I Programa 2015

I Programa 2015

I Programa 2015

 

Concierto I : 15 de febrero, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II : 16 de febrero, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Leonardo Gell (Cuba)| Piano, Andreas Neufeld (Alemania)| violín, Solista: Pablo Ortiz (Costa Rica)| guitarra

Astor Piazzolla (1921 ­ 1992 | Argentina)

  • Oblivion para violín y cuerdas

Guido López ­Gavilán (1944 | Cuba) ­

  • Ciacona tropical para violín, piano y cuerdas Estreno nacional

Manuel Angulo (1930 | España)

  • Iluminaciones de Don Quijote ­ Concierto para guitarra (2005). Estreno nacional

Manuel de Falla (1876 ­ 1946 | España) ­

  • El amor brujo

Introducción y escena. En la cueva. El aparecido. Danza del terror. A media noche. Danza ritual del fuego.
Escena. Pantomima. Danza del juego del amor. Final.

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, dan la más cordial bienvenida al respetable público, a la apertura de la temporada 2015 de la Orquesta Sinfónica de Heredia, denominada MÚSICA VIVA | OSH 20/21. La propuesta musical consiste en sumar al repertorio de América Latina que nos ha caracterizado estos años, obras de compositores de distintas latitudes del orbe, compuestas en el siglo XX y lo que llevamos del XXI. Cabe destacar, la incorporación en la programación anual, la obra de tres compositoras y algunas composiciones especialmente escritas para la OSH.

Los primeros compases que escucharemos en este primer encuentro musical del 2015, serán los de Oblivion para violín y cuerdas, del compositor argentino Ástor Piazzolla, pieza que será interpretada en el instrumento solista por Andreas Neufeld; seguidamente, como segunda obra, escucharemos en estreno nacional, la obra titulada Chacona tropical para violín, piano y cuerdas, del compositor cubano Guido López-Gavilán, que tendrá como intérpretes a Andreas Neufeld en el violín y a Leonardo Gell en el piano. De Manuel Angulo, compositor español, la OSH tocará en estreno nacional, la obra Iluminaciones de Don QuijoteConcierto para guitarra, que será tendrá al maestro costarricense Pablo Ortiz en la guitarra; y, por último, el ensamble sinfónico herediano, traerá desde España, la música del ballet El amor brujo, del compositor Manuel de Falla.

Oblivion para violín y cuerdas

Compositor: Ástor Piazzolla (Argentina – Solista: Andreas Neufeld (Alemania)

Elevar el tango al nivel sinfónico

Compositor y bandoneista argentino, nacido en Mar del Plata, un 11 de marzo de 1921. Ástor Piazzolla es uno de los excepcionales casos en que un autor se desenvuelve de manera solvente tanto en el ámbito de la música popular, con sus tangos porteños, como en el de la música culta o clásica. Piazzola entró en contacto desde muy niño con la música popular de su país de la mano de Anibal Troilo. Estudió música clásica con Alberto Ginastera, en Buenos Aires, y Nadia Boulanger, en París. En su catálogo sobresalen obras como: Rapsodia porteña para orquesta, Sinfonía en tres movimientosOda íntima a Buenos AiresTango sinfónico y Tangatapara orquesta. Dentro del tango, destacan títulos como Balada para un locoLa muerte del ángelAdiós nonino y Verano porteño. Renovó el tango, introduciendo nuevas estructuras armónicas y rítmicas tomadas de la música clásica y del jazz. Un 4 de julio de 1992 se silenció para siempre el bandoneón de Ástor Piazzolla.

Piazzolla instala al bandoneón en un sitial de nobleza

Piazzolla quiso impedir que el bandoneón siguiera siendo solo instrumento de una orquesta de baile. Quiso devolverle al bandoneón su nobleza, convirtiéndolo en un instrumento clásico. En 1965, trabaja en estrecha colaboración con Jorge Luis Borges poniendo música a sus poemas. Su Balada para un loco es un enorme éxito mundial. Ese género (balada), más comercial, lo acerca al gran público, que hasta entonces se componía por un grupo selecto de entendidos.

En sus últimos años, Piazzolla prefirió presentarse en conciertos como solista acompañado por una orquesta sinfónica y, a veces, con su quinteto. Es así como recorre Estados Unidos, Japón, Italia, Alemania, Francia y América Latina, incluyendo Costa Rica, donde se presentó para el gran público en el desaparecido programa de televisión Fantástico, entre otros sitios. Es uno de los pocos compositores que pudo grabar e interpretar en conciertos la totalidad de su obra. En los últimos diez años, escribió más de trescientos tangos y unas cincuenta bandas musicales de filmes. También compuso música para obras teatrales y ballets. En febrero de 1993 fue nominado para los Grammy Awards por Oblivion, en la categoría Mejor composición instrumental. Los críticos internacionales han calificado Oblivion como uno de los temas más hermosos de Piazzolla y, probablemente, uno de los más grabados hasta nuestros días.

Andreas Neufeld: Desde el “primer mundo” de la música académica

Andreas Neufeld nació en 1976, en Krasnodar, Rusia. Fue miembro de la Orquesta Filarmónica de Berlín en el periodo de 1998–2009. Inició sus estudios de violín a la edad de cinco años en la Escuela de Música de Dnepropetrovsk. En 1992 ingresa al Conservatorio de Mannheim, Alemania, y estudia con Roman Nodel. En este mismo año obtuvo el primer lugar  en la competencia nacional de Niedersachsen y, en 1996, obtuvo el segundo lugar en la competencia Internacional Luis Spohr. En el año 2000 obtuvo su título como solista. Neufeld es miembro de la Camerata Filarmónica de Berlín, de la Camerata Viena- Berlin, conformada por integrantes de las filarmónicas de Viena y Berlín, entre otras. Como maestro ha impartido clases magistrales en Japón, Italia y Costa Rica; asimismo, ha sido profesor en diferentes festivales de orquesta juveniles alrededor del mundo.

Chacona tropical para violín, piano y cuerdas

CompositorGuido López – Gavilán (Cuba) – Solistas: Andreas Neufeld (Alemania), violín – Leonardo Gell (Cuba), piano – Estreno nacional

Profeta en su propia tierra

El 3 de enero de 1944, en Matanzas, Cuba, nace Guido López-Gavilán. Estudia dirección coral en el Conservatorio Amadeo Roldán, donde en 1966 se gradúa de nivel medio; posteriormente, es discípulo de dirección orquestal del profesor soviético Danil Tiulin; en el año 1970, ingresa en el Conservatorio Chaikovsky de Moscú, donde estudia bajo la dirección de Leo Guinsburg, hasta 1973, cuando concluye su formación académica. A partir de ese año fue director invitado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba.
Es profesor de dirección de orquesta del Instituto Superior de Arte. Fue presidente de la Sección de Música de la Brigada Hermanos Saíz. Ha sido galardonado con algunos premios en su país natal. Al hablar de su popularidad no es solo la que goza entre el gremio musical, sino entre el pueblo cubano, que siente muy suyas melodías tan conocidas como Un recuerdo, las Variaciones Cumbanchero y Camerata en guaguancó.

De origen peninsular con sonidos del trópico

Chacona es un nombre genérico de origen onomatopéyico, que tiene tres acepciones: Composición musical de origen español, de ritmo lento y en compás ternario; baile cortesano que se ejecuta al compás de esta música; y, composición o pieza musical de carácter instrumental, inspirada en este baile y que forma parte de una suite (SM Diccionarios). Ahora bien, explicado el término musical, la Chacona tropical, de Guido López-Gavilán, es una pieza del año 2007, que forma parte del disco considerado dentro del género World Music, titulado Por el mar de la Antillas anda un violín, interpretada en su momento por Ilmar López-Gavilán.

Andreas Neufeld (Alemania), piano

{Ver biografía en Oblivion para violín y cuerdas}

Leonardo Gell (Cuba), piano

Talento cubano de las negras y las blancas

Nacido en La Habana, el 1 de marzo de 1986. Leonardo Gell recibió los máximos honores al culminar sus estudios en el Conservatorio Manuel Saumell, en el Conservatorio Amadeo Roldán y en la Universidad de las Artes de La Habana, donde estudió piano con Faina Braginskaya, Hortensia Upmann, Teresita Junco y Ulises Hernández. Gell es profesor de la Universidad de Costa Rica, además de artista del catálogo del Centro Nacional de Música de Concierto y del sello discográfico Producciones Colibrí, en La Habana. Ha obtenido más de quince premios de interpretación: Gran Premio y Premio Solista Concertante de la Feria Cubadisco, Primer Premio del Concurso de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, y Tercer Premio del Concurso María Clara Cullell, entre otros. Su repertorio cuenta con alrededor de cuarenta estrenos absolutos, muchos de los cuales le han sido dedicados por Leo Brouwer, Juan Piñera, Marvin Camacho, Alfredo Diez Nieto, Yalil Guerra y Julián de la Chica. Desde 2005 desarrolla una activa carrera como concertista, presentándose en escenarios y festivales de América Latina, Europa y Asia, y desde ese mismo año, conforma un dúo junto al violinista Evelio Tieles, discípulo de David Oistrack. En 2007 fundó el Trío Concertante junto a la clarinetista Dianelys Castillo y el violinista Fernando Muñoz.

Iluminaciones de Don Quijote – Concierto para guitarra

CompositorManuel Angulo (España) – SolistaPablo Ortiz (Costa Rica) – Estreno nacional (será interpretada el 15 de febrero, únicamente).

Ante todo, un formador de músicos

Manuel Angulo nace en Campo de Criptana, Ciudad Real, Castilla La Mancha, el 11 de Octubre de 1930. Compositor y pedagogo. De formación clásica, desarrollada en el Real Conservatorio de Música de Madrid, con destacados maestros como los compositores Guridi y Echevarría. Amplió sus estudios en Italia, en la Academia Internacional de Música de Siena; en Francia, mediante una beca del gobierno francés, y en los cursos internacionales del Mozarteum de Salzburgo, Austria. Angulo se ha dedicado profesionalmente a la enseñanza musical durante algún tiempo en el Conservatorio Superior de Madrid. Asimismo, ha impartido clases relativas a las disciplinas musicales en las escuelas de magisterio. Es colaborador musical en la Enciclopedia de Cultura Española y del Aula de Música Ateneo de Madrid. Se dice, por parte de los entendidos, que esta dedicación a la docencia es probable que le haya restado fuerzas y tiempo para trabajar en su faceta de compositor.

Acerca de la “quijotesca” composición de Angulo

La obra Iluminaciones de Don QuijoteConcierto para guitarra, del compositor español Manuel Angulo, tuvo su estreno oficial en el Teatro Circo, de Albacete, España, el día 22 de abril del 2005, con José María Gallardo del Rey en la guitarra, dedicado de la partitura, siendo acompañado por la Camerata de La Mancha y bajo la dirección orquestal de Enrique García Asensio. Esta composición fue comisionada por la misma Camerata de La Mancha con motivo del aniversario de la famosa obra de Miguel de Cervantes.

De cómo el Ingenioso Hidalgo ilumina a un cultivado compositor

El hecho de componer esta obra para guitarra se debe «a la amplia significación de este instrumento en el entorno musical de la época en que aparece la novela cervantina, hace cuatro siglos». A esa nota de color de la cuerda pulsada se une un conjunto de atmósferas o de luces, “iluminaciones”, que Angulo establece y que, de alguna manera, se corresponden con facetas de la personalidad, más que de la peripecia de Don Quijote. Angulo explica: «El contenido sonoro de esta composición está exento de condicionamientos descriptivos, pero ofrece un contrastado juego de impulsos musicales selectos entretejidos con el debido rigor, y cuya expresividad ha sido estimulada por el perfil del imaginario y universal personaje de Don Quijote, a quien su soledad y la fuerza de sus sueños le abrió a matices de muy diversos talantes: por una parte es exaltado, impetuoso, vehemente, furioso y agresivo; pero, también puede ser tierno, dulce, enamorado, soñador; y otras veces optimista, irónico jocoso y grotesco; o incluso sufrido, heroico, amargo, fantástico e irracional. A estas situaciones los impulsos musicales sugieren adscribir un paralelismo expresivo que en la audición le cabe establecer libremente al oyente».

Pablo Ortiz: precocidad en la guitarra y la docencia

Pablo Ortiz nace en San José, Costa Rica, el 4 de diciembre de 1958. Empieza a tocar la guitarra a los ocho años. Autodidacta hasta los trece, cuando gana una beca para estudiar en el Conservatorio de Castella, donde inicia estudios de guitarra con Valentín Bielsa. Al regresar a España el maestro Bielsa, lo deja recomendado para que trabaje como profesor encargado de la carrera de guitarra en la Universidad Nacional, puesto que desempeñaba Bielsa, convirtiéndose a los dieciséis años en el profesor más joven en ser contratado por una universidad en Costa Rica, aún sin haber finalizado sus estudios de educación secundaria. Finalizados sus estudios en el Conservatorio de Castella, Ortiz viaja a España para realizar estudios superiores en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Allí finaliza su carrera de guitarra con Demetrio Ballesteros, discípulo directo del célebre Andrés Segovia. También realiza estudios de pedagogía musical, folclor, musicología e historia de la música en el mismo conservatorio con renombrados maestros y autores como Manuel Angulo, Dionisio Preciados y Antonio Gallego. Actualmente es catedrático y coordinador de la carrera de guitarra en la Escuela de Música de la Universidad Nacional (UNA).

El amor brujo

Introducción y escena. En la cueva. El aparecido. Danza del terror. A media noche. Danza ritual del fuego. Escena. Pantomima. Danza del juego del amor. Final. 

Compositor: Manuel de Falla (España)

Un gaditano que retrata el aire de su tierra natal

Manuel de Falla es uno de los compositores españoles más destacados del siglo XX. Nació en Cádiz, el 23 de noviembre de 1876. Siendo niño estudió música con su madre y otros profesores de su ciudad natal; en su juventud estudió composición con el prestigioso musicólogo y profesor Felipe Pedrell. De 1905 a 1907 fue maestro de piano en Madrid, y entre 1907 y 1914, estudió y trabajó en París. Entre los años 1914 y 1938, vivió y compuso sobre todo en España. En 1939 fijó su residencia en Argentina, donde murió el 14 de noviembre de 1946. Entre sus composiciones más reconocidas están: Noches en los jardines de Españapara orquesta y piano, la ópera La vida breve, sobre texto de Fernández Shaw; los ballets El amor brujo y El sombrero de tres picos, la Fantasía bética para piano, la fantasía escénica El retablo de Maese Pedro, el Concierto para clave y siete instrumentos y variada música para guitarra.

Fuerzas brutas de la naturaleza aplastadas por mente y espíritu

El ballet El amor brujo –en esta ocasión la OSH interpretará la versión orquestal- fue compuesto por Manuel de Falla, entre noviembre de 1914 y abril de 1915. Moreno Ballesteros dirigió el estreno en Madrid, el 15 de abril de 1915. Tiempo después, de Falla revisó la obra. La primera presentación en forma de concierto de la versión definitiva fue interpretada el 28 de marzo de 1916 por la Orquesta Filarmónica de Madrid, dirigida por Bartolomé Pérez-Casas. El compositor, luego de un fracaso inicial tras su estreno, extrajo una suite orquestal del ballet omitiendo los números vocales.

Por medio de sus canciones y danzas populares, El amor brujo refleja el misticismo de la cultura gitana. Particularmente española es la manera en la que las «fuerzas brutas de naturaleza incorregible» -como el biógrafo de Manuel de Falla, Burnett James explica- son aplastadas por «la firmeza de la mente y del espíritu humano», que están representados por el amor de Carmelo y Candelas. James amplía el concepto: “La música surgió de las raíces y de las canciones y de las danzas de los gitanos andaluces y lleva en ella la mayor parte del tiempo una cualidad extrañamente primitiva; o más bien, un tipo de elementalismo emocional y espiritual contenido dentro de un envase técnico y estilístico altamente sofisticado. Hay también un sabor oriental frecuente, que no debe sorprender en vista de los muchos aspectos del flamenco que se sabe y se reconoce que derivan de lo oriental (…)”. (hagaselamusica.com).

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Mariana Salas
Rulamán Vargas
Brenda Zamora
Luissana Padilla
Andrei Valerín
Violín II Azeneth Loáisiga
José Pablo Ocampo
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Priscilla Montalvan
Fabricio Ramirez
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramirez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Melendez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos Juan Pablo Mora
Alberto Moreno
Jose Saavedra
Piano Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Clarinete Sergio Delgado
Krissia Jimenez
Fagotes Daniel Porras
Clarinete Sib 2 Krissia Jiménez
Clarinete Bajo Jose Pablo Cruz Artavia
Fagotes Bryan Valderrama
Cornos Nelly Suarez
Esteban Murillo
Trompeta Fabian Mata
Jose Manuel Loría Brenes
Percusión Josué Jiménez
II Programa 2015

II Programa 2015

II Programa 2015

 

Concierto I : 29 de marzo, 11:00 am, Teatro Eugene O´Neill, San José, Costa Rica

Concierto II : 31 de marzo, 11:00 am, Parroquia Inmaculada Concepción, Heredia, Costa Rica

Presentación VI disco compacto «Voces»

Solistas: Cuauhtémoc Rivera (México)| violín, Josué Jiménez (Costa Rica)| vibráfono, Erasmo Solerti (Costa Rica)| violín, Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

Director: Eddie Mora

Georgs Pelecis (1947 | Letonia)

  • «Jazmín en flor» para violín y cuerdas (Estreno nacional).

Manuel Enríquez (1926 – 1994 | México) –

  • Concerto Grosso, para dos violines, cémbalo y cuerdas

Eddie Mora (1965 | Costa Rica) ­

  • Monólogo para violín y orquesta (Estreno mundial).

Eugenio Toussaint (1954 – 2011 | México)  

  • Concertino para quinteto de alientos y orquesta (Estreno nacional).

Carlos Chávez (1899 – 1978 | México)

  • Sinfonía India
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, se complacen en presentar al fiel público asistente, el segundo concierto de la temporada 2015 de la Orquesta Sinfónica de Heredia, que corresponde a la presentación del VI disco compacto de la OSH, titulado Voces. MÚSICA VIVA | OSH 20/21 es el nombre de la propuesta musical, que consiste en sumar al repertorio de América Latina que nos ha caracterizado estos años, obras de compositores de distintas latitudes del orbe, compuestas en el siglo XX y lo que llevamos del XXI. Cabe resaltar, la incorporación en la programación anual, la obra de tres compositoras y algunas composiciones especialmente creadas para la OSH.

El concierto lo abre, en gran estreno nacional, la composición titulada Blossoming Jazmine (Florecimiento del jazmín) para violín y cuerdas, del compositor originario de Letonia, Georgs Pelecis, que tendrá como solistas al mexicano Cuauhtémoc Rivera en el violín, y al costarricense Josué Jiménez en el vibráfono. Seguidamente, del compositor mexicano Manuel Enríquez, el ensamble herediano interpretará, Concerto Grossopara dos violinescémbalo y cuerdas, con la participación solista en los violines, de Cuauhtémoc Rivera y Erasmo Solerti, mexicano y costarricense, respectivamente. El tercer trabajo musical que escucharemos será del costarricense Eddie Mora, Monólogo para violín y orquesta de cámara, en estreno mundial, interpretado por Cuauhtémoc Rivera. La cuarta obra que ejecutará la OSH será el Concertinopara quinteto de vientos y orquesta, del compositor mexicano Eugenio Toussaint, en estreno nacional y será interpretado por el Quinteto de Alientos de México. Para finalizar, el distinguido público asistente tendrá la dicha de escuchar la Sinfonía India, del compositor mexicano Carlos Chávez.

Jazmín en flor para violín y cuerdas

Compositor: Georgs Pelecis (1947- Letonia) – Solistas: Cuauhtémoc Rivera (México), violín | Josué Jiménez (Costa Rica), vibráfono – Estreno nacional

Versado en música antigua sin desconocer el presente siglo

Oriundo de Riga, Letonia, Georgs Pelecis nace en 1947. En 1970, se gradúa en la clase de composición del compositor armenio Aram Khachaturiam, en el Conservatorio Chaikovski de Moscú; y, en 1977, obtiene el doctorado en artes. Cursa estudios en Oxford y Cambridge. Desde 1990, Pelecis es profesor de teoría de la fuga y el contrapunto, en la Academia Nacional de Música de su natal Letonia. Como musicólogo es autor de dos tesis sobre la música de Johannes Ockeghem (s. XV) y Giovanni Pierluigi de Palestrina (s. XVI). Asimismo, tiene publicados más de treinta artículos sobre temas de la música de la Edad media, Renacimiento, Barroco y sobre composiciones letonas.

Altos ideales humanos como fuente creadora

Entre los principales rasgos de su música destacan: emociones positivas, alegría al momento de la interpretación, y contemplación hacia los ideales y aspiraciones humanas. Su lenguaje musical está basado en consonante claridad con la escala diatónica mayor y menor. Pelecis manifiesta: “La música se escribe por una de dos razones principales, ya sea por proponer un ejercicio intelectual al oyente, o para propiciar un bien para la música. Me siento más cerca de la segunda posibilidad. Toda mi inspiración creadora emana de una suerte de país de la eufonía –buenos sonidos- como encarnación o espejo del ideal humano. La aspiración a ese ideal es tema central de mi producción musical”.

Los solistas

Acerca de Cuauthémoc Rivera, el diario El Universal de México reseñó: “Cuauthémoc Rivera Guzmán proviene de una familia de amantes del violín. Sus padres fueron médicos de profesión y aficionados a la música. A los cinco años ya le arrancaba notas al violín. Luego de tomar clases con maestros como Vladimir Vulfman, a los diecisiete años obtuvo una beca del INBA para estudiar en el Conservatorio Chaikosvski de Moscú. Ahí permaneció durante ocho años. En 1989, con veinticuatro años, Cuauthémoc Rivera regresó a nuestro país convertido en el primer violinista mexicano egresado con altas distinciones del renombrado Conservatorio Chaikovski. Hoy es uno de los solistas más requeridos en los escenarios del país. Ha tocado prácticamente con todas las orquestas de México. Hace dos años (2002) Cuauthémoc fundó el grupo Formas, integrado por jóvenes interesados en la música (…)”.

Josué Jiménez Camacho, por su parte, nace en Pérez Zeledón, en junio de 1988. En el 2004 comienza sus estudios en la Escuela de Música Sinfónica. En el 2006, es aceptado en el Instituto Nacional de la Música, donde obtiene su diploma en percusión. Actualmente, es estudiante de posgrado de esta misma institución.  Ha participado como solista con la Orquesta Sinfónica Juvenil y la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. También ha sido músico extra de la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta de la Universidad de Costa Rica y la Orquesta Filarmónica. En la actualidad es miembro activo de la Orquesta Sinfónica de Heredia. Josué Jiménez ha participado en campamentos internacionales de música en Nicaragua, Colombia, Brasil, Chile y los Estados Unidos.

Concerto grosso para dos violines, clavicémbalo y cuerdas

Compositor: Manuel Enríquez (México /1926-1994) – Solistas: Cuauthémoc Rivera (México) y Erasmo Solerti (Costa Rica)

Figura señera de la segunda mitad del siglo XX

Manuel Enríquez nació en Ocotlán, Jalisco, el 17 de junio de 1926, y falleció el 26 de abril de 1994 en la capital azteca. Su vocación musical proviene de una familia donde la práctica musical era asunto cotidiano. Su aprendizaje del violín primero se da con su padre y, luego, en Guadalajara, en la academia de Áurea Coron. Más tarde, en la ciudad de Morelia, recibe las enseñanzas de Miguel Bernal Jiménez. Años después, evocaría al gran músico moreliano:»Con él logré el acercamiento hacia el conocimiento profundo, fácil, verdadero y duradero de la técnica y práctica de los compositores. Él puso en mis manos y de una manera simple, el medio para aprender el oficio de componer». De entonces datan sus primeros trabajos: Suite para violín y piano, y Dos canciones para voz y piano. En 1955 fue becado por la Juilliard School of Music de Nueva York. En 1971 recibió la beca Guggenheim, cuando ya era un compositor consumado en el medio musical mexicano. En el Centro de Música Electrónica de la Universidad de Columbia, Princeton, experimenta con los medios electrónicos y estudia los nuevos recursos que brinda la tecnología contemporánea.

Del nacionalismo a la vanguardia musical mexicana

El violinista, pedagogo y compositor Manuel Enríquez, representa la ruptura con el nacionalismo en México y la apertura definitiva a la vanguardia musical. En los albores de su vida como compositor, mostró influencia de Paul Hindemith, evidente en su Suite para violín y piano, y en su Concierto para violín y orquesta. Tales composiciones están construidas en un lenguaje politonal, en formas tradicionales; no así Sinfonía II y Obertura lírica, en las que se observa una evolución hacia la atonalidad y el serialismo selectivo, así como estructuras formales de mayor libertad. Desde 1964 trabajó con técnicas aleatorias. Fue uno de los primeros compositores mexicanos que incursionaron con éxito en la música electroacústica. Sus obras para conjuntos de cámara y solos instrumentales suscitaron comentarios favorables en diversas partes del mundo; sin embargo, sus obras sinfónicas TrayectoriasRitual y Raíces, son consideradas como tres de las piezas más representativas de su catálogo “maduro”. Igual sucede con sus cinco cuartetos de cuerda, que sintetizan su lenguaje expresivo característico, y que forman parte del repertorio mejor acabado y más auténtico en la música de cámara mexicana contemporánea.

Solistas

Cuauthémoc Rivera (México-violín) Ver reseña en la primera obra del programa.

Erasmo Solerti (Costa Rica-violín)

Erasmo Solerti Aguilar es un joven violinista y docente que nace en San José en 1981. Su primer contacto con la música se da en el Conservatorio de Castella. Más tarde, continúa sus estudios en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde obtiene la licenciatura en Música con énfasis en Violín. Es premiado con el primer lugar en el Concurso Jóvenes Solistas 2003 de la Orquesta Sinfónica Nacional. Solerti ha estado bajo la batuta de grandes directores como Claudio Abbado, Plácido Domingo y Gustavo Dudamel. Miembro y solista de las orquestas del Conservatorio de Castella, UCR, Sinfónica Juvenil y OSN, y por tres años consecutivos, fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Actualmente, es el concertino de la Orquesta Sinfónica de Heredia y produce el programa En primera fila, en Radio Universidad de Costa Rica.

Monólogo para violín y orquesta de cámara

Compositor: Eddie Mora (Costa Rica/1965) – Solista: Cuauthémoc Rivera (México) – Estreno mundial

Prolijo catálogo en las salas de conciertos y en los estudios de grabación

Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de Heredia. Director Residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Miembro de Número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte. Fundador del Instituto de Investigaciones en Arte y del Seminario de Composición Musical. Profesor en la Escuela de Artes Musicales y Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica.

Nominado a los Premios Grammy Latino 2014 en la categoría – MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA – en la cual participó como director musical y compositor de una de las obras en la producción discográfica – MÚSICA DE COMPOSITORES COSTARRICENSES  – Vol. I – con la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.

Como compositor ha sido reconocido en varias ocasiones con el Premio Nacional en Composición Aquileo J. Echeverría, Premio ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) de Costa Rica y Premio Musical Áncora (La Nación).

Ha dirigido agrupaciones tales como la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes | México (OCBA), la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa | Moscú y la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato | México (OSUG).

Egresado del Conservatorio Chaikovski de Moscú, inició sus estudios musicales en el Conservatorio Castella y en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.

Tercera pieza de un tríptico musical

Esta obra, se suma junto a Plegaria (2014) y Caminos de piedra (2012) a la serie de composiciones de carácter introspectivo, en un discurso en solitario de un personaje central en su trama íntima. En Plegaria fue un cuarteto de cuerdas, en Caminos de piedra el piano y en Monólogo (2015) el rol recae sobre el violín, cuya voz se asoma en un entorno sonoro propiciado por la expresividad tímbrica de la amalgama de los instrumentos de la orquesta. En esta ocasión, las preguntas planteadas al inicio y desarrollo de la pieza parecen tener una sentencia en los instantes finales. La atmósfera de re mayor (acorde usualmente vibrante) acapara el espacio sonoro, que se desvanece con los instrumentos de percusión entre las notas lánguidas del violín.

Solista

Cuauthémoc Rivera (México-violín). Ver reseña en la primera obra del programa.

Concertino para quinteto de alientos, orquesta de cuerdas y percusiones

Compositor: Eugenio Toussaint (1954 –2011 | México) – Solistas: Quinteto de Alientos de la Ciudad de México – Estreno Nacional

Figura trascendental en la música académica y jazzística mexicana

Eugenio Toussaint nace en la Ciudad de México, el 9 de octubre de 1954, y fallece en la misma urbe azteca, el 8 de febrero de 2011. Músico autodidacta, comenzó su carrera profesional en 1972 como pianista del grupo Odradek. En 1974 realizó estudios en forma privada de armonía para piano con Jorge Pérez Herrera,y de técnica pianística conNéstor CastañedaA finales de 1976 fundó Sacbé, junto con sus hermanos Enrique y Fernando, una de las agrupaciones más importantes en la historia del jazz mexicano. En 1979 emigró a los Estados Unidos. Estudió orquestación con Albert Harris. Trabajó con el trompetista Herb Alpert y con el cantante Paul Anka de quien fue director musical.En 1986 regresó a México donde se estableció para consagrarse a la carrera de compositor. En 1989, el Sindicato Único de Trabajadores de la Música le otorgó la Lira de Oro, máximo reconocimiento brindado por este gremio. Desde 1990 hasta 1991, estudió técnica pianística con Leopoldo Gonzálezy, en 1996, recibió clases magistrales con Lucas FossJohn CoriglianoMario LavistayRoberto Sierra.

Eugenio Toussaint: “1997 es el año más importante de mi carrera”

El Concertino para quinteto de alientos,orquesta de cuerda y percusiones fue estrenado por la Orquesta Filarmónica de la UNAM, en el año 1997, durante la temporada anual de conciertos, en la Sala Nezahualcóyotl, de la Ciudad de México. Dicha obra fue una comisión de la OFUNAM, y fue dirigida en su estreno mundial por Horst Neumann.

El ensamble musical invitado*

El Quinteto de Alientos de la Ciudad de México es uno de los grupos de cámara más renombrados en México. Sus cuatro discos compactos Nueva Música MexicanaSalsa para vientosVisiones Panamericanas y Sueños para una América son un ejemplo de la dedicación del grupo a la promoción y difusión de la música mexicana. La consistente labor del Quinteto fue reconocida por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes con seis becas otorgadas entre 2004 y 2012 para encargar, interpretar y grabar quintetos de aliento de los principales compositores mexicanos y latinoamericanos. También, en 1999, recibieron una beca del Fideicomiso México/USA para comisionar obras de compositores mexicanos y norteamericanos. Desde 2013 tiene apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México como parte del proyecto, México en Escena, para impartir cursos, seminarios, proyectos de investigación musical, realizar grabaciones, así como giras de concierto alrededor del mundo.

* Contamos con la participación del Quinteto gracias al apoyo de FONCA | CONALCULTA.

Sinfonía India (n.°2)

Compositor: Carlos Chávez (1899-1978)

Folclor mexicano reinventado con matices vanguardistas

Carlos Antonio de Padua Chávez y Ramírez fue un compositor, director de orquesta, profesor y periodista mexicano, nacido el 13 de junio de 1899, en México, D.F. Autodidacta, Chávez empezó a escribir música a edad temprana, y a los dieciséis años contaba ya con una sinfonía. Sus primeras composiciones maduras se encuadran dentro de la estética nacionalista vigente en México en la primera mitad del siglo XX. Acorde con ella, el músico buscaba su inspiración en temas históricos y legendarios, reinventando, no reproduciendo, su folclor. El contacto con la vanguardia europea, a raíz de un viaje al Viejo Continente, efectuado en 1922, le llevó a adoptar un lenguaje armónico y rítmico más avanzado, inspirado en Igor Stravinski, aunque sin que perdiera nunca sus raíces. Reputado director de orquesta, se le debe la fundación de la Orquesta Sinfónica de México, a la que dirigió entre 1928 y 1949. Su catálogo incluye los ballets Los cuatro soles y Antígona, siete sinfonías, entre las que destaca la Sinfonía India, además de un Concierto para piano y orquesta.

Una sinfonía sintetizada en un solo movimiento

La Sinfonía India es la obra más conocida y ejecutada de Carlos Chávez. Consta de un solo movimiento. Esta obra muestra variadas referencias musicales del indigenismo, así como, elementos modernos primitivistas y del neoclásico de carácter exótico, al estilo de Bartók y Stravinsky. Su interpretación requiere de una gran variedad de instrumentos autóctonos. Por ejemplo, en la percusión, el timbal indio (timbal yaqui), cascabel de arcilla, calabaza, dos teponaztlis (tambores medianos con doble parche de cuero) y un tlapanhuéhuetl (timbal cilíndrico vertical). Asimismo, son de carácter indigenista el ritmo constante en métrica irregular y algunas melodías pentatónicas. La estructura de la Sinfonía India es de una sinfonía clásica condensada en tres movimientos: Allegro– Lento– Allegro/Coda. La coda final con su tema que se repite de manera insistente y prolongada en el tiempo, es otro de los inconfundibles elementos indigenistas de Carlos Chávez.

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Rulamán Vargas
Nancy Alvarado
Brenda Zamora
Violín II Azeneth Loáisiga
Andrei Valerín
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Luissana Padilla
Fabricio Ramírez
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramírez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Mario Sequeira
Priscilla Montalván
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
José Saavedra
Pedro García
Arpa Georgina Hidalgo
Piano/Clave Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Raquel Arguedas
Clarinete Requinto Sergio Delgado
Clarinete Sib 1 Daniel Porras
Clarinete Sib 2 Krissia Jiménez
Clarinete Bajo José Pablo Cruz Artavia
Fagotes Brenda Bourillon
Bryan Valderrama
Cornos Susana Jiménez
Esteban Murillo
Trompeta 1 Jose Manuel Loría Brenes
Trompeta 2 Jesús Campos
Trombón Luis Lizano
Marisel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Josué Jiménez
Allan Vega
Andrés Barboza
Juan Manuel López
José María Piedra
III Programa 2015

III Programa 2015

III Programa 2015

 

Concierto I : 26 de julio, 11:00 am Teatro Eugene O’Neill, San José , Costa Rica.

Concierto II: 27 de julio, 7:00 pm Parroquia Inmaculada Concepción, Heredia, Costa Rica.

Solista: Janis Porietis (Letonia) ­ trompeta

Director: Eddie Mora

Arvo Pärt (1935 | Estonia) ­

  • Psalom para cuerdas – (Estreno nacional)

Ilze Arne (1953 | Letonia) ­

  • Concierto para trompeta y orquesta (Estreno mundial).

Alberto Villalpando (Bolivia) ­

  • Transformaciones del Fuego y Agua en las montañas– (Estreno nacional)

Igor Stravinsky (1882 – 1971 | Rusia) ­

  • Suite de la Historia del Soldado – (Versión de concierto)
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA
Psalom para orquesta – Arvo Pärt (1935 | Estonia)

Profundidad espiritual, minimalismo y contrapunto

Aunque las primeras obras de Pärt muestran influencias rusas de Prokófiev y Shostakóvich, en los años siguientes rechazó los modelos tradicionales y comenzó a utilizar primero el serialismo y, después, un combinado de materiales, como en su Sinfonía n,º 2. Tras un periodo de transición en el que utilizó la polifonía europea, como en su Sinfonía n.º 3, alcanzó una fase de madurez durante la cual compuso obras como Tabula rasaPassio y Miserere. El estilo de Pärt, inspirado en el repiqueteo de las campanas, se caracteriza por un lenguaje tonal austero de profunda belleza espiritual con técnicas minimalistas y contrapuntísticas. Se le identifica como precursor de la música minimalista, y más específicamente del minimalismo sacro. Está considerado un pionero en ese estilo, al igual que sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener.

La obra que escucharemos, Psalom, cuarteto para cuerdas, tuvo su estreno mundial en el Konzerthaus de Viena, Austria, el 18 de noviembre de 1991, con el Cuarteto Arditti String. Su proceso de composición se dio entre los años 1985 y 1991, año en que finalmente se estrenó.

Concierto para trompeta y orquesta – Ilze Arne (1953 | Letonia) – (Estreno mundial)

Solista: Jānis Porietis (Letonia) ­

Brevedad y concisión en su obra

Ilze Arne es una de las compositoras más reconocidas de Letonia. Ella expresa con claridad su manera de ver el trabajo musical: “Me gustan los contrastes, por eso compongo música sacra con su profundidad espiritual y música miniatura para niños. Del mismo modo, me gustan el dinamismo, el ritmo, pero también la sencillez y el laconismo (brevedad, concisión). Nunca he temido a la melodiosa música que sale del alma. Hay que estimular, por tanto, a la gente para que cante”. Según la compositora, uno de sus principales aportes son sus canciones para coro, conocidas como canciones con palabras.

Las transformaciones del agua y del fuego en las montañas – Alberto Villalpando (1940 | Bolivia)

Su imaginario musical: naturaleza y sacralidad

Alberto Villalpando es uno de los compositores quien, en su música, se acerca al movimiento artístico boliviano denominado La mística de la tierra. El artista recoge en su obra la actitud andina respecto de la geografía que habita. Es decir, retoma la idea de un paisaje habitado por divinidades y, por lo mismo, sagrado.

Según sus palabras: “El arte latinoamericano debe ser – no encuentro otra palabra mejor – mágico, es decir debe estar en contacto directo con los imponderables que gobiernan la vida y, particularmente, al hombre con una totalidad desconocida”.

Las Transformaciones del agua y del fuego en las montañas es una obra escrita en el año 1991. Villalpando acude a principios simbólicos que rigen el mundo andino, y que se pueden identificar genéricamente con un principio masculino/fuego y uno femenino/agua. Se trata de un acto ritual, en el que se elabora la búsqueda de un lenguaje que dé cuenta del paisaje y la reflexión de lo que musicalmente Bolivia era en el momento de la escritura de la obra.

Historia del soldado (Versión de concierto) – Igor Stravinsky (1882-1971 | Rusia)

Un Fausto distinto en jazz y ragtime

La historia del soldado fue escrita por Igor Stravinski en 1918 durante su exilio en Suiza, país al que había emigrado a causa de la I Guerra Mundial y la Revolución Rusa. Pieza maestra del siglo XX, La historia del soldado posee elementos del jazz y del ragtime. La obra retoma el mito de Fausto, pero la trama difiere de las creaciones de Marlowe y Goethe, en tanto que el héroe de Stravinski empeña su alma engañado y no elige desde su deseo. El Fausto de Stravinski está más próximo a nuestra experiencia cotidiana que al Fausto heroico de sus dos grandes antecesores. La historia de la obra fue extraída de la colección de cuentos rusos de Alexander Afanasiev, fuente de varias piezas del compositor. La partitura fue escrita para siete instrumentistas, representantes de los extremos graves y agudos de las maderas, metales y cuerdas (clarinete y fagot, corno y trombón, violín y contrabajo) y un percusionista. Stravinski compró un juego de tambores y él mismo aprendió a tocarlos.

Redacción: Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Leonardo Perucci
Brenda Zamora
Violín II Azeneth Loáisiga
Guillermo Salas Suarez
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Luissana Padilla
Nancy Alvarado
Fabricio Ramírez
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramírez
Elisa Hernández
Jafet Quesada
Mario Sequeira
Priscilla Montalván
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
José Saavedra
Pedro García
Arpa Georgina Hidalgo
Clave Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Raquel Arguedas
Clarinete Sergio Delgado
Clarinete (Stravinsky) Daniel Porras
Fagotes Bryan Valderrama
Diego Cruz López
Virya Quesada
Cornos Esteban Murillo
Susana Jiménez
Antonio Mora
Andrés Sánchez Trejos
Trompeta 1 José Manuel Loría Brenes
Trompeta 2 Jesús Campos
Janis Porietis
Trombón Luis Lizano
Marisel Torres
Jorge Chinchilla
Tuba Andrés Porras
Percusión Juanmanuel López
José María Piedra
Ricardo Ignacio Orozco
Andrés Barboza
Juan Pablo Retana
IV Programa 2015

IV Programa 2015

IV Programa 2015

 

Concierto I: 16 de agosto, 11:00 am Teatro Eugene O’Neill, San José, Costa Rica.

Concierto II: 17 de agosto, 7:00 pm Parroquia Inmaculada Concepción Heredia, Costa Rica.

Solistas: Leonardo Gell (Cuba), piano,  Mario Ulloa (Costa Rica), guitarra, Cuarteto de Cuerdas José White (México)

Alejandro Cardona (1959 | Costa Rica)

  • RinoSONoronte para piano y cuerdas* 

Marvin Camacho (1966 | Costa Rica)

  • Fantasía #1 para piano y orquesta

Wellington Gomes (Brasil) ­

  • Concierto para guitarra*

Bohuslav Martinů (1890 – 1959 | República Checa)

  • Concierto para cuarteto de cuerdas y orquesta* (H207)

*Estreno nacional

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Director artístico: Eddie Mora.

Solista: Leonardo Gell, Piano (Cuba) I Mario Ulloa, Guitarra (Costa Rica), Cuarteto de Cuerdas José White (México)

RinoSONoronte (Homenaje a Benny Moré) para piano y cuerdas – Alejandro Cardona (1959 | Costa Rica)

Acerca de la composición, el mismo autor nos comenta: “Siempre he pensado que el cantante cubano Benny Moré fue una de las grandes voces de Nuestra América. No puedo escuchar algo de lo que grabó sin emocionarme profundamente. La verdad es que me hubiera gustado tocar en su Banda Gigante y verlo cantar dirigiendo a sus músicos, de manera insólita, con un bastón, como si fuera un Lully antillano”. Amplía Cardona: “RinoSONoronte es un homenaje que se expresa como una especie de simbiosis entre la música del Benny y la mía propia; un diálogo que va desde lo concreto/referencial hasta lo abstracto/deconstruido: citas de ¡Oh Vida, Rumberos de ayer! (un homenaje, a su vez, a Chano Pozo) y Babarabatiri, entre otras canciones, se encuentran con mi lenguaje, ya sea como algo que surge de él o como algo que lo genera (yo mismo no sé exactamente cómo sucede). Eso sí, no se trata de simples citas melódicas (estilo popurrí o rapsodia), sino que incorpora y recrea la gestualidad, ciertos elementos de arreglo y utilización instrumental (como el uso del piano como instrumento de percusión), y construcciones polimétricas y polirrítmicas que provienen de la música de las grandes orquestas cubanas de los años 50 del siglo pasado. Así, estos elementos de origen popular se convierten en una expresión contemporánea”. Concluye el autor: “La pieza originalmente fue compuesta para un grupo de músicos que, durante mis años en la universidad, tocábamos bajo el nombre –entre nosotros– de Los rinocerontes (en parte por estar formado por la combinación insólita de dos pianos, guitarra, corno francés y violonchelo). De ahí viene el nombre de la pieza. Posteriormente, fue recompuesta, con un sentido mucho más práctico, para piano y cuerdas, ya sea en formato de sexteto o de piano con un pequeña orquesta de cuerdas”.

Fantasía n.° 1 para piano y orquesta – Marvin Camacho (1966 | Costa Rica) – (Estreno nacional)

Imaginación, libertad y expresividad en un solo movimiento

La Fantasía n.° 1 para piano y orquesta es una obra en un solo movimiento, escrita con motivo del «International Festival of Contemporary Music and Piano Competition the Music of the Century» realizado en Vilnus- Lituania. En la obra, según su autor, predominan diversos polirritmos y está dedicada al joven pianista colombiano- costarricense, Giuseppe Gil, quien tuvo a su cargo el estreno mundial en Lituania, en el año 2015 y, recientemente, el estreno en Kostroma- Rusia. El estreno en Costa Rica está a cargo del excelente pianista y maestro cubano, Leonardo Gell, quién además se encuentra en este momento grabando un díptico discográfico con obras pianísticas de la autoría del maestro Marvin Camacho.

Concierto para guitarra – Wellington Gomes (Brasil) – (Estreno nacional)

Brevedad y concisión en su obra

El Concierto para guitarra y orquesta, del compositor brasileño Wellington Gomes, fue compuesto en el año 2013, especialmente para el guitarrista costarricense, oriundo de Alajuela, Mario Ulloa. Basada en una estructura de un concierto tradicional, la obra está escrita en tres movimientos que son ejecutados sin interrupción. No tiene un contenido temático específico, ya que el compositor intentó mezclar ritmos comunes –o afines- entre las culturas de Brasil y Costa Rica, por el hecho de que el guitarrista es costarricense, quien trabaja y vive en tierras brasileñas. Las temáticas son desarrolladas dentro de la variedad técnica que ofrece la misma guitarra, en los campos de la armonía, el ritmo y la melodía de una manera virtuosa.

Concierto para cuarteto de cuerdas y orquesta (H207) – Bohuslav Martinů (1882-1971 | Rusia)

Bohuslav Martinů fue profundamente impresionado por el libre flujo de las líneas polifónicas de los madrigales, y entonces adoptó una línea polifónica similar para su creación, moviéndose con solidez en el campo de la escuela neoclásica de composición que tuvo su florecimiento en París. Eventualmente, el amor de Martinů por la polifonía está coaligado a un fuerte aprecio por el concepto de concertó grosso. En esta forma, más asociada con el periodo barroco, aparece un grupo de instrumentos solistas que surge de una orquesta grande a la que, más bien, llega a oponérsele en el discurso musical.

Así las cosas, este Concierto para cuarteto de cuerdas, es el primero que debe su forma y concepto al amor que profesó Martinů por el concerto grosso. La idea del concierto surgió, en apariencia, de un comentario hecho en un café parisino, cuando uno de los miembros del Cuarteto Pro Arte, le sugirió a Martinů la posibilidad de un concierto para cuarteto para ser interpretado por ellos, y el compositor de inmediato puso manos a la obra.

La forma y la inspiración provienen de Arcangelo Corelli, uno de los más prominentes del barroco italiano. Martinů no usa la forma sonata en este concierto, sino que utiliza la típica forma clásica con un movimiento que concluye en forma de rondó. Está construido en tres movimientos, a través de los cuales, a diferencia del típico concierto de los tiempos de Corelli, el final es un tiempo moderado más que uno rápido. En síntesis, la forma básica de que procede del concerto grosso, permite desarrollar las ideas básicas en la forma de variaciones polifónicas en forma libre.

Allegro vivoAdagio y Tempo moderato son los movimientos que componen este Concierto para cuarteto de cuerdas y orquesta, del compositor checo Bohuslav Martinů.

Redacción: Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Rulamán Vargas
Cristian Cruz
Mariana Salas
José Pablo Ocampo
Nancy Alvarado
Astrid Ríos
Violín II Azeneth Loáisiga
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Leonardo Perucci
Luissana Padilla
Priscilla Montalván
Fabricio Ramírez
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramírez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Mario Sequeira
Maricel Méndez
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
José Saavedra
Pedro García
Piano/Clave Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Raquel Arguedas
Clarinete Sergio Delgado
Daniel Porras
Fagotes Bryan Valderrama
Diego Cruz López
Cornos Nelly Juárez
Esteban Murillo
Antonio Mora
Susana Jiménez
Trompeta 1 José Manuel Loría Brenes
Trompeta 2 Jesús Campos
Trombón Luis Lizano
Marisel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Juan Manuel López
Allan Vega
Andrés Barboza
José María Piedra
Juan Pablo Retana
Programa Especial 2015

Programa Especial 2015

Programa Especial 2015

Viernes 27 de noviembre, 7:30 pm Teatro Eugene O’Neill
Sábado 28 de noviembre, 6:00 pm Gimnasio, Sede del Atlántico UCR, Turrialba

Director Invitado: Ilia Korol (Austria)
Director Artístico: Eddie Mora
Solista: Natalia Grigorieva, piano

-Arvo Pärt (1935 | Estonia)
Summa para cuarteto de cuerdas
-Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Concierto para piano y orquesta No. 20 K.466
Allegro
Romance
Allegro assai
Sinfonía No. 29 K.201
Allegro moderato
Andante
Menuetto: Allegretto; Trio
Allegro con spirito

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Director invitado: Ilia Korol

Director artístico: Eddie Mora

Summa para cuarteto de cuerdas – Arvo Pärt (1935 | Estonia)

El título dado a conocer para esta obra es Summa, como el título de un tratado de la fe cristiana utilizado antes: Suma Teológica, escrito por Santo Tomás de Aquino. La duración sugerida de la obra es de alrededor de 5 minutos y 30 segundos. Está instrumentada para coro mixto o solistas y fue escrita en 1977, y arreglada para cuarteto de cuerdas en 1990 y para orquesta de cuerdas en 1991.

En 1977, Pärt fue el precursor del periodo llamado tintinnabuli –‘campanas’- de la composición, y fue en ese tiempo que compuso muchas de sus más importantes y más a menudo interpretadas obras. Summa se sitúa en el entorno del texto latino del Credo. Previo análisis del trabajo, ha demostrado como la estructura está basada sobre el contenido silábico de dicho texto cristiano católico.

Concierto para piano y orquesta No. 20 KV 466 – Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

El Concierto para piano y orquesta n.º 20 en re menor, K. 466, del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, está fechado en Viena el 10 de febrero de 1785 y estrenado en esa misma ciudad al día siguiente.

La instrumentación incluye los efectivos habituales de la época, destacando la utilización de timbales que unidos a la tonalidad menor de la obra, le confieren un marcado dramatismo. El violonchelo y el contrabajo comparten el mismo pentagrama, sonando este último una octava inferior.

En cierta medida se puede considerar que este concierto, el más dramático de la producción mozartiana, precede y desarrolla aspectos musicales y estéticos que, posteriormente, estarán presentes en la ópera Don Giovanni.

Pocos días después de su estreno, Leopold Mozart, su padre, visitó Viena y le escribió a Nannerl sobre el reciente éxito de su hermano: [He escuchado] un nuevo concierto para piano, excelente, de Wolfgang. El copista todavía trabajaba en él cuando llegamos, y tu hermano no tuvo tiempo para ensayar el rondó, porque tenía que supervisar el copiado.

Ludwig van Beethoven admiraba este concierto y lo mantenía en su repertorio cuando joven. Escribió varias cadenzas, algo que también haría Johannes Brahms. Los tres movimientos del concierto llevan las siguientes indicaciones de tempo:

  • Allegro (rápido).
  • Romanza (lento).
  • Rondó: Allegro assai (muy rápido).
Sinfonía No. 29 KV 201 – Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

La Sinfonía n.º 29 en la mayor, K. 201/186a, fue escrita y completada el 6 de abril de 1774. Se trata, junto con la Sinfonía n.º 25, de una de las más conocidas de sus sinfonías tempranas. Stanley Sadie la describe como «un monumento… personal en el tono, es quizás más individual en la búsqueda de una intimidad, en el estilo de la música de cámara, pero con un carácter vehemente e impulsivo”.

La sinfonía consta de cuatro movimientos dispuestos según el esquema clásico:

  1. Allegro moderato,
  2. Andante
  3. Menuetto: Allegretto – Trio
  4. Allegro con spirito.

El primer movimiento está compuesto en forma sonata, con un tema principal elegante caracterizado por un salto de octava y ambiciosos pasajes de trompa. El segundo movimiento está diseñado para cuerdas apagadas con un uso limitado de los instrumentos de viento, y también está en forma sonata. El tercer movimiento, un minuetto, por acelerados ritmos punteados y frases de staccato; el trío proporciona un contraste más grácil. El enérgico último movimiento, también en forma sonata, pero en esta ocasión en compás de 6/8, conecta con el primer movimiento debido a sus saltos de octava en el tema principal.

Redacción: Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Adriana Cordero
Mariana Salas
Caterina Tellini
Rulamán Vargas
Nancy Alvarado
Daniela Alvarado
Grace Marín
Violín II Leonardo Perucci
Andrés Corrales
Carlos Vargas
Sara Miranda
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramírez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Violoncellos Raúl Barreto
Beatriz Meléndez
Thiago Máximo
Blanca Guandique
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
Flauta Mario Velasco
Oboe Roslyn Cerdas
Raquel Arguedas
Fagotes Diego Cruz López
Bryan Valderrama
Cornos Esteban Murillo
Juan Carlos Porras
Trompeta 1 José Manuel Loría Brenes
Jesús Campos
Percusión José María Piedra
V Programa 2015

V Programa 2015

V Programa 2015

 

13 de septiembre, 11:00 am Teatro Eugene O’Neill, San José, Costa Rica.

14 de septiembre, 7:00 pm Parroquia Inmaculada Concepción Heredia

Solistas: Erasmo Solerti (Costa Rica I violín) Cristian Guandique (El Salvador I violonchelo),  Leonardo Gell (Cuba I piano)

Director invitado: Igor Sarmientos (Guatemala) 

Jorge Sarmientos (Guatemala |1931 – 2012)

  • Música popular para Trío, Op. 53 (Sobre el tema popular guatemalteco «Luna de Xelajú», 1986) – Estreno nacional.
  • Micro­Preludio Orquestal Op.65 (Orquestación del Preludio para Piano n. 4, 2003) – Estreno nacional.
  • Dos Piezas para Orquesta de Cuerdas (Dedicadas a la Orquesta Sinfónica de São Paulo e Igor Sarmientos, 1995) – Estreno nacional.

Igor Stravinsky (1882-1945 | Rusia)

  • Pulcinella (Suite).

Arnold Schönberg (1874-1951 | Austria)

  • Sinfonía de cámara para 15 instrumentos solistas, Op. 9.
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Igor Sarmientos, director invitado
Eddie Mora, director artístico

Sobre la obra del maestro Jorge Sarmientos (1931 – 2012 | Guatemala)

Su obra prolífica -más de cien composiciones- incluye prácticamente toda la gama de música sinfónica. Entre sus composiciones sobresalen: Cinco estampas cackchiqueles -1953-, David y Betsabé -poema para orquesta-; Estampas del Popol Vuh, Estampas de Rabinal Achí, El Pájaro Blanco -las tres en ballet-; Concierto para marimba y orquesta, Oda a la libertad, Ofrenda y gratitud -terremoto de 1976-. También, destacan, Bolívar -oropoema sinfónico para coro, recitante y orquesta-, Diferencias para violonchelo y orquesta -concierto-, Sexteto n.° 2 para piano y vientos -su primera obra dodecafónica-, Cuarteto para cuerdas -1966-, Concierto para violín y orquesta -1971, Concierto para cinco timbales y orquesta y Tres cuadros rurales sinfónicos -sobre el poema Tecún Umán, de Miguel Ángel Asturias-, entre otras composiciones.

Suite de Pulcinella – Igor Stravinsky (1882 – 1971 | Rusia)

Sonidos del pasado con estilos modernos

Pulcinella es un ballet sobre temas de Giambatista Pergolesi, basado en una comedia musical italiana del siglo XVIII. Obra compuesta por Igor Stravinski entre 1919-1920 para los Ballet Rusos de Sergei Diaghilev. El bailarín Leonide Massine creó el libreto y la coreografía. El pintor Pablo Picasso hizo el diseño de los trajes y el decorado del escenario. Fue estrenada en París bajo la batuta de Ernest Ansermet en Mayo de 1920. La obra consta de dieciocho partes.

Comentario acerca de Pulcinella

Pulcinella representa un cambio radical en la trayectoria estilística de Stravinsky, en relación con su etapa primitivista. El autor vuelve su mirada hacia el pasado en busca de la claridad y serenidad clásica, iniciando una nueva etapa en su producción (la segunda) conocida como período neoclásico. De aquí en adelante, se empiezan a dar los continuos retornos hacia el pasado, buscando inspiración en la obra de Bach, Mozart, Haydn y otros autores.

El material musical lo toma prestado de algunos segmentos de la obra de Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. La idea del compositor no es una vuelta al pasado para reproducirlo tal cual y tratar de revivirlo, como los anticuarios. Es por el contrario, usar estas fórmulas arcaicas y pasadas de moda, para ironizar sobre ellas y contrastarlas con los sonidos y ritmos modernos. Así pues, escuchamos una versión nueva del siglo XX, con acentos y sonoridades distintas, ritmos más pronunciados y algunos ostinatos.

Diaghilev quería un ballet basado en la Comedia del Arte del siglo XVIII y el mismo se dedicó a buscar los manuscritos de la música, supuestamente de Pergolessi, pero luego se ha demostrado que en realidad pertenecen a otros autores como Domenico Gallo, Carlo Ignazio Monza y, posiblemente, Alessandro Parisotti y Unico Wilhelm van Wassenaer. A petición de Diaghilev, Stravinski estudió los manuscritos, provenientes de las bibliotecas de Nápoles y Londres, y así nació un nuevo proyecto que conectaría la música moderna con la antigua. Stravinski tomó muchos temas prestados, los reescribió con instrumentación moderna, cambió algo de los ritmos y los acentos y así nació esta hermosa música.

El ballet está orquestado para una pequeña agrupación de cuerdas acompañada de un barítono, una soprano y un tenor. En 1922 compuso una suite con música del ballet, sin la parte cantada, la cual fue revisada en 1944. En 1925 compuso otra versión para violín y piano conocida cono La Suite Italiana.

Sinfonía de cámara para 15 instrumentos solistas, opus 9 – Arnold Schönberg (1874-1951 | Austria)

Contextualización histórica de la Sinfonía de cámara

La Sinfonía de cámara para 15 instrumentos solistas, opus 9 fue escrita en un período tradicionalmente conocido como el final de la belle époque; feliz en apariencia para quienes dormitaban bajo los últimos resplandores de un mundo abocado a la cadena de tragedias históricas que se desencadenarían a partir de 1914. Fue una época prodigiosa en avances tecnológicos, pero también convulsa por los estallidos revolucionarios que claramente anunciaban los grandes cambios sociopolíticos del siglo XX. En el terreno del pensamiento, aquel período refleja la crisis de la cultura europea y de una serie de valores que iban a desaparecer en las décadas siguientes. El lenguaje musical acusa esta crisis, anunciada por el exacerbamiento del cromatismo y el inicio de la disolución de la tonalidad que inicia con el Tristán e Isolda wagneriano, con toda la secuela de transformaciones operadas en las artes plásticas y en la literatura finisecular. El impresionismo pictórico y musical, el simbolismo poético, el cubismo y la abstracción son corrientes tan poderosas en su planteamiento como efímeras en su inmanencia temporal. En ese mundo crepuscular y a la vez auroral se produce en Viena, en torno a la figura de Arnold Schönberg, lo que el musicólogo Hans Keller describe como “la crisis de comunicación más crónica de la historia de la música y, posiblemente, de la historia del mundo”.

Esencia musical de la obra

La Sinfonía de Cámara, opus 9, compuesta en 1906, recibió su primera audición el 8 de febrero de 1907, en Viena, a cargo del Cuarteto Rosé y de un conjunto de instrumentistas de viento pertenecientes a la Orquesta Filarmónica de Viena. La partitura incide en varias características fundamentales del posterior método schönbergiano: texturas contrapuntísticas, intensificación del cromatismo, instrumentación para solistas y, sobre todo, aparición de un acorde de seis notas (sol, do, fa, si bemol, mi bemol, la bemol) que no es otra cosa, sino, una serie de cuartas producto de “una necesidad expresiva completamente diferente”. El carácter de ese acorde penetra completamente en la estructura armónica de la sinfonía, que posee una fascinante ambigüedad tonal. La utilización de ese acorde-tema impide la disociación de la armonía y de la melodía (estamos, por lo tanto, en el umbral del serialismo) a la vez que su empleo como tema en la entrada del corno inglés obedece ya al método de la serie. Las cuatro secciones en que se articula la sinfonía obedecen a un encadenamiento en el desarrollo de las ideas y de las estructuras. Es el sistema de Durchkomposition del que se sirviera Beethoven en sus últimas sonatas para piano.

Redacción: Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Rulamán Vargas
Nancy Alvarado
Adriana Cordero
Violín II Azeneth Loáisiga
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Luissana Padilla
Leonardo Perucci
Fabricio Ramirez
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramirez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Melendez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
Jose Saavedra
Piano Kevin Sequeira
Piano solo Leonardo Gell
Flauta/Flautin Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Raquel Arguedas
Clarinete requinto Daniel Porras
Clarinete en La Sergio Delgado
Clarinete Bajo (en Si) José Pablo Cruz Artavia
ContraFagot Bryan Valderrama
Fagot Brenda Bourillon
Corno Inglés Raquel Arguedas
Corno Francés Nelly Juárez Murillo
Esteban Murillo
Trompeta 1 José Manuel Loría Brenes
Trompeta 2 Jesús Campos
Trombón Luis Lizano
Percusión José María Piedra
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