. A partir del año 2000, se ha desempeñado como maestro de clarinete en los niveles Propedéutico y Licenciatura de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Desde el año 2005 es maestro de Música de Cámara de la  Escuela de Música Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli. Además, realiza de manera habitual, cursos y diplomados dirigidos a estudiantes de composición sobre la técnica y escritura contemporánea para clarinete en las escuelas profesionales del país. Es artista Vandoren Paris. Fernando Domínguez, hoy en día, es artista integrante de Ónix Ensamble, agrupación que recibe el apoyo del programa México en Escena, otorgado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Javier Álvarez

Javier Álvarez

“Javier Álvarez es tal vez el músico mexicano más interesante nacido en la década de los cincuenta. Una inteligencia musical alerta, reforzada por el dominio de una pluralidad de técnicas y una perspectiva ecléctica han dado por resultado una obra multifacética y vigorosa que presenta una evolución muy original.” (Yolanda Moreno Rivas – (La Composición en México en el Siglo XX, CONACULTA, México, DF. 1994).

Nacido en 1956 en la Ciudad de México, Javier Álvarez inicia sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudia con Mario Lavista (composición) y Francisco Garduño (clarinete). En 1978, con diecisiete años de edad, obtiene su primer reconocimiento nacional, al ganar el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, convocado por la Sociedad de Autores y Compositores de México con la obra Amor es Más Laberinto para orquesta, coro mixto y solistas, estrenada en 1979 por la Orquesta Sinfónica del Estado de México. En 1981, obtiene la Maestría en Teoría y Composición de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee, haciéndose acreedor ese mismo año al Premio Lan Adomian convocado por la UNAM con la obra Tres Ranas contra reloj, para voz soprano y trío instrumental. Con apoyo del Consejo Británico, Álvarez continúa sus estudios superiores en el Royal College of Music en Londres, donde recibe el Premio Arthur Bliss, conferido por la Sociedad de Autores y Compositores de Gran Bretaña con la obra Trireme, un concierto para corno y orquesta.

De esos años de juventud datan los trabajos que le proyectarían a la escena internacional, notablemente la ya clásica Temazcal, obra para maracas y sonidos electroacústicos, reconocida como un referente imprescindible del repertorio mundial para percusión. Dicho aclamo propicia su ingreso en 1984 a la City University en Londres para realizar un doctorado bajo el copatrocinio de la Fundación Félix Mendelssohn, la Fundación Ralph Vaughn Williams y el London School of Economics. Esta investigación culmina en 1992 con una tesis doctoral en torno de la composición para instrumentos y las nuevas tecnologías, pesquisa que recibió los máximos honores otorgados por dicha universidad.

A partir de los años noventa, Álvarez se ha hecho acreedor a numerosas distinciones, incluyendo, entre otras, galardones de la Federación Internacional de Música Electroacústica (Francia), la British Broadcasting Corporation-BBC (Inglaterra) y el CONACULTA (México). Se destacan entre estos el prestigioso Prix Ars Electronica (Austria), obtenido en 1993 con la obra Mannam, para cítara y sonidos electroacústicos; la Medalla Mozart de Oro, recibida en 2000; su ingreso al Sistema Nacional de Creadores (1993, 1996, 2002 y 2012), y una nominación a los Premios Grammy en 2012. Desde 2005 es miembro Honorario de la Academia de Artes de México, y en 2013 le fue otorgado el Premio Nacional de Ciencias y Artes en reconocimiento a su trayectoria como creador y su contribución a la educación musical en México. Asimismo, en 2014, el Instituto Nacional de Bellas Artes le entregó la Medalla Bellas Artes.

Su creatividad musical ha abarcado géneros diversos a lo largo de su carrera: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1993 compuso la música para La Invención de Cronos, ópera prima del afamado cineasta mexicano Guillermo del Toro. Asimismo, en el campo de la multimedia, ha desarrollado proyectos en prestigiosos centros como el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) y el GRM (Groupe de Récherche Musicale) ambos en Francia. De entre esos proyectos se destacan Cactus Geometries, obra acusmática estrenada en 2001, Mejor morir en la Selva, estrenada en 2017, y Mantis walk in Metal Space, para steel pan solista, ensamble instrumental y electroacústica, estrenada en el 2003 por el ensamble belga Ictus, en el Centro Georges Pompidou. Más recientemente, en el ámbito de la música de concierto, Radio Francia le encargó la composición de Jardines con Palmera, para percusión y orquesta; obra creada para la Orquesta Nacional de Francia y que dicha agrupación estrenara y grabara en 2012.

A la par de su carrera artística, Álvarez presenta una larga trayectoria académica; amén de numerosas conferencias y cursos impartidos a lo largo de tres décadas en México, notoriamente en el Centro Nacional de las Artes, la Escuela Nacional de Música (UNAM), la Universidad de Puebla y la Universidad Marista en Yucatán. Ha sido profesor en el Royal College of Music y en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, catedrático en la Universidad de Hertfordshire y en la Musikhögskola en Malmo, Suecia. Por invitación del gobierno de Yucatán, regresó a México en 2004 para integrarse al diseño curricular de la naciente Escuela Superior de Artes de esa entidad, donde eventualmente fundó la Licenciatura en Artes Musicales y de la cual fue director y profesor hasta 2007. En Morelia, a su paso por el Conservatorio de las Rosas (2007-11), estuvo a cargo de la Cátedra de Composición y de su Consejo Académico. En demanda como profesor visitante, Javier Álvarez ha dictado cátedra, por mencionar algunas, en instituciones como el Conservatorio de París, City University en Londres, Universidad de Lanús en Argentina, Universidad de Costa Rica,  Universidad de Western Michigan y Houston University. En

2009 fue invitado por la Junta de Andalucía para dirigir la Cátedra Manuel de Falla en Cádiz; en 2013, visitó la Universidad de Chile, en Santiago, donde impartió un curso avanzado de composición a alumnos de posgrado, y en 2014 fue invitado distinguido de la Universidad de Houston.

Javier Álvarez se ha desempeñado como gestor cultural en diversas capacidades, tanto en México como en el extranjero; entre otras, como presidente de Sonic Arts Network (1989-91) –la sociedad británica de música electroacústica- y como director artístico de la Sociedad para la Promoción de la Música Nueva (1995-96), ambas en Inglaterra. Desde su regreso a México, en 2004, se ha desempeñado como director artístico del Foro Internacional de Música Nueva (2008-09), miembro de la Comisión de Artes del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2008-12), director artístico del Festival de Música Contemporánea de Morelia (2007-11), miembro del Consejo Académico del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (2007-13), rector del Conservatorio de las Rosas (2007-11) y consejero artístico del Festival de Música de Morelia (2009-presente).

Con cuatro décadas de práctica profesional ininterrumpida, Javier Álvarez goza hoy de amplio reconocimiento nacional e internacional, recibiendo numerosos encargos y estrenos en los festivales y ciclos más importantes del orbe. Su extenso catálogo es ejecutado por los más distinguidos solistas, agrupaciones y orquestas de México y el extranjero, en interpretaciones que se transmiten y escuchan frecuentemente por internet, radio y televisión internacional.

Martynas Staškus

Martynas Staškus

Martynas Staškus, nacido en Lituania, en 1969, es graduado de la Academia de Música Lituana, en el año 1995. En ese mismo año, fue contratado por la Ópera y Ballet del Teatro Nacional de Lituania. Entre 1997 y 1998, fue director titular de la misma institución musical (LNBOT). Desde 2004, es el director principal de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Escuela de Arte M.K.Čiurlionis* y director titular de la Orquesta Sinfónica de la Academia de Música de Lituania.

Martynas Staškus ha sido ganador de premios en muchos certámenes nacionales e internacionales de coro en ciudades como Wrozlaw, Arezzo, Tour, Miltenberg y Vilnius.

Su repertorio incluye más de cuarenta trabajos operáticos de Verdi, Puccini, Halevy, Mozart, Weber, Gounod, Gluck, Bizet etc.; así como, ballets de Theodarakis, Chaikovski, Prokofiev, Minkus, Stravinsky, etc.; además de muchos trabajos sinfónicos, de cámara y música coral.

Ha sido director titular en tres premieres mundiales: de Mindaugas Urbaitis, el ballet Acid City (Ciudad ácida); y de Bronius Kutavičius, las óperas, The Bear (El oso) e Ignis et Fides (Fuego y fe). Martynas Staškus ha dirigido en presentaciones de aclamados artistas internacionales como Violeta Urmana, Edgaras Montvidas, Badri Maisuradze, Gidon Kremer, Kshishtof Broya, Alexander Paley, Lukas Geniusas, y muchos otros. Sus socios para poner en escena diversas producciones, incluyen renombrados directores teatrales como Günter Krämer, Monika Wiesler, Detlef Soelter y Anthony Minghella, y afamados coreógrafos como Krzysztof Pastor y Boris Eifman.

Staškus ha estado al frente de orquestas en prominentes festivales, tales como, Vilnius Festival, Murten Classics Festival, y otros. Sus reconocimientos concertísticos incluyen programas  con la Orquesta Sinfónica del Estado de Lituania, Orquesta Sinfónica Nacional de Lituania, Orquesta de Cámara Lituana, Kremerata Baltica (de Gidon Kremer), Orquesta Sinfónica de la Ópera de Ankara, Orquesta de la Academia de Música de la Ópera de San Petersburgo, Orquesta del Teatro Lírico Verdi de Trieste, y otras instituciones sinfónicas y operísticas. En este 2017, añadirá a ese vasto currículo, la dirección al frente de la Orquesta Sinfónica de Heredia en el cuarto concierto de la temporada denominada Con-Tempo.

Finalmente,  Martynas Staškus ha sido director invitado en lugares como Holanda, Alemania Italia, Estonia, Francia, Dinamarca, Taiwán, Suiza, Turquía, Suecia, Noruega, Polonia, y ahora en Costa Rica, además de otros ciudades alrededor del mundo.

I Programa 2017

I Programa 2017

I Programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

I INTERNACIONAL FESTIVAL OSH  | COSTA RICA

I Programa

18 de febrero, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

19 de febrero 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Cuauhtémoc Rivera (violín | México), Andreas Neufeld (violín | Alemania), Yolanda Martínez (piano | Cuba)

Alfred Schnittke (Rusia | 1934 – 1998)

  • Concerto grosso N. 1**
  • Suite Gogol **

**estreno nacional

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

Dedicatoria al maestro Benjamín Gutiérrez

I programa | I Festival Internacional OSH

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

PROGRAMA DEDICADO A ALFRED SCHNITTKE

Genio arremetido desde su propia tierra

Alfred Gárievich Schnittke nació el 24 de noviembre de 1934 en Engels, en la República Germánica del Volga, en aquel tiempo una autonomía dentro de la Unión Soviética. El padre del compositor, Harry Schnittke, era un judío nacido en 1914 en Frankfurt. Se trasladó a la Unión Soviética en 1927, casándose después con Maria Vogel, nacida en la República Germánica del Volga. Harry trabajó como periodista y traductor del ruso al alemán.

La República Germánica del Volga fue fundada en 1924, agrupando una minoría de emigrantes alemanes que se había establecido a orillas del Volga. Su capital era Pokrovsk hasta que en 1931 se le cambió el nombre por Engels, en honor al filósofo alemán Friedrich Engels.  La invasión alemana marcó el final de la República. En 1941 Stalin abolía la región autónoma, declarando como enemigos del Estado a todos los alemanes. Ordenó la deportación de los alemanes del Volga a Kazajistán y a Siberia.

Por motivos laborales, la familia se traslada a Viena en 1946. Allí empieza el amor por la música del joven Alfred, empezando así sus estudios musicales. Tomará como compositores de referencia a Mozart y Schubert.

La familia se traslada a Moscú en 1948. Ingresa en el Colegio de Música de la Revolución de Octubre, estudiando allí desde 1949 hasta 1953. Después termina sus estudios en el Conservatorio de Moscú en 1961, graduándose en composición. Entre sus maestros se encuentran Nikolai Rakov en instrumentación y Evgeny Golubev en contrapunto y composición. En el mes de marzo de 1956 se casa con Galina Koltsina, una musicóloga compañera suya del Conservatorio. Este matrimonio solo duró tres años. Desde 1962 hasta 1972, imparte clases en el conservatorio moscovita.

Tras varios viajes a Europa y EE. UU., Schnittke abandonó su tierra natal en 1989, al ser invitado para dar clase de composición en Hamburgo. Dos años después, le era concedido uno de los galardones de la última edición de los Premios Lenin, aunque lo rechazó, renegando por completo de la deriva musical soviética. Pocos meses después, la URSS se desintegraba.

No obstante, hasta comienzos de los ochenta, Schnittke estuvo muy implicado en esa línea musical. Ingresó en la Unión de Compositores de la URSS en 1961, se convirtió en uno de los más prominentes compositores de bandas sonoras del cine soviético y junto con Rodión Shchedrín sentó las bases de una modernidad aceptable dentro de la política cultural soviética. Aunque hasta mediados de los ochenta su música fue vista con reticencias de la secretaría de la Unión de Compositores, sus obras se estrenaron con puntualidad, y solo el estreno de su excéntrica Sinfonía n.º1 comportó un escándalo. A los ojos de la vanguardia europea, Schnittke pronto se convirtió en el portavoz de la última generación de compositores soviéticos.

Sin embargo, se llegó a producir una serie de ataques contra él a lo largo de los setenta. En 1974, Tijon Jrénnikov, secretario general de la Unión de Compositores desde el estalinismo, afirma que Schnittke carece de cualquier talento y debería dejar de componer. Días después se prohíbe una interpretación moscovita de su polémica Sinfonía n.º 1. En 1977, la secretaría de Jrénnikov hizo correr el rumor de que el compositor  había desertado. En 1979, Pravda publica un artículo («Planificando una atrocidad») en que se condena una producción de la ópera de Chaikovski La dama de picas en la que Schnittke está implicado.

Entre sus influencias musicales cabe destacar la de Dmitri Shostakóvich, con quien mantuvo una relación tortuosa, así como las de Sergéi Prokófiev y la vanguardia europea de la primera mitad del siglo, cuya música pudo estudiar a partir de mediados de los cincuenta. Fruto de ese estudio Schnittke pasa a componer de acuerdo con estructuras seriales; pero, a partir de comienzos de los setenta, simplificará su estilo, componiendo en un estilizado poliestilismo (término usado habitualmente para él). Alfred Schnittke fallece el 3 de agosto de 1998, en Hamburgo, Alemania.

Alfred Schnittke (Unión Soviética/Alemania – 1934/1998)

Concerto Grosso n.° 1

Estreno nacional

El Concerto Grosso n.°. 1 para dos violines, clavichémbalo, piano preparado y orquesta de cuerdas, es el primero de seis concerti grossi creados por el compositor soviético Alfred Schnittke. Escrito entre 1976 y 1977, fue estrenado el 21 de marzo del mismo año de su conclusión por Gidon Kremery Tatiana Grindenko en los violines, para quienes fue concebida la obra; además, participaron Yuri Smirnov en los teclados y la Orquesta de Cámara de Leningrado, conducida por Eri Klas. El mismo autor interpretó ambos teclados en una gira por Unión Soviética y Austria. Es uno de los trabajos más representativos del poliestilismo de Schnittke, quien la definió comoel juego de tres esferas: la barroca, la moderna y la banal, fusionando sus técnicas y estéticas en una estructura cohesiva. Su duración es de 28 minutos, aproximadamente, y consta de seis movimientos:

  1. Preludio: Andante
    II. Toccata: Allegro
    III. Recitativo: Lento
    IV. Cadenza
    V. Rondó: Agitato
    VI. Posludio: Andante – Allegro – Andante

Aunque el título evoca claramente al barroco, la partitura no es un pastiche, excepto por su alusión a ciertos aspectos estilísticos del pasado, y sus motivos seudoclásicos pueden ser vistos como un modernismo disfrazado. Sus movimientos se interpretan sin quiebres y conforman una secuencia. Un aspecto singular de esta obra es que todos los movimientos contienen citas revisadas de algunas partituras de Schnittke para el cine como Pedro el GrandeLa mariposa y El incremento. Sin embargo, estas citas se utilizan dentro de un contexto musical abstracto y no sugieren contenidos programáticos o extramusicales.

En 1988 el compositor arregló el trabajo para flauta y oboe en vez de los violines solistas.

Alfred Schnittke (Unión Soviética/Alemania – 1934/1998)

Suite Gogol

Estreno nacional

No sería un insulto parafrasear a Mark Twain y decir que la Suite Gogol, de Alfred Schnittke, es mejor de lo que suena. Para que esto sea así concebido, hay que recordar la implícita carencia de un estatus central que el mismo Schnittke le otorga a la música, la cual solo ha recibido compilación y publicación por parte del amigo del compositor, Gennady Rozhdestvensky. Suite Gogol no es un trabajo maestro, antes bien, es una caprichosa colección de piezas de carácter, escritas rápidamente para ser interpretadas en una producción teatral experimental, y sin pretensiones, más que para servir al propósito.

Es mejor de lo que suena, ya que esto es demostrable con claridad en A-1, donde se da una peculiar virtud de la música en general de Schnittke: sus mejores cualidades, a menudo, están extrañamente divorciadas de la calidad. Muchas de sus partituras –si no esta- están verdaderamente llenas de abundantes detalles, formalmente brillantes y precisos en la construcción. Sin embargo, hasta las más desordenadas (confusas) o crudas de sus obras, están cargadas con una certera precisión de identidad – lo que Santo Tomás de Aquino llamó quidditas, y que terminó definiendo dentro de la escolástica medieval como ‘esencia’, ‘naturaleza’-. Esto, especialmente se evidencia en el tercer movimiento de su Suite GogolVals: un camino que va más allá de la “taimada simplicidad”. Estos siete minutos de baile nunca pasan más allá de un tipo de crudeza y una modesta restricción. Su variedad, sus timbres no homogéneos, sus desgarbadas  y continuas “notas erróneas”, todo indica la harapienta pobreza de la música. Empero, de este pauperismo surge un aura sobrenatural, como el brillo de una moneda desfigurada, atrapada entre la riqueza y el mero metal. Similarmente, este vals vacila entre la música y los meros tonos, y su libertad titubea en una irreemplazable e invaluable ambivalencia.

Por último, no es en absoluto una coincidencia que Schnittke escribiera esta suite para una puesta en escena del escritor ruso Gogol, quien perfeccionó una forma perfectamente extraña de ambivalencia expresiva, un trabajo de empobrecidos recursos (rancios burócratas protagonistas, prosa falsa, estilo absurdo y anti argumento), dentro de la riqueza artística de la literatura. A través del tono de este arquetipo ruso, el “yurodive” o “santo idiota”, Gogol logró reunir estados mentales imposibles con una lógica tan extraña como impresionante.

Las partes que componen la Suite Gogol, de Alfred Schnittke, son:

  1. Overture
    II. Chichikov’s Childhood  (La infancia de Chichikov)
    III. Portrait  (Retrato)
    IV. The Greatcoat Polka (Polca del gabán)
    V. Ferdinand
    VI. The Clerks (Los vendedores)
    VII. The Ball (La pelota)
    VIII. Finale: The Testimony  (Final: El testimonio)

SOLISTAS INVITADOS EN EL VIOLÍN

Cuauhtémoc Rivera Guzmán: primer violinista mexicano graduado en el Conservatorio Chaikovski de Moscú y Medalla Mozart 1999

Acerca de Cuauhtémoc Rivera, el diario El Universal de México reseñó: “Cuauthémoc Rivera Guzmán proviene de una familia de amantes del violín. Sus padres fueron médicos de profesión y aficionados a la música. A los cinco años ya le arrancaba notas al violín. Luego de tomar clases con maestros como Vladimir Vulfman, a los diecisiete años obtuvo una beca del INBA para estudiar en el Conservatorio Chaikosvski de Moscú. Ahí permaneció durante ocho años. En 1989, con veinticuatro años, Cuauthémoc Rivera regresó a nuestro país convertido en el primer violinista mexicano egresado con altas distinciones del renombrado Conservatorio Chaikovski. Hoy es uno de los solistas más requeridos en los escenarios del país. Ha tocado prácticamente con todas las orquestas de México”.

Sus maestros fueron Vladimir Vulfman, Zoria Shijmurzaeva, Guela Dubrova y  Nadezhda Beshkina.Su actividad como solista se ha concentrado en la difusión del repertorio  contemporáneo, habiendo estrenado en México obras de autores como Alfred Schnittke,  Wolfgan Rihm, Philip Glass, György Kurtag y Sofia Gubaidulina. Asimismo, ha estrenado numerosas obras de autores mexicanos, muchas de ellas dedicadas a él, de los compositores Mario Stern, Ulises Ramírez, Federico Ibarra, Héctor Quintanar, René Torres, Roberto Medina, Enrique González Medina y Alejandro Romero. El repertorio tradicional ocupa también una buena parte de su actividad musical.

Ha desarrollado una intensa actividad concertística en todos los escenarios musicales de importancia de México, y ha tocado como solista con la Filarmónica de Lima, orquestas sinfónicas nacionales de Ecuador y Guatemala, Filarmónica de Orlando, Florida; Filarmónica de Bogotá y de la Universidad de Caldas en Colombia, además, en la Sinfónica de Bari, en Italia y la Sinfónica de Heredia, en Costa Rica.

Destaca su participación en importantes festivales internacionales y foros como el Cervantino, Música Nova de Sao Paulo, de Música de Cámara en El Paso, Texas; de Mayo en Guadalajara, Jalisco; y, del Teatro Experimental de La Plata en Argentina, por mencionar algunos. Ha recibido diversos reconocimientos como el de la Unión Mexicana de Críticos de Teatro y Música y la Medalla Mozart al mérito musical.

Docente en la Escuela Superior de Música del INBA en donde coordinó la Cátedra de violín.  En agosto de 2007 fue designado como director de dicha institución, cargo para el cual fue ratificado  para el período 2012-2016. Adicionalmente, imparte cursos y clases maestras en las principales instituciones musicales de México y América Latina.

Andreas Neufeld: De la Berliner Philharmonie a tierras centroamericanas

Andreas Neufeld nació en 1976, en Krasnodar, Rusia. Fue miembro de la Orquesta Filarmónica de Berlín en el periodo de 1998–2009. Inició sus estudios de violín a la edad de cinco años en la Escuela de Música de Dnepropetrovsk. En 1992 ingresa al Conservatorio de Mannheim, Alemania, y estudia con Roman Nodel. En este mismo año obtuvo el primer lugar  en la competencia nacional de Niedersachsen y, en 1996, obtuvo el segundo lugar en la competencia Internacional Luis Spohr. En el año 2000 obtuvo su título como solista. Concertino de la Orquesta de la Radio de Berlín. Miembro de la Camerata Filarmónica de Berlín, de la Camerata Viena- Berlin, conformada por integrantes de las filarmónicas de Viena y Berlín, entre otras.

Como maestro ha impartido clases magistrales en Japón, Italia y Costa Rica; asimismo, ha sido profesor en diferentes festivales de orquesta juveniles alrededor del mundo. Actualmente se desempeña como maestro en diversas escuelas de música de Centroamérica, para jóvenes.

MÚSICOS

Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del I programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Artistas invitados:

  • Cuauhtémoc Rivera (violín I México)
  • Andreas Neufeld (violín I Alemania)
  • Yolanda Martínez (piano I Cuba)
  • Leonardo Gell (cémbalo, piano I Cuba)
Instrumento Nombre
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Caterina Tellini
Violín I Azeneth Lozaíga
Violín I Cristian Cruz
Violín I Johan Chapellín
Violín I Sara Miranda
Violín I Andrés Mendieta
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violín II Carlos Vargas
Violín II Andrés Corrales
Violín II Daniela Garner
Violín II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Amado Domínguez
Violas Mario Sequeira
Violas Luisana Padilla
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Violoncellos Olman Ramírez
Contrabajos Jose Pablo Solís
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos José Saavedra
Flauta Mario Velasco
oboe y corno inglés Roslyn Cerdas
Clarinete I Sergio Delgado
Clarinete II Daniel Porras
Contrafagot y Fagot Luis Diego Cruz
Corno francés Esteban Murillo
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Lizano
Tuba Andrés Porras
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Percusión Josué Jiménez
Percusión Dennis Arce
Piano Leo Gell
Órgano/ Celesta Kevin Sequeira
Cémbalo Yolanda Martínez
Bajo eléctrico Pedro García
Guitarra eléctrica  Alejandro Gómez
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