I Programa 2014

I Programa 2014

I Programa 2014

 

Concierto I : 21 de febrero, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II : 22 de febrero, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica) | violín, Manuel Matarrita (Costa Rica) | piano.

Director Titular: Eddie Mora

Byron Latouche (Costa Rica)

  • Obra por anunciar (Estreno nacional / obra comisionada por la OSH)

Manuel de Elías (1939 / México)

  • Concertante para violín y orquesta (Estreno nacional)

Luis Carlos Figueroa  (1923 / Colombia)

  • Concierto para piano y orquesta

Juan Piñera (1949 / Cuba)

  • Apolón bajando las escalinatas (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – I concierto
Ministerio de Cultura y Juventud
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia

Temporada Tres Américas
Eddie Mora, director titular

 Preludio

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, tienen el sumo agrado de presentarles el concierto de apertura de la temporada 2014 de la Orquesta Sinfónica de Heredia. Este primer concierto de una serie de seis, ofrecerá al respetable público, obras de compositores oriundos de Costa Rica, Colombia, Cuba y México, conformando de este modo la propuesta conceptual para este año: Tres Américas. Efectivamente, la obra que abrirá la temporada será, Jun Aj Pu, Shbalanké, del compositor costarricense Byron Latouche, comisionada por la OSH y en estreno mundial; seguidamente, del compositor mexicano Manuel de Elías, escucharemos, Concertante para violín y orquesta, en estreno nacional, con Erasmo Solerti como solista; luego, del colombiano Luis Carlos Figueroa, la OSH interpretará, Concierto para piano y orquesta, con Manuel Matarrita como solista; inmediatamente, escucharemos Apolón bajando las escalinatas, del cubano Juan Piñera, obra también comisionada por la OSH y que será estreno mundial; y para cerrar, la orquesta herediana interpretará, también en estreno mundial y  escrita para la OSH, Cuentos de mi Tía Panchita – Parte 1: “Cómo Tío Conejo le jugó sucio a Tía Ballena y a Tío Elefante”, del compositor nacional, Andrés Soto. Desde este primer concierto de apertura se perfila el concepto que mostrará la OSH durante la temporada 2014: música de Centroamérica, Sudamérica y Norteamérica: Tres  Américas.

Programa

  1.  Jun Aj Pu, Shbalanké

Byron Latouche (1980 / Costa Rica) Estreno nacional / obra comisionada por la OSH

Sólida formación musical de un joven compositor

Byron Latouche, oriundo de La Aurora, Heredia, nace el 25 de agosto de 1980. Su experiencia como director coral y organista inicia a los 13 años en una iglesia bautista. En 1998 inicia sus estudios formales de dirección coral en la Universidad Nacional. Trabajó en el Programa Identidad Cultural, Arte y Tecnología (ICAT-UNA), donde recibió capacitación en Tecnología Musical por medio de un convenio entre la Escuela Superior de Artes de Utrecht, Holanda y la UNA. Becado por la UNA, obtiene el título de Máster de Artes en Música con especialidad en Composición Contemporánea, en la Universidad de Bristol, Reino Unido. Con su propio sello discográfico, Música Sur La Touche, produjo el álbum Compositores Nuevos… Visiones Nuevas, que incluye música de cámara suya y de compositores costarricenses contemporáneos. Actualmente, trabaja como profesor de Teoría Musical en la UNA y en la UCR, Sede de Occidente.

Jun Aj Pu, Shbalanké: mito ki-chè en el pentagrama musical

Explica el compositor: “Un amigo maya me prestó un libro fascinante: el Pop Wuj (o Popol Vuh). Se trata de la traducción al español del poema mito-histórico kí-chè, realizada por el maestro indígena Adrián Inés Chávez. La gran diferencia de esta traducción con respecto a otras realizadas anteriormente radica en que está libre de prejuicios hacia las tradiciones indígenas. Las traducciones anteriores confundían los nombres de dioses con sus atributos. Con la traducción de Chávez se aclaró, por ejemplo, que Jun Aj Pu, Shbalanké no eran gemelos, sino dos nombres de un mismo ser: Un Cerbatanero (oficio de cazador), y Shbalanké (nombre propio).

Jun Aj Pu, Shbalanké es un ser mítico de quien descienden los humanos. Él baja a shibbal Ba, o el “inframundo”, y venga la muerte de su padre Un Cerbatanero, Siete Un Cerbatanero, venciendo a Nuestras Siete Vergüenzas (orgullo, ambición, envidia, mentira, crimen, ingratitud e ignorancia). Al final de la épica historia, Shbalanké se eleva al cielo y se convierte en el Sol”.

Luego comenta sobre la música: “En el nivel musical, Jun Aj Pu, Shbalanké está basada en materiales melódicos y armónicos muy concretos. Al inicio, la pieza es un poco irregular rítmicamente, pero poco a poco las sonoridades se vuelven más verticales y con ritmo marcado. La segunda parte es más “lenta y calmada”, con unas sonoridades muy etéreas ejecutadas por solistas de vientos maderas y cuerdas, junto con la percusión y el piano. De repente, en un tutti, resurgen los motivos de la primera parte y coexisten con los de la segunda, desde ese punto hasta el final de la obra, unas veces superponiéndose, otras yuxtaponiéndose. Esta coexistencia podría representar la personalidad dual del personaje Jun Aj Pu, Shbalanké, quien, en el poema del Pop Wuj, hace el milagro del desdoblamiento: un Jun Aj Pu, Shbalanké real y otro artificial, quienes al final vuelven a ser uno solo”.

Concluye el autor: “El ritmo es otro aspecto importante en Jun Aj Pu, Shbalanké: a la percusión se le confiere un virtuosismo rítmico y una complejidad en cierto modo parecida a la de la música indostana. En gran parte de la obra no existe una métrica tal y como se concebiría en la música clásica de Occidente: hay mucha polimetría, a veces el tiempo es elástico, y surgen ciclos dentro de ciclos, a la manera de un calendario maya”.

  1. Concertante para violín y orquesta (Estreno nacional)

 Manuel de Elías (1939 / México) / Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)

Sones latinoamericanos y contemporáneos en su quehacer musical

Compositor y director de orquesta originario de la Ciudad de México, nacido en 1939. Creador y presidente del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte. Estudió piano y composición con su padre, Alfonso de Elías, y amplió sus conocimientos en el Conservatorio Nacional, y en la Escuela de Música de la Universidad Nacional. Posteriormente, realizó cursos en los Estados Unidos y en Europa. Ha realizado una prolífica carrera como director de orquesta, ocupándose de la música mexicana, latinoamericana y contemporánea en general, además del repertorio clásico tradicional. Fundador y director artístico de la Orquesta Sinfónica de Veracruz y de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. Ha dirigido todas las orquestas profesionales de su país y orquestas sinfónicas de EE.UU., Europa y América Latina.

Catálogo diverso de un compositor muy latinoamericano

Manuel de Elías cuenta con más de 175 obras de variados géneros, entre las cuales sobresalen: Once Sonantes para orquesta, Concierto Coyoacanense para guitarra y orquesta, Concierto para violonchelo, Balada concertante para trombón, cuerdas y percusiones; Mictlán-Tlatelolco para orquesta de cuerdas, Canciones del ocaso para mezzosoprano y orquesta, Conmemoraciones para orquesta, Concierto para piano y orquesta, y la obra que escucharemos en este concierto de apertura de la temporada 2014 de la OSH: Concertante para violín y orquesta.

Erasmo Solerti (solista)

Bajo la batuta de Abbado, Dudamel y Domingo: dicha de pocos

Erasmo Solerti es un joven violinista y docente que nace en San José en 1981. Inicia sus estudios musicales en el Conservatorio de Castella. Más tarde, continúa en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde obtiene la licenciatura en Música con énfasis en Violín. Es premiado con el primer lugar en el Concurso Jóvenes Solistas 2003 de la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha estado bajo la batuta de laureados directores como Claudio Abbado, Plácido Domingo y Gustavo Dudamel. Miembro y solista de las orquestas del Conservatorio de Castella, UCR, Sinfónica Juvenil y OSN, y por tres años consecutivos, fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Actualmente, es el concertino de la Orquesta Sinfónica de Heredia y produce el programa En primera fila, en Radio Universidad de Costa Rica.

  1. Concierto para piano y orquesta
    Luis Carlos Figueroa
    (1923 / Colombia) / Solista: Manuel Matarrita (Costa Rica)

Notas que emergen coloridas del Valle del Cauca

Luis Carlos Figueroa es un compositor colombiano, nacido en Cali, el 12 de octubre de1923. Este músico vallecaucano se destaca como pianista, compositor y pedagogo. Su trayectoria refleja una marcada influencia de su maestro, Antonio M.ª Valencia. Gran parte de su vida la ha dedicado a la docencia en la cátedra de piano, y la dirección del Conservatorio Antonio María Valencia, con sede en Cali. Su estilo se enmarca en un concepto posimpresionista de gran colorido armónico, legado de su formación en la escuela francesa, y en las corrientes neoclásicas. Su música alude a ritmos y aires colombianos, aunque no define su obra como nacionalista.

Concierto para piano en homenaje a Cali

El catálogo de obras de este ilustre compositor vallecaucano incluye piezas vocales, corales, para orquesta y música de cámara para diferentes combinaciones de instrumentos. Su primer concierto para piano y orquesta data de 1986, y sus movimientos son: Allegro, el primero; Moderato, el segundo,  y Allegro scherzando, el tercero. Figueroa compuso este concierto para conmemorar los 450 años de la fundación de la ciudad de Cali. Su estreno se realizó en el Teatro Municipal de Cali, el 25 de julio de 1986, con el maestro Agustín Cullel al mando de la orquesta sinfónica.

Manuel Matarrita: académico solista al piano

Manuel Matarrita es hoy en día uno de los pianistas más fecundos de Costa Rica. Obtuvo el bachillerato y la licenciatura en  música con énfasis en Piano en la Universidad de Costa Rica. Posteriormente, realizó estudios de maestría en música en la Universidad de New Orleans, y de doctorado en Artes Musicales en la Universidad Estatal de Louisiana. Recientemente, concluyó estudios de posgrado en Gestión Cultural y Comunicación, en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (FLACSO). Es catedrático en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.

  1. Apolón bajando las escalinatas
    Juan Piñera (1949 / Cuba) – Estreno mundial / obra comisionada por la OSH

De la mayor de las Antillas al escenario costarricense

Juan Manuel Piñera Infante es un destacado compositor y pianista cubano, heredero de reconocidos compositores como Juan Blanco, Carlos Fariñas y Leo Brouwer. Nace en La Habana, Cuba, el 18 de enero de 1949. Inicia sus estudios de piano en 1965 con César Pérez Sentenat, y los continúa, en 1967, en el Conservatorio Alejandro García Caturla. En 1968 ingresa en la Escuela Nacional de Música (Cubanacán), y ese mismo año estudia la obra de Chopin y Scriabin con la pianista polaca Halina Czerny-Stefanska. En 1972 concluye sus estudios de nivel medio en la Escuela Nacional de Música. Luego, estudia composición con José Ardévol y Enrique Bellver, y concluye estudios en el Instituto Superior de Arte con Roberto Valera.

Entre sonidos clásicos y contemporáneos

El catálogo de obras de Juan Piñera consta de obras para ballet, conjunto instrumental, coro mixto a capella, coro y orquesta sinfónica, guitarra sola, instrumento solista con orquesta sinfónica, instrumento solista, coro y orquesta de cámara; instrumento solista, coro y orquesta sinfónica; instrumentos solista y orquesta de cámara, instrumento solistas y orquesta de cuerda, música electroacústica e incidental para cine y teatro.

  1. Cuentos de mi Tía Panchita – Parte 1 : «Cómo Tío Conejo le jugó sucio a Tía Ballena y a Tío Elefante»

Andrés Soto (1986/ Costa Rica) Estreno mundial  / Obra comisionada por la OSH

Un rap y un pop igual que un poema sinfónico

Andrés Soto Marín, compositor nacional, nace en San José, en 1986. Realiza estudios de composición, teoría y piano en Hofstra University y en New York University, donde obtiene una maestría con énfasis en música para cine. Su versatilidad le ha permitido colaborar con varios artistas en diversos géneros musicales como rap, pop y música electrónica, aunque se ha desenvuelto más como compositor de música clásica y de bandas sonoras. Su música sinfónica ha sido interpretada por orquestas en Nueva York, Praga, Texas y Costa Rica. En 2012 se estrenó El susurro de una brisa, su primera obra para orquesta sinfónica interpretada en Costa Rica,  compuesta para celebrar el 50 aniversario de la OSH. Ha escrito bandas sonoras para largometrajes, documentales y cortometrajes.

Confesiones del autor acerca del origen de la obra

Según palabras del compositor, en diciembre de 2012, cuando la OSH ejecutó su primer poema sinfónico, El susurro de una brisa, asistió a varios ensayos. En uno de tantos, mientras la orquesta hacía una pausa durante el ensayo de Pedro y el lobo, de Prokofiev, casualmente le dice a Eddie Mora que sería interesante crear una obra parecida, con narrador, pero basada en un cuento costarricense, para que el público nacional se identificase más con la trama. Eddie le dice enseguida: «Escribila, y la tocamos». Así de fácil, sin mayor discusión y con un simple apretón de manos, se planta en la cabeza de Soto Marín la idea de crear Cuentos de mi Tía Panchita. Parte 1. «Cómo Tío Conejo le jugó sucio a Tía Ballena y Tío Elefante». Como un equivalente nacional del clásico animado Bugs Bunny –según comenta-, no duda en escribirla en un lenguaje caricaturesco, ameno y hasta un poco infantil. Pero a diferencia de Pedro y el Lobo, a esta obra no le da un carácter didáctico, por lo que no asigna instrumentos para cada personaje, porque se enfoca en musicalizar la prosa de Carmen Lyra al pie de la letra.

 

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
José Pablo Ocampo
Violín II Azeneth Loáisiga
Jefferson Morazán
Leonardo Perucci
Sandra Ramírez
María del Mar Mack
Andrei Valerín
Violas Lucía Leandro
Jeffrey Chavarría
Elisa Hernández
Priscilla Montalbán
Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Gerson Campo
Thiago Máximo Bezerra
Contrabajos Alberto Jara
Federico André
Alberto Moreno
Flautas Mario Velasco
Enmanuel Lafuente
Oboes Roslyn Cerdas
Isaac Alfaro
Clarinetes Daniel Porras
Sergio Delgado
Fagotes Giuliana Carfagnini
Brenda Bourillon
Cornos Nelly Juárez
Esteban Murillo Brenes
Trompetas Alexis Morales
Esteban González
Trombones Luis Lizano
Maricel Torres
Jorge Chinchilla
Tuba Andrés Porras
Percusión Josué Jiménez
Allan Vega
Andrés Barboza
Juanmanuel López
Batería Orlando Ramírez
Piano Luissana Padilla
Arpa Georgina Hidalgo
II Programa 2014

II Programa 2014

II Temporada 2014

 

13 de abril , 11:00 am Teatro Eugene O’Neill

15 de abril, 7:00 pm Parroquia Inmaculada Concepción Heredia

Director Titular: Eddie Mora

Solistas: José Pablo Quesada (Costa Rica I piano), Ivette Ortíz (Costa Rica I soprano)

Marvin Camacho (1966 / Costa Rica)

  • Tercer Poema (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)

Eddie Mora (1965 / Costa Rica)

  • Ni aquí ni allá para soprano y cuerdas (texto: Marina Tzvetaeva – Estreno mundial)

Rocío Sanz (1934 – 1993 / Costa Rica)

  • Canciones de la muerte (texto: Rocío Sanz – Estreno nacional)

Félix Mata (1897 – 1985 / Costa Rica)

  • Vuelo supremo (texto: Julián Marchena, arr.: E. Mora)

Diana Arismendi (1962 / Venezuela)

  • Concierto para piano (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)

Rafael Chávez Torres (1839 – 1907 / Costa Rica)

  • Duelo de la Patria (arr.: V. Soifer)

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – II Concierto
Ministerio de Cultura y Juventud
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia
Temporada Tres Américas
Eddie Mora, director titular

 Preludio

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, se complacen en ofrecer al respetable público, el segundo concierto de la temporada 2014, siguiendo con el concepto que nos guía para este año: Tres Américas. La primera obra que escucharemos será el poema sinfónico La voz de San Juan,  del compositor costarricense Marvin Camacho, comisionada por la OSH y en estreno mundial; la segunda pieza será, Vuelo supremo, de Félix Mata Valle, con texto del poeta nacional Julián Marchena, arreglo de Eddie Mora y con Ivette Ortiz como solista; enseguida, como tercera obra, escucharemos de Diana Arismendi, compositora venezolana, su Concertino para piano y orquesta, obra comisionada por la OSH, en estreno mundial y que será interpretada por el pianista José Pablo Quesada; luego, será el turno de Rocío Sanz con su obra, Canciones de la muerte, en estreno nacional; la quinta obra que escucharemos se titula, Ni aquí ni allá para soprano y cuerdas, de Eddie Mora, en estreno mundial;  finalmente, como cierre acorde con la Semana Santa, la OSH interpretará del compositor costarricense Rafael Chaves Torres, el sublime Duelo de la patria, en arreglo de V. Soifer.

Programa

  1. Obra: Tercer poema

    Compositor: Marvin Camacho Villegas (1966) – Costa Rica

Oriundo de una tierra de mascaradas con sentido festivo y religioso

Marvin Camacho Villegas nace en Barva, Heredia, en 1966. Sus primeros conocimientos en piano y composición los adquiere en el Conservatorio de Castella entre 1979 y 1983. Entre 1982 y 1984, estudia composición con Roger Wesby y Mario Alfagüel. En 1985 ingresa a la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde estudia composición musical con Luis Diego Herra, Bernal Flores y Benjamín Gutiérrez. Asimismo, toma estudios pianísticos con Pilar Aguilar. Ha recibido premios, tales como: Premio Nacional de Composición Aquileo Echeverría del año 2007, por su Sinfonía n.° 2, Humanidades; el Premio Nacional de las Artes de 1984, por su Meditación bribri, y el Premio ACAM del 2010, por su Sonata dal inferno para piano.

La  voz de San Juan: último poema de un tríptico sinfónico

Con este poema sinfónico se cierra el tríptico de poemas compuestos por el compositor. Es una obra cargada en algunos momentos de un claro expresionismo, y recurre a melodías y armonías de gran cromatismo sonoro. La obra se construye a partir de dos personajes del Nuevo Testamento: Juan Bautista (Agua) y Juan Evangelista (Fuego). La presencia de estos personajes intenta producir un equilibrio entre uno y otro, y conduce a la orquesta hacia un tratamiento tímbrico y armónico distinto a lo tradicionalmente planteado en otras obras sinfónicas de Camacho. La voz de San Juan convoca, una vez más, al carácter reflexivo de los dos poemas que le anteceden, con la variante de un planteamiento estético que emplea el concepto místico, que reviste a cada uno de los personajes aludidos. Estructuralmente es una obra simple, que busca dibujar a través del sonido a dos personajes vitales del Nuevo Testamento de la Biblia. El compositor utiliza una serie de efectos propios de la técnica extendida y subraya fuertemente el recurso melódico como parte fundamental de esta obra.

  1. Obra: Vuelo supremo (texto: Julián Marchena; arreglo E. Mora)

   Compositor: Félix Mata Bonilla (1931-1980) – Costa Rica

   Solista: Ivette Ortiz (Costa Rica)

Once son suficientes para un ilustre desconocido

Félix Mata Bonilla, compositor costarricense, nació en 1931, y falleció en 1980. Hijo del también compositor Julio Mata Oreamuno, Félix fue el primer licenciado en piano que graduó la Universidad de Costa Rica. No obstante, combinó su vocación musical con la profesión de odontólogo. Su legado musical es un reducido catálogo de obras que comprende ocho canciones, una sobresaliente sonata para piano, una suite para cuerdas, y un trío para violín, violonchelo y piano, en total, once obras. (M. Matarrita: 2013).

Poesía en fuga hacia el pentagrama

En la década de 1970, Félix Mata compuso seis canciones con textos poéticos de Julián Marchena, creadas con la colaboración de la mezzosoprano nacional Julia Araya. La primera de las canciones se basa en el poema más célebre de Marchena: Vuelo supremo. Francisco Javier Mata, hijo de Félix, cuenta que, aunque la versión original es para canto y piano, primero se estrenó en una adaptación como una romanza para violonchelo y cuerdas. Seis años más tarde, Mata realizó la musicalización de los poemas Silencio y La despedida. Las restantes obras corresponden al tríptico de sonetos titulados Marinas (La mañana, La tarde y La noche). Mata compuso este ciclo de canciones a petición de Araya para el recital de graduación del bajo Rafael Ángel Saborío. Respetó el ritmo poético de las obras de Marchena, evitando giros melismáticos (varias notas musicales correspondientes a una sola sílaba). (M. Matarrita: 2013).

Alas en fuga, “opus 1”…y único

Julián Marchena nació en San José, C.R., el 14 de marzo de 1897, y falleció en la misma ciudad en mayo de 1985. Director de la Biblioteca Nacional, miembro de la Academia Costarricense de la Lengua, entre otros cargos. En 1963 recibe el premio Magón de literatura por Alas en fuga, su única publicación. Dicho poemario, publicado en 1941 y reeditado en 1965 con algunos poemas nuevos, incluye el poema Vuelo supremo, y constituye el total de su obra lírica, de un indiscutible tinte modernista.

Vuelo supremo

Quiero vivir la vida aventurera

de los errantes pájaros marinos;

no tener para ir a otra ribera,

la prosaica visión de los caminos.

Poder volar cuando la tarde muera

entre fugaces lampos ambarinos

y oponer a los raudos torbellinos

el ala fuerte y la mirada fiera.

Huir de todo lo que sea humano;

embriagarme de azul…Ser soberano

de dos inmensidades: mar y cielo,

y cuando sienta el corazón cansado

morir sobre un peñón abandonado

con las alas abiertas para el vuelo.

Ivette Ortiz, cantante

Ivette Ortiz inicia sus estudios de canto en el Conservatorio de Castella con el maestro Danilo Chávez. Es egresada de la Universidad de Costa Rica y de la Universidad de Arizona. Actualmente es profesora de la misma especialidad en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.

  1. Obra: Concierto para piano

    Compositora: Diana Arismendi (1962) – Venezuela

   (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)
Solista: José Pablo Quesada (Costa Rica)

Compositora, investigadora, docente y directora ejecutiva de festivales

Diana Arismendi, nacida en Caracas en 1962, es hoy en día una de las compositoras venezolanas más importantes de su generación. Su producción musical incluye música orquestal, una ópera para niños, conciertos para solistas, varias obras para percusión, piano y percusión, piano solo, diversos instrumentos solistas, un cuarteto de cuerdas, un quinteto de vientos, ensambles de diversa índole, música vocal y coral, música electrónica y una obra sinfónico-coral. Posee un doctorado en Composición y una maestría en Composición y Música Latinoamericana. Sus obras son interpretadas en festivales y salas de conciertos alrededor del mundo. Actualmente es profesora titular de Composición en la Universidad Simón Bolívar. Desde 1996 es directora ejecutiva del Festival Latinoamericano de Música de Caracas. Paralelamente a su labor creativa, realiza investigación en el campo de la música latinoamericana y sobre la enseñanza de la composición.

Notas musicales convertidas en pan y vino del Señor

Cedemos la palabra a D. Arismendi: “Escribí el Concertino para piano y orquesta a solicitud del pianista José Pablo Quesada, para ser estrenada con la Orquesta Sinfónica de Heredia  en un concierto en la Semana Santa del 2014. Quesada se dirigió a mí en búsqueda de una obra “de carácter religioso” con dicha instrumentación. Las ideas vinieron de golpe, todas a mi mente, y desde que escribí la primera nota sabía de qué se trataba. Era mi oportunidad de escribir una música que simbolizara (¿) el momento más maravilloso de la misa católica: la conversión del pan y el vino en cuerpo y sangre de Cristo (Corpus et Sanguis)”.

Prosigue la compositora: “La brevísima obra está estructurada en dos movimientos contrastantes: el primero reflexivo, introspectivo en su inicio, brillante y atlético en la parte intermedia, para cerrar con los momentos más melodiosos de la obra. Este primer movimiento está marcado por una cita que me pareció ineludible: el tema de la “comunión” del Parsifal de Wagner. El segundo movimiento de carácter más punzante, más rítmico, fue el espacio ideal para hacer sonar las campanas del Sanctus. Durante la eucaristía, hay al menos cuatro momentos especiales cuando se hacen sonar las campanas. La epíclesis, al inicio de la misa, es cuando el padre pide a Dios cambiar el vino en la sangre de Cristo y el pan en el cuerpo de Cristo. Es el inicio de la comunión. Justo antes de la epíclesis, se hacen sonar las campanas. Estas campanas de mi obra evocan un repique de las campanas de la Catedral de Praga. Al final de este segundo movimiento, cito un tema de especial importancia en mi ideario musical: la melodía final de la Cantata criolla del compositor venezolano Antonio Estévez. Es el momento en que Florentino, a punto de ser vencido en su contienda por el Diablo, evoca a las vírgenes protectoras de Venezuela, venciendo así el mal, logrando imponer la luz sobre la oscuridad.

Finaliza la autora: “Mi obra está llena de referencias de carácter místico en un marco musical en el que el piano logra dar coherencia al contenido musical, dando relevancia al solista. La obra está dedicada al pianista José Pablo Quesada, a la Orquesta de Heredia y a su director, Eddie Mora, amigos todos de Costa Rica”.

José Pablo Quesada, pianista

José Pablo Quesada nace en San José, C. R., en febrero de 1987. Inicia sus estudios de piano en el 2003, cuando ingresa al Plan Intensivo de la Universidad Nacional y al Instituto Superior de Artes, bajo la conducción de Alexandr Sklioutovski, Gerardo Meza, Ludmila Melzer y Luis Monge. Continúa sus estudios en el 2005 en la Universidad Nacional (UNA), con énfasis en la enseñanza e interpretación del piano. En el 2008 recibe una beca completa para optar por una maestría en la Universidad Cristiana de Texas, institución donde después realiza un doctorado en Artes Musicales.

  1. Obra: Canciones de la muerte

    Compositora: Rocío Sanz Quirós (1934-1993)- Costa Rica

Superando el esquema de género de mediados del siglo XX

 

Rocío Sanz Quirós es compositora y una de las figuras más significativas de la literatura infantil costarricense. Nace en San José en 1934, y fallece en México en 1993. Cursa la secundaria en el Colegio Superior de Señoritas. En 1950 inicia sus estudios musicales en el entonces Conservatorio de la Universidad de Costa Rica, con Guillermo Aguilar Machado. Más tarde, en el Conservatorio Nacional de México es alumna de Carlos Jiménez Mabarak, Blas Galindo y Rodolfo Halffter. Entre 1965 y 1966 estudia composición en Moscú. En su legado literario hay poesía, cuento y obras de teatro. Su catálogo musical incluye obras para voz y piano, música de cámara, obras corales y orquestales, música para obras de teatro, cuentos, documentales y canciones para coro de niños.

 Musicalidad del texto determina los recursos musicales

Canciones de la muerte para soprano y cuerdas es un ciclo escrito en 1983, que consta de cuatro canciones, cuyos textos son de Rocío Sanz. Las canciones son: La muerte espera, La fiera (Muerte inesperada), La muerte prevenida y Arrullo. Estas piezas ofrecen algunas características generales: lacónicas en su expresión, su forma musical se acerca a la miniatura musical, son atonales, y el texto literario juega un papel importante en la escogencia de los recursos musicales. El texto de la primera canción, La muerte espera, dice: “La muerte espera en todos los recodos de la vida, agazapada fiera, secreta y escondida; el de la segunda, La fiera (Muerte inesperada): “Muerte violenta y súbita, fiera que salta desde su guarida. La muerte inesperada nos desgarra, las páginas del libro de la vida”; el de la tercera, La muerte prevenida: “La muerte prevenida, la que se ensaya, aquella que se espera; la muerte prevenida es tan fuerte que la otra, la otra, es la misma”, y el de la cuarta, Arrullo: “El engañoso arrullo de la fiera es la muerte que a todos nos espera y canta: ah, ah”.

  1. Obra: Ni aquí ni allá para soprano y cuerdas

    Compositor: Eddie Mora Bermúdez (1965)- Costa Rica

 Del Teatro Arnoldo Herrera González a escenarios mundiales

Hoy en día, es el director titular de la Orquesta Sinfónica de Heredia, director residente de la Orquesta Sinfónica Nacional y decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica. Eddie Mora Bermúdez nace en febrero de 1965. Compositor costarricense quien viviera gran parte de su vida en el josefino cantón de Desamparados. Saca las primeras notas de un violín en el Conservatorio de Castella; luego, ahonda estudios en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, para después cruzar el océano y recalar en el Conservatorio Tchaikovski de Moscú, donde obtiene su maestría. Ha ganado premios nacionales: Aquileo Echeverría,  ACAM y Áncora, del diario La Nación. Su nombre es reconocido en festivales de música contemporánea (Moscú, La Habana, Madrid y San Juan, P.R.) y ha grabado gran cantidad de discos compactos con música original, incluso, allende nuestras fronteras con el sello discográfico Verso.

A modo de una sinergia metafórica

Ni aquí ni allá para soprano y cuerdas  presenta una relación directa y espontánea entre la poeta rusa Marina Tzvetaeva y el compositor nacional Eddie Mora. Una obra poética de Tzvetaeva presenta elementos musicales relativos al sonido de campanas, describiéndolos y remarcándolos, repitiendo las palabras “ni aquí ni allá” en todas sus estrofas, como insinuando el movimiento circular al tañer. Tzvetaeva adora Moscú, ciudad donde nació y vivió. Eddie Mora, por su parte, experimentó el paso de su adolescencia a la adultez en Moscú, mientras cursaba sus estudios de posgrado en música, y llegó a conocer el significado del sonido de campanas en la capital rusa. De ahí que, en la obra Ni aquí ni allá para soprano y cuerdas, Mora utiliza el texto de Tzvetaeva. La obra musical es una comisión de la Orquesta de Cámara de Madrid.

  1. Obra: Duelo de la patria

    Compositor: Rafael Chaves Torres (1839–1907) – Costa Rica   (arreglo: V. Soifer)

Compositor herediano nacido para la música

Rafael Chávez Torres nace en Heredia en 1839, y fallece en San José en 1907. Estudia música desde 1854, siendo sus instrumentos favoritos el clarinete y el requinto, aunque llega a dominar todos los de metal y cuerda, incluyendo el violín y el piano. Forma parte de la Banda Militar de Heredia y, en 1867, es nombrado director de la Banda Militar de Cartago, donde establece una escuela de solfeo. Sustituye a Manuel M. Gutiérrez en la dirección de la Banda de San José y, en 1877, es nombrado director general de bandas de la República, cargo que conserva hasta su muerte, y desde el cual lucha para mejorar la situación laboral de los músicos. Se da a conocer con el Duelo de la patria, que compone con motivo de los funerales del presidente Tomás Guardia. Asimismo. es autor de varias marchas de carácter político, valses, mazurcas e himnos.

Marcha fúnebre con tradición religiosa

El Archivo Histórico Musical de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, posee una de las pocas copias de la primera edición del Duelo de la patria. El Archivo también conserva una edición impresa en 1964, publicada por Antonio Lehmann, Librería e Imprenta Atenea. En ambos casos, se trata de versiones para piano solo. Chaves compuso esta obra en 1882, en ocasión del funeral de su amigo, el expresidente de la República y Benemérito de la Patria, el general Tomás Guardia. La aceptación de esta obra fue tal, que se ejecutó en el entierro de tres monarcas europeos: Alfonso XII de España, el presidente de Francia Marie François Carnot  y la reina Victoria de Inglaterra. Esta obra se ejecuta tradicionalmente en el país para acompañar al Santo Sepulcro, durante las procesiones de Semana Santa. (T. Vicente: 2013, 6).

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Leonardo Perucci
Violín II Azeneth Loáisiga
Jefferson Morazán
Sandra Ramírez Ayala
María del Mar Mack
Astrid Ríos
Andrei Valerín
Violas Lucía Leandro
Jeffrey Chavarría
Maricel Méndez
Mario Sequeira
Priscilla Montalván
Esteban Madriz
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Gerson Campo
Thiago Máximo Bezerra
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Jara
Alberto Moreno
Flautas Mario Velasco
Enmanuel Lafuente
Oboes Roslyn Cerdas
Isaac Alfaro
Clarinetes Daniel Porras
Sergio Delgado
Fagotes Giuliana Carfagnini
Brenda Bourillon
Cornos Nelly Juárez
Esteban Murillo Brenes
Trompetas José Enrique Morales
Esteban González
Trombones Luis Lizano
Maricel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Josué Jiménez
Allan Vega
III Programa 2014

III Programa 2014

III Programa 2014

 

Colegio de Compositores

Concierto I : 20 de julio, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II : 21 de julio, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica) | violín, Álvaro Bitrán (México) I violoncello, Cuarteto White (México)

Director Titular: Eddie Mora

Manuel de Elías (1939 / México)

  • Concertante para violín y orquesta

Alejandro Cardona (1959 / Costa Rica)

  • Concierto para violonchelo (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)

Juan Piñera (1949 / Cuba)

  • Apolón bajando las escalinatas

Eddie Mora (1965 / Costa Rica)

Concierto para cuarteto de cuerdas y percusión (Estreno mundial)

Marvin Camacho (1966 / Costa Rica)

  • Tercer Poema
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – III concierto
Ministerio de Cultura y Juventud
Asociación Sinfónica de Heredia

Municipalidad de Heredia
Temporada Tres Américas
México, Costa Rica y Cuba
En colaboración con el XIII SCM/2014 y EAMUCR/EMUNA
Eddie Mora Bermúdez, director titular 

Preludio

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, se complacen en ofrecer al culto público asistente, el tercer concierto de la temporada 2014, denominada Tres Américas. En esta ocasión, contaremos con la colaboración-coordinación del Colegio de Compositores y el XIII Seminario de Compositores Musicales, organizado por la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica y la Escuela de Música de la Universidad Nacional.

La orquesta herediana abrirá el concierto con la obra Concertante para violín y orquesta, del compositor mexicano Manuel de Elías, con Erasmo Solerti como solista; seguidamente, en estreno mundial, escucharemos una obra comisionada por la OSH: Concierto para violonchelo y orquesta de cámara, subtitulado Cantos enterrados, del compositor costarricense Alejandro Cardona; luego, de la mayor de la Antillas, Cuba, nos llega Apolón bajando las escalinatas, del compositor Juan Piñera; como cuarta obra, tendremos el enorme privilegio de escuchar al Cuarteto José White, interpretando de Eddie Mora, en estreno mundial, el Concierto para cuarteto de cuerdas, subtitulado Plegaria; finalmente, del compositor nacional Marvin Camacho, el ensamble herediano interpretará Tercer poema, La voz de San Juan, obra comisionada por la OSH y que forma parte de un tríptico de poemas sinfónicos.

 PROGRAMACIÓN

  1. Manuel de Elías (1939 / México) ǀ Concertante para violín y orquesta
    Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)

Defensor de los sonidos tradicionales latinoamericanos

Manuel de Elías, compositor y director de orquesta nativo de la Ciudad de México, es el fundador y presidente del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte. Estudia piano y composición con su padre, Alfonso de Elías, y amplia sus conocimientos en el Conservatorio Nacional y en la Escuela de Música de la Universidad Nacional. Posteriormente, realiza cursos en los Estados Unidos y en Europa. Manuel Jorge de Elías Mondragón, nacido el 5 de junio de 1939, cuenta con más de 175 obras de los más variados géneros. Tiene una brillante carrera como director de orquesta, enfatizando en la música mexicana, latinoamericana y contemporánea, además del repertorio sinfónico tradicional. Fundador y director artístico de la Orquesta Sinfónica de Veracruz y de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. Ha dirigido todas las orquestas profesionales de su país y ensambles sinfónicos de EE.UU., Europa y América Latina.

Catálogo heterogéneo de un versátil compositor

En una publicación de la página electrónica de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), se lee acerca de Manuel de Elías: “Con motivo de su septuagésimo aniversario y 55 años como compositor y director de orquesta, durante 2009 y parte de 2010, recibió numerosos homenajes dentro y fuera de su país. El 4 de octubre de 2009, le fue conferida la Medalla de Oro de Bellas Artes, y en noviembre de 2011, la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), le otorgó el Reconocimiento Trayectoria”. De su catálogo sobresalen: Once Sonantes para orquesta, Concierto Coyoacanense para guitarra y orquesta, Concierto para violonchelo, Balada concertante para trombón, cuerdas y percusiones; Mictlán-Tlatelolco para orquesta de cuerdas, y la obra que escucharemos en este tercer concierto: Concertante para violín y orquesta, del año 1973.

Erasmo Solerti (solista)

Violinista cum laude en la academia musical

Erasmo Solerti Aguilar nace en San José en 1981. Su primer contacto con el violín se da en el Conservatorio de Castella. Luego, continúa en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde obtiene la licenciatura en violín. Distinguido como Alumno de Honor de la Universidad de Costa Rica por su rendimiento artístico, y como Mejor Promedio de Grado y Posgrado por su excelencia académica. Ganador del Concurso Jóvenes Solistas de la OSN en el 2003. Alumno becado por la Youth Symphony Orchestra of the Americas (YOA). Miembro y solista de las orquestas del Conservatorio de Castella, OSUCR, Orquesta Sinfónica Juvenil y Orquesta Sinfónica Nacional, y fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Ha estado bajo la batuta de Claudio Abbado, Plácido Domingo y Gustavo Dudamel. Actualmente, es el concertino de la Orquesta Sinfónica de Heredia y produce el programa En primera fila, en Radio Universidad de Costa Rica.

  1. Alejandro Cardona (1959 / Costa Rica) ǀ Concierto para violonchelo y orquesta de cámara, Cantos enterrados.
    (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)
    Solista: Álvaro Bltrán (México)

 Mesoamérica y el Caribe señalan su camino musical

Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, nacido en 1959, estudió composición con Luis Jorge González, León Kirchner, Ivan Tcherepnin y Curt Cacioppo. Se graduó en la Universidad de Harvard (EE.UU.). Radicó muchos años en México donde desarrolló investigaciones sobre música popular mesoamericana y caribeña. Su música ha sido interpretada y grabada por conjuntos de la talla del Cuarteto Latinoamericano, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, el ONIX Ensamble, el cuarteto de guitarras Entrequatre (España), las Orquestas Sinfónicas Nacionales de Costa Rica, México y Colombia, y la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, etc. Ha sido tres veces Premio Nacional “Aquileo J. Echeverría” en Música. Desde 1986 trabaja en la Universidad Nacional de Costa Rica, en el Programa Identidad Cultural, Arte y Tecnología (ICAT) y en la Escuela de Música. Es miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte, y miembro de la ACIMUS (Asociación de Cooperación Iberoamericana en la Música).

Del tejido musical emergen símbolos femeninos acuáticos

Alejandro Cardona nos introduce en su obra:

“La sociedad patriarcal ha demonizado sistemáticamente los símbolos femeninos. Nos encontramos (en mitos, canciones, discursos religiosos) con mujeres terribles, serpientes, sirenas, brujas, etc., relacionadas simbólicamente con el agua y lo subterráneo; amenazantes y, a la vez, atrayentes: son la “perdición de los hombres”, como dice La Petenera en sus versiones mexicanas y españolas”.

El compositor profundiza su explicación:

Cantos enterrados es una obra inspirada en estos personajes femeninos, y en ciertos sones veracruzanos en los que aparecen: La Petenera, La Lloroncita, La Bruja. Fragmentos de estos sones, todos relacionados con símbolos femeninos acuáticos (sobre todo la sirena), emergen del tejido musical como elementos sobrevivientes de un exilio forzoso o como resonancias de un mundo reprimido y enterrado (pero evocado con una mezcla de fascinación morbosa y espanto). La obra tiene cuatro movimientos: La Petenera (canto de la sirena); Son del marinerito encantado; La Lloronicita (resonancias), y Son de la bruja. (El primero conduce directamente al segundo, y entre los últimos dos hay una cadenza para el violonchelo.) La obra fue compuesta especialmente para el violonchelista mexicano Álvaro Bitrán y para la Orquesta Sinfónica de Heredia”.

La sirena se embarcó
en un buque de madera
como el viento le faltó
no pudo llegar a tierra
y a medio mar se quedó
cantando la Petenera.

Trío Xicontepec, Veracruz.

La Petenera señores
no hay quien la sepa cantar
solo los marineros
que navegan en la mar
han oído a la sirena
la Petenera cantar.

La Petenera, Huasteca veracruzana.

¡Ay de mí, Llorona
pero déjame llorar!
¡Ay de mí, Llorona
pero déjame llorar,
a ver si llorando puede
mi corazón descansar
a ver si llorando puede
mi corazón descansar!

La lloroncita, Veracruz.

¡Ay, me espantó una mujer
en medio del mar salado,
en medio del mar salado!
¡Ay, me espantó una mujer, ay mamá!
Porque no quería creer
lo que otros me habían contado,
lo de arriba era mujer
y lo de abajo pescado, ¡ay mamá!
La bruja, Veracruz.

Miembro fundador del prestigioso Cuarteto Latinoamericano

Alvaro Bitrán es un destacado violonchelista nacido en Chile y naturalizado mexicano. Discípulo de Janos Starker. Actualmente, trabaja en el Cuarteto Latinoamericano, Escuela Nacional de Música UNAM, Escuela de Música Vida y Movimiento y en el Centro Cultural Ollin Yoliztli; anteriormente, laboró en el Conservatorio Nacional de Música de México. Álvaro Bitrán ha tocado con prestigiosas orquestas de Latinoamérica, Estados Unidos y Canadá, como la Filarmónica de la Ciudad de México, OFUNAM y Orquesta Sinfónica Nacional de México; la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, la Dallas Symphony, Los Angeles Philarmonic, y la Seattle Symphony, así como la National Arts Center Orchestra, de Canadá. En 1982 fundó el Cuarteto Latinoamericano, grupo que ha recibido numerosos reconocimientos en México y en el extranjero, y que goza hoy de una prestigiosa imagen internacional.

  1. Juan Piñera (1949 / Cuba) ǀ Apolón bajando las escalinatas

Heredero de renombrados músicos cubanos

Juan Manuel Piñera Infante es un compositor y pianista cubano, que nace el 18 de enero de 1949, en La Habana. Heredero de reconocidos compositores cubanos como Juan Blanco, Carlos Fariñas y Leo Brouwer, Inicia sus estudios de piano en 1965 con César Pérez Sentenat, y los continúa en 1967 en el Conservatorio Alejandro García Caturla. En 1968 ingresa en la Escuela Nacional de Música (Cubanacán). Ese mismo año estudia con la pianista polaca Halina Czerny-Stefanska las obras de Federico Chopin y Alexander Scriabin. En 1972 concluye sus estudios de nivel medio en la Escuela Nacional de Música. Luego, estudia composición con José Ardévol y Enrique Bellver, y concluye en el Instituto Superior de Arte. Juan Piñera ha experimentado en su trabajo con la música electroacústica.

Modernismo musical en la escalinata de Apolo

La obra Apolón bajando las escalinatas (Apolo en la escalinata), forma parte de una música incidental para cine, escrita sobre la vida de un personaje famoso en la Cuba de los años 30-40. El lenguaje musical que utiliza Piñera está relacionado con la época modernista que retrata el filme. Según los especialistas, se entiende por música modernista, aquella compuesta entre 1910 y 1975, aproximadamente, basada en los valores filosóficos y estéticos del Modernismo, que tiene como principio fundamental la ruptura con la tradición y la permanente innovación, y se encuentra estrechamente ligada a las vanguardias artísticas. Al igual que el Modernismo en literatura, el musical implica una ruptura con los excesos del Romanticismo. Siendo el siglo XX una época de cambios sociales y tecnológicos, el arte debía adoptar y desarrollar esos principios como fundamentos estéticos. Técnicamente hablando, el modernismo musical presenta tres características principales que lo diferencia de los períodos anteriores:

  • La expansión o abandono de la tonalidad
  • El uso de las técnicas extendidas
  • La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición
  1. Eddie Mora (1965 / Costa Rica) ǀ Concierto para cuarteto de cuerdas y percusión, Plegaria (Estreno mundial)Solistas: Cuarteto White (México)

En el podio de dos orquestas, compositor, decano y docente

A los 23 días del mes de febrero de 1965, nace Eddie Mora Bermúdez, violinista, docente, compositor, director de orquesta, decano y catedrático. Mora adquiere sus primeros conocimientos musicales en el Conservatorio de Castella, y los continúa en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica y en el Conservatorio Chaikovski, de Moscú, donde obtiene la Licenciatura en Música con especialidad en violín, y la Maestría en Música. Desde el 2002 es el director del Seminario de Composición Musical, que se realiza en la Escuela de Artes Musicales de la UCR. Ha ganado los premios Aquileo J. Echeverría, Áncora en composición musical y ACAM. Sus obras han sido interpretadas por agrupaciones como: Trombones de Costa Rica, Quinteto Miravalles, Cuarteto Phoenix, Ensamble Contemporáneo Universitario, Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Heredia, Cuarteto Latinoamericano, Cuarteto de los Países Bajos, Orquesta Sinfónica de Iowa, entre otras. Su música está registrada en diversos discos compactos. Actualmente, es el decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica, director residente de la Orquesta Sinfónica Nacional, y productor del programa Resonancias, en Radio Universidad de Costa Rica. Desde el 2003 es el director artístico de la Orquesta Sinfónica de Heredia.

Música que invita a mirar hacia el centro de uno mismo

El Concierto para cuarteto de cuerdas y percusión, Plegaria, del compositor nacional Eddie Mora, es una obra escrita para cuarteto de cuerdas (como solista) acompañado por una orquesta de cuerdas y percusión, que será interpretada por la OSH en estreno mundial. En esta pieza, Mora se acerca a la tendencia artística llamada «nueva simplicidad», que significa: expresar el contenido profundo e íntimo con la utilización de las simples herramientas del lenguaje musical. El subtítulo Plegaria, invita a la reflexión en y hacia las profundidades del humano, señala la investigadora E. Chatski.

Labores didácticas al unísono con las musicales

El Cuarteto José White, fundado en 1998, es considerado uno de los cuartetos de cuerdas más importantes de México. Este ensamble de cámara ha realizado giras de conciertos por los Estados Unidos, Europa, Canadá y América Latina, y se han presentado como solistas al frente de la Orquesta Filarmónica de Minería, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta Filarmónica de Zacatecas, Orquesta Filarmónica de la UACH y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. Su variado repertorio va desde los tradicionales cuartetos “clásicos” de cuerdas, hasta los cuartetos mexicanos y latinoamericanos de siglos anteriores, pasando por los de creadores contemporáneos de Latinoamérica. Hoy en día, el Cuarteto White hace una gran labor en el ámbito pedagógico, realizando conciertos didácticos, impartiendo talleres de música de cámara y conferencias para realzar la música contemporánea de lenguajes vanguardistas. Ha desarrollado, gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, un concurso, que fomenta la composición de obras para cuarteto de cuerdas.

  1. Marvin Camacho (1966 / Costa Rica) ǀ Tercer Poema- La voz de San Juan

Un barveño con una sólida formación académica

Marvin Camacho Villegas nace en Barva, Heredia, Costa Rica, en 1966. Su formación musical la inicia en el Conservatorio Castella. A los quince años ofrece su primer recital de composición con música de cámara; dos años más tarde, en el Teatro Nacional estrena su obra para piano Cuando muere el Sol. Sus estudios universitarios en composición musical los inicia con Roger Wesby y Mario Alfagüel. Después se incorpora a la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, para estudiar composición musical, bajo la tutoría de Luis Diego Herra, Bernal Flores, Benjamín Gutiérrez y Pilar Aguilar. Su labor docente incluye la coordinación de Cursos Libres de la Universidad de Costa Rica, y la coordinación cultural de la UNIBE (Universidad de Iberoamérica). A Camacho se le ha reconocido su obra musical con el Premio Nacional de las Artes 1984, del Ministerio de Cultura, por su Meditación bribrí; con el Premio Nacional de composición Aquileo J. Echeverría 2007, por su Sinfonía n.° 2, Humanidades, y con el Premio ACAM 2010, por su Sonata para piano, Dal Inferno.

Dibujos musicales de Juan el Bautista y Juan el Evangelista

Con este poema sinfónico se cierra el tríptico de poemas compuestos por el compositor en los últimos dos años. Es una obra cargada, en algunos momentos, de un claro expresionismo, que recurre a melodías y armonías de gran cromatismo sonoro. La obra se construye a partir de dos personajes del Nuevo Testamento: Juan el Bautista, que simboliza el agua, y Juan el Evangelista, que evoca el fuego. La voz de San Juan convoca, una vez más, al carácter reflexivo de los dos poemas que le anteceden, con la variante de un planteamiento estético que hace uso del concepto místico que reviste cada uno de los personajes bíblicos. Estructuralmente es una obra simple y que busca dibujar a través del sonido a dos personajes vitales del Nuevo Testamento.  El compositor utiliza una serie de efectos propios de la técnica extendida y subraya vigorosamente el recurso melódico como parte fundamental de esta obra.

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Guillermo Salas
Grace Marín Aguilar
Violín II Azeneth Loáisiga
José Pablo Ocampo
Andrei Valerín
Carlos Vargas
Sandra Ramírez
Luissana Padilla
Violas Jeffrey Chavarría
Elisa Hernández
Mario Sequeira
Moisés Gómez
Jafeth Quesada
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Gerson Campo
Thiago Máximo Bezerra
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Jara
Alberto Moreno
Arpa Georgina Hidalgo
Piano Gabriela Calderón
Flautas Mario Velasco
Daniel Madrigal
Oboes Roslyn Cerdas
Isaac Alfaro*
Clarinetes Luis Adolfo Víquez
Sergio Delgado
Fagotes Giuliana Carfagnini
Brenda Bourillon
Cornos Nelly Juárez
Esteban Murillo Brenes
Andrés Sánchez
Daniel León
Trompetas Fabián Mata
José Manuel Loría
Trombones Luis Lizano
Maricel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Allan Vega
Andrés Barboza
Juanmanuel López
José María Piedra
Sebastian Bonilla
IV Programa 2014

IV Programa 2014

IV Programa 2014

 

10 de agosto, 11:00 am Teatro Eugene O’Neill

11 de agosto, 7:00 pm Parroquia Inmaculada Concepción Heredia

Director Invitado: Walter Morales (Costa Rica) 
En colaboración con EAMUCR/CCCN

Solistas: Alexandra Hollerman y Sean O´Mailley (EEUU), Elena Zelaya (soprano-El Salvador), Andrés Rodríguez (tenor I Costa Rica), Esteban Montanaro (barítono I Costa Rica ), Ana Catalina Ramírez (clarinete I Costa Rica)

Carlos Escalante (1968 / Costa Rica)

  • Concierto para clarinete

Pablo Chin (Costa Rica)

  • In the Form of a Shell (Estreno nacional)

Leonard Bernstein (1918 – 1990 / Estados Unidos)

  • Ópera en un acto / Trouble in Tahiti (1952)
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – IV concierto
Ministerio de Cultura y Juventud
Asociación Sinfónica de Heredia

Municipalidad de Heredia
Temporada Tres Américas
Costa Rica y Estados Unidos
En colaboración con la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica (EAMUCR) y el Centro Cultural Costarricense-Norteamericano (CCCN).
Wálter Morales Salazar, director invitado
Eddie Mora director titular

Preámbulo

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, tienen el gusto de  presentar al distinguido público asistente, el cuarto concierto de la temporada 2014, denominada Tres Américas. En esta oportunidad, contaremos con la valiosa colaboración de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica y el Centro Cultural Costarricense –Norteamericano (CCCN).

Para este cuarto concierto, la orquesta herediana interpretará como primera obra, Concierto para clarinete, del compositor nacional Carlos Escalante Macaya, que será ejecutado por la clarinetista costarricense Ana Catalina Ramírez; seguidamente, del compositor costarricense Pablo Chin, escucharemos en estreno nacional, In the Form of a Shell (En forma de una concha),interpretado en la flauta traversa por su hermana, Dalia Chin; y, por último, tendremos el privilegio de escuchar del compositor estadounidense Leonard Bernstein, la ópera en un acto, Trouble en Tahiti (Problema en Tahití), con la participación de los cantantes invitados, Sean O´Malley y Alexandra Hollerman.

En el podio de prestigiosas orquestas

Wálter Morales Salazar, nacido en 1969, es un director de orquesta y pianista costarricense, residente en los Estados Unidos. Este es su noveno año como director titular de la Edgewood Symphony Orchestra, con sede en Pittsburgh, EE.UU. En el 2011 fue director titular de la Undercroft Opera y director invitado principal de la Pittsburgh Philharmonic.  Ha sido también director musical de la Opera Theater of Pittsburgh, director titular del Carnegie Mellon Contemporary Ensemble, y director adjunto del Programa de Estudios Orquestales y de la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Carnegie Mellon.  Como director invitado, ha dirigido orquestas como:  Westmoreland Symphony Orchestra, Butler Symphony Orchestra, Pittsburgh Youth Symphony Orchestra, University of Pittsburgh Symphony Orchestra, Duquesne University Orchestra, McKeesport Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, Helix New Music Ensemble y Rutgers Chamber Orchestra. Como director asistente ha colaborado con Mariss Jansons, Andrew Davis, Leonard Slatkin, Manfred Honeck, Gianandrea Noseda, David Robertson, Rafael Frühbeck de Burgos, entre otros. Morales ha grabado para los sellos Mode, Centaur, Zimbel, Quindecim y SVR Producciones.  Su primera grabación de música contemporánea, Makrokosmos III de George Crumb, Music for a Summer Evening, fue premiada en 2007 con el Diapasón de Oro, en Francia.

Para obtener más información sobre Walter Morales visite:

www.waltermoralesmusic.com

  1. Carlos Escalante (1968 / Costa Rica) – Concierto para clarinete

Solista: Ana Catalina Ramírez (Costa Rica)

Versatilidad en distintos escenarios del arte

Carlos Escalante Macaya, compositor costarricense, nace en Barcelona, España, el 30 de octubre de 1968. Cursa sus estudios en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, con Luis Diego Herra, Benjamín Gutiérrez y Bernal Flores. Obtiene el Bachillerato y la Licenciatura en Música con énfasis en Composición (respectivamente, en 1995 y 1997). Tiempo después, se traslada a Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde realiza sus estudios de posgrado con Peter Klatzow y Henryk Hofmeyr en el South African College of Music University, para obtener su Maestría en Composición Musical (2002). Asimismo, ha recibido cursos de composición avanzada con Franco Donatoni, y de Tecnología Musical con Adolfo Núñez. Durante varios años ha sido compositor asociado de la Compañía Nacional de Danza y de la Compañía Nacional de Teatro, donde también ocupó el cargo de director musical. Sus obras han obtenido varios premios y reconocimientos. Ha laborado como docente en el Centro Electrónico de Investigación Musical de la Universidad de Costa Rica. En la actualidad es profesor de Historia de la Música en el Instituto Nacional de Música.

Un concierto concebido como un traje a la medida

El Concierto para clarinete, de Carlos Escalante, tiene una clara influencia latinoamericana, con ritmos que los espectadores identifican, como el tango o el danzón, manifestó Ana Catalina Ramírez a un medio impreso nacional. El concierto fue escrito especialmente para la clarinetista. A principios del 2011, Escalante comienza a escribir los primeros bocetos de esta obra: «Se hizo irresistible la tentación de escribirle a ella, específicamente, un concierto. Le comenté mi idea a Ana Catalina, quien se mostró muy interesada», exteriorizó Escalante. Esta obra fue estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, en el año 2012. Tanto el material como la estructura de la obra y el lenguaje armónico empleado, tienen estrecha relación con la perspectiva de Escalante de fusionar las tradiciones populares y clásicas, comenta la investigadora musical Ekaterina Chatski.

Joven clarinetista con una ascendente carrera musical

Ana Catalina Ramírez Castrillo  nace en San José, Costa Rica. Su primera experiencia con el clarinete la tiene en 1992 con la banda de la escuela primaria. Más tarde, es aceptada en el Instituto Nacional de la Música (INM), donde estudia clarinete con Marvin Araya. Ana Catalina fue clarinetista principal de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Costa Rica, profesora del instrumento en el INM, primer clarinete en la Banda Nacional de San José, y segundo clarinete en la Orquesta Sinfónica Nacional para la temporada 1999-2000. En esos mismos años, fue ganadora del Concurso Jóvenes Solistas de Costa Rica. Ha ejecutado y estrenado obras latinoamericanas en Venezuela, Costa Rica, Perú, Estados Unidos y Panamá. Participó en festivales como Interlochen Arts Camp, en Michigan, Estados Unidos; Festival Internacional de Invierno de Campos de Jordao, en Brasil; Conexión Internacional de Clarinetes en Boston, y en el Festival de Orquestas Jóvenes en Murcia, España. Ha formado parte de las orquestas Opera North, de New Hampshire, Estados Unidos, y la Orquesta de las Américas. Hace poco concluyó su doctorado, y  se encuentra impartiendo clases privadas en Filadelfia y en el Bryn Mawr Conservatory, en Bryn Mawr, Pensilvania. Asimismo, continúa su labor de concertista invitada y en festivales de clarinete en Latinoamérica.

  1. Pablo Chin (1982-Costa Rica) – (In the Form of a Shell) En forma de concha
    (Estreno nacional)

Talento joven con una vivaz carrera musical

El compositor costarricense, oriundo de Desamparados, San José, y radicado en Estados Unidos, Pablo Santiago Chin Pampillo, nace en 1982. Inicia sus estudios musicales con énfasis en clarinete en 1994, en el Conservatorio de Castella, con Fernando Sánchez. Del 2000 al 2002 continúa sus estudios de clarinete en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica con Yamileth Pérez y, en el 2002, toma clases privadas de composición, análisis y armonía con el compositor Alejandro Cardona. En el 2003 se matricula en el programa de composición de la Universidad Internacional de Florida, donde estudia dicha especialidad con Fredrick Kaufman y Orlando García, además, continúa sus estudios de clarinete con Paul Green. Pablo Chin obtuvo su Doctorado en Composición en la Universidad de Northwestern, en Chicago, donde ha sido galardonado con el Premio Cacavas, William T. Faricy y el Premio William Karlins.

La concha encuentra su forma en el contraste y la superposición

In the Form of  a Shell para flauta y orquesta contrasta y superpone dos diferentes maneras de explorar varias maneras de comunicar la música: una muy frenética y contenida en la parte solista, y otra dilatada y espaciada, personificada por la orquesta. Esta pieza se estrenó mundialmente el 26 de octubre del 2013 en el Boone Recital Hall, de Claremont, California, con el flautista Ysmael Reyes como solista, acompañado por la Orquesta de Conciertos de Claremont, dirigida por David Cubek. El estreno nacional lo escucharemos en esta velada sinfónica con la OSH. Cabe señalar, que Recent works draw inspiration from the narratives of film and literature, phonetic structures in text, and the exploration of iconic Latin rhythms and metrical spaces.recientes trabajos de Chin se inspiran en las narrativas del cine y la literatura, las estructuras fonéticas en el texto, y la exploración de los ritmos latinos emblemáticos y espacios métricos.

Notas musicales vuelan de un pueblo que se llamó Dos Cercas a Chicago

La flautista Dalia Chin Pampillo, oriunda de Desamparados, San José,  actualmente trabaja en su campo en Chicago. Forma parte de varios grupos musicales nuevos como The Chicago Composers Orchestra y Fonema Consort. También, trabaja de manera independiente en Chicago y en zonas aledañas.  Ha participado en la premier de obras estadounidenses y mundiales como Still Sweet, de Dai Fujikura; A Quattro Voci, de Stefano Gervasoni, entre otras. Su compromiso con la nueva música la ha llevado a participar en premieres de obras de nuevos compositores establecidos en Chicago. Actualmente, Dalia Chin es una activa educadora en la zona de Chicago. Asimismo, forma parte de la Facultad de Educación de The Music House, DePaul Community Division, Near North Montessori Elementary School y de The Ortegon School of Music. De manera paralela, construye un estudio privado en Chicago. Posee un Certificado Posmaestría en Ejecución de Flauta por de la Universidad DePaul, y una Maestría en Ejecución de Flauta de la Universidad Estatal de Florida. Dalia estudió con Eva Amsler, Mary Stopler, y ha recibido clases magistrales con Jonathan Keeble, Walfrid Kujala, Robert Dick, Hernán Jara, Christopher Krueger y Alberto Almarza.

  1. Leonard Bernstein (1918 – 1990 / Estados Unidos)
    Trouble in Tahiti. Ópera en un acto.

Tender un puente entre la música académica y la popular

Leonard Bernstein, compositor, director, conferencista, escritor y, a menudo, una personalidad controvertida, nace en Lawrence, Massachussets, un 25 de agosto de 1918. Desde niño aprende a tocar piano y, más tarde, estudia en Harvard con Walter Piston. Antes de graduarse en 1939, hace un debut no oficial como director con su propia música incidental para The Birds (Los pájaros). Luego, en el Curtis Institute, estudia piano, dirección y orquestación. Una de las figuras más influyentes sobre la música clásica en la segunda mitad del siglo XX. Bernstein tuvo un impacto decisivo sobre la aceptación y apreciación de la música clásica por parte de la audiencia popular. Su propia obra como compositor, particularmente sus partituras para comedias musicales, ayudó a forjar una cordial relación entre música clásica y música popular. Leonard Bernstein, quien fallece en New York, en octubre de 1990, fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los años 60 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story, Candide y Un día en Nueva York.

Contrariedad en la isla más grande de la Polinesia

Trouble in Tahiti (Problema en Tahití) es una ópera en un acto y siete escenas con música y letra de Leonard Bernstein. La ópera fue estrenada el 12 de junio de 1952, en el marco del Festival de Bernstein de Artes Creativas, con sede en el campus de la Universidad Brandeis, Waltham, Massachusetts. La ópera tuvo una secuela en 1953: A Quiet Place (Un lugar apacible).

ACERCA DE LA OBRA

Conflicto interno del ser humano en una sociedad de consumo

La trama de la ópera tiene lugar a principios de los años 50, y muestra un día en la vida de una pareja que podría describirse como el modelo ideal de marido y mujer. La acción empieza con la aparición de un sonriente trío vocal de jazz, que nos presenta, a manera de un moderno coro griego, The little white house, de un suburbio estadounidense. Según Bernstein, este trío surge de un comercial de radio en A.M., parafraseando el estilo de los grupos vocales de moda, como las Andrew Sisters. El trío tendrá apariciones frecuentes a lo largo de la obra, caricaturizando constantemente la acción dramática de los personajes. El cometido de Bernstein fue mostrar una imagen del conflicto interno del ser humano en la sociedad consumista, que tiene lugar al enfrentarse la esfera material con la emocional. Aunque Dinah y Sam (protagonistas) poseen todo lo que el confort de la vida suburbana estadounidense les puede ofrecer, no pueden sobrellevar la disfuncionalidad de su relación. De este modo, Bernstein conjuga varios ingredientes que acentúan valores antagónicos: ilusión y realidad, mordacidad y severidad, métodos de composición tradicional y jazz, personajes verdaderos e imaginarios, decorados en blanco y negro. La combinación de esos elementos nunca pretende alcanzar una fusión y suscitar un final feliz, sino establecer, más bien, una disparidad que pareciera irreconciliable. (M. Matarrita:2005).

Biografía de los cantantes invitados

Sean O’Malley es un destacado barítono formado en el ámbito clásico con conocimientos de ópera y de teatro musical. Actualmente, es estudiante de la Universidad Estatal de Luisiana (LSU, por sus siglas en inglés), donde está matriculado en la Maestría en Música con énfasis en Canto, y es estudiante del profesor Robert Grayson. Recientemente, Sean participó en la producción de LSU de la ópera de Leonard Bernstein, Trouble in Tahiti, en el papel de Sam. Asimismo, participó en la producción de The Cradle Will Rock, de Marc Blitzstein, como Larry Foreman. Se distingue por sus diversos talentos artísticos y académicos. Hoy en día, tiene una beca del Gremio de Opera de Baton Rouge, y trabaja como asistente académico de posgrado para los departamentos de ópera y de voz de LSU. En el próximo otoño tendrá el papel principal en la ópera de W.A. Mozart, Don Giovanni, producida por LSU.

Alexandra Hollerman es una cantante recién graduada de la Universidad Estatal de Luisiana, donde obtuvo su maestría en Ejecución de Canto con énfasis en Técnica Clásica. Su amor por la música nació de su admiración de producciones de Bernstein, Rogers y Hammerstein, y Sondheim. Ha participado en una serie de obras, encarnando el papel de varios personajes como Miss Adelaide, en Guys and Dolls; Edwin Drood, en The Mystery of Edwin Drood; Pitti-Sing, en The Mikado; Clotilde Lombaste, en The New Mooon; Dinah, en Trouble in Tahiti; Mercedes, en Carmen, y Dorabella, en Cosí fan tutte, entre otros papeles. La música, especialmente el canto, es la pasión de Hollerman; por ello, no oculta sus ansias por compartir sus experiencias y su conocimiento con las futuras generaciones. ¿De qué otra forma podría continuar esta gran tradición si no es así?

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Mariana Salas
Rulamán Vargas
Leonardo Perucci
Guillermos Salas
Violín II Azeneth Loáisiga
José Pablo Ocampo
Sandra Ramírez
Andrei Valerín
Carlos Vargas
Astrid Ríos
Violas Jeffrey Chavarría
Elisa Hernández
Priscilla Montalván
Jafeth Quesada
Moisés Gómez
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Contrabajos José Pablo Solís
Alberto Moreno
Piano Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Oboe Roslyn Cerdas
Clarinete Daniel Porras
Clarinete bajo Sergio Delgado
Fagotes Giuliana Carfagnini
Brenda Bourillon
Cornos Nelly Juárez
Esteban Murillo
Trompeta Fabián Mata
Trombón Luis Lizano
Maricel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Josué Jiménez
Allan Vega
V Programa 2014

V Programa 2014

V Programa 2014

 

Concierto I : 14 de septiembre, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II :15 de septiembre, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica) | violín, Eva Trigueros (El Salvador) | violín, Martín Scalona (Argentina) I clarinete

Director Invitado: Juan Trigos (México)

Manuel Enríquez (1926 – 1994 / México)

  • Concerto Grosso (Estreno nacional)

Juan Trigos (1965 / México)

  • Concierto para clarinete y orquesta (Estreno nacional)

Aaron Copland (1900 – 1990 / USA)

  • Music for the Theatre (1925)
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – V concierto
Ministerio de Cultura y Juventud
Asociación Sinfónica de Heredia

Municipalidad de Heredia
Temporada Tres Américas
Costa Rica y Estados Unidos
Eddie Mora– director titular

Saludo introductorio

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, se complacen en presentar al respetable público asistente, el quinto concierto de la temporada 2014, denominada Tres Américas. En este concierto, subtitulado Patrio, con motivo de la conmemoración del 193 aniversario de la firma del acta de nuestra Independencia, la OSH interpretará tres obras, a saber: Concierto barroco para dos violines y orquesta de cuerdas y clave, de Manuel Enríquez (México), con la participación de Erasmo Solerti (Costa Rica) y Eva Trigueros (El Salvador) en los violines; como segunda obra, tendremos la oportunidad de escuchar, Music for the Theatre: Suite in Five Parts for Small Orchestra (Música para el teatro: Suite en cinco partes para pequeña orquesta), del compositor Aaron Copland (Estados Unidos); y, por último, del compositor y director de orquesta invitado, Juan Trigos (México), podremos escuchar en estreno nacional, su Concierto para clarinete, el cual será interpretado por Martín Scalona (Argentina-México).

  1. Manuel Enríquez – Concierto barroco para dos violines, orquesta de cuerdas y clave / Estreno nacional

Erasmo Solerti y Eva Trigueros, solistas

Dentro de un grupo selecto de compositores mexicanos

Manuel Enríquez nace el 17 de junio de 1926, en Ocotlán, Estado de Jalisco, México, y fallece el 26 de abril de 1994, en el Distrito Federal. Estudia música con su padre, luego en Guadalajara, en la Escuela Superior de Música. Transcurrido un tiempo, se prepara después en Morelia, con Miguel Bernal Ximénez. En 1955 viaja a Nueva York, con una beca para consolidar su formación en la Escuela Julliard. En 1961 obtiene la beca de la Fundación Guggenheim, y trabaja en el Columbia-Princeton Electronic Center, en Nueva York. Su actividad como violinista de concierto y compositor es una de las más fructíferas de México. Manuel Enríquez es una de las más sólidas personalidades de la música culta azteca, al lado de grandes figuras como Carlos Chávez, Silvestre Revueltas, Blas Galindo y Mario Lavista, entre otros.

Estilo barroco con sonoridades contemporáneas

El Concierto barroco para dos violines, orquesta de cuerda y clave, del compositor mexicano Manuel Enríquez, como su nombre indica, está escrito en este estilo, pero con un tratamiento muy particular, con armonías propias del siglo XX; no obstante, conservando la forma tradicional de un concierto barroco. Respecto de la interpretación del Concierto barroco, manifiesta un intérprete: “Es un reto lograr esta sonoridad retro en un contexto contemporáneo”, dice Cuauhtémoc Rivera, violinista mexicano.

Acerca de los solistas

Erasmo Solerti, violín

Erasmo Solerti Aguilar nace en San José, Costa Rica, en 1981. Su primer contacto con la música se da en el Conservatorio de Castella. Más tarde, continúa en la Escuela de Artes Musicales de la UCR. En el 2004, obtiene su título de Licenciado en Música con énfasis en Violín, bajo la tutela de Eddie Mora. Distinguido varias veces como Alumno de Honor de la Universidad de Costa Rica. Solerti ha estado bajo la batuta de directores como Claudio Abbado, Plácido Domingo, Ferenc Gabor, John Nelson y Gustavo Dudamel, entre otros. Ha tocado en clases magistrales para violinistas como Saúl Bitrán, Zahar Bron, Agustín Cullel, Jan Dobrzelewski, Gela Dubrova, Dylana Jenson y Ludmila Vernigora. Miembro y solista de las orquestas del Conservatorio de Castella, UCR, Sinfónica Juvenil y OSN, y fue por tres años consecutivos, concertino de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Hoy en día, es el concertino de la Orquesta Sinfónica de Heredia y produce el programa En primera fila, en Radio Universidad de Costa Rica.

Eva Trigueros, violín

Eva Cristina Trigueros Molina nace en El Salvador, donde inicia sus estudios musicales e integra la primera Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador, bajo la batuta de Gustavo Dudamel y Gerald Brown. En 1999 se traslada a Costa Rica, donde continúa sus estudios en el Conservatorio de Castella y en el Instituto Nacional de Música con el maestro Lev Markmann. En el 2001 se traslada a Michigan para realizar su Bachillerato en Música en Interlochen Arts Academy. Más tarde, realiza estudios en Lawrence University con Stephane Tran Ngoc.. En el 2006 obtiene una beca para estudiar en Grand Valley State University con la violinista Dylanna Jenson. Allí fue concertino durante tres años de Grand Valley State University Orchestra. Cursa su Maestría en Música, en San Francisco Conservatory of Music bajo la tutela de la profesora Bettina Musumeli. También realizó estudios de repertorio orquestal con la Profesora Catherine Van Hoesen, violinista de San Francisco Symphony Orchestra. Ha tocado en ensambles como Sylicon Valley Symphony Orchestra, Santa Cruz Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica de Heredia, Orquesta Filarmónica de Costa Rica y Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, en la que actualmente es violinista. e integra el grupo de música de cámara el Cuarteto Hispano de Costa Rica.

  1. Juan Trigos (1965)Concierto para clarinete

Martín Scalona, solista (Argentina-México).

Juan Trigos: el creador del concepto de folclor abstracto

En 1965, nace, en la Ciudad de México, el compositor Juan Trigos, quien además de ser un fecundo artista, es el creador del concepto de folclor abstracto, basado en el empleo de la pulsación, la resonancia y un obsesivo uso de la polirritmia y la polifonía, con segmentos de diferentes densidades y duración. En su producción musical destacan dos vertientes: la música vocal (ópera y música sacra) y la música instrumental con una notable predilección por las formas concertantes. Juan Trigos ha trabajado con numerosos coros, ensambles y orquestas sinfónicas en Canadá, EE.UU., Europa y México. Entre algunas de estas agrupaciones se encuentran: Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, Orquesta y Coro del Teatro de la Ópera del INBA, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Filarmónica de la Universidad Autónoma de México, Sinfonietta de las Américas, Camerata de las Américas, Orquesta Sinfónica Tito Schipa, Icarus Ensemble y el Coro del Pontificio Istituto di Musica Sacra de Roma. En la actualidad, es director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato.

Dos movimientos hilados de melancolía y modernidad

El Concierto para clarinete, de Juan Trigos, fue compuesto por comisión del 39.° Festival Internacional Cervantino, y su estreno tuvo lugar el 16 de octubre del 2011. La obra consta de dos movimientos que se tocan sin interrupción. El material sonoro está construido a partir de doce acordes relacionados entre sí y la estructura rítmica derivada de estos. Su contenido musical remite a una atmósfera melancólica y a la vez moderna.

El solista en el clarinete

El renombrado clarinetista, Martín Scalona, obtiene su licenciatura en el Curtis Institute de Filadelfia, Estados Unidos. Entre 1997 y 2000 se desempeña activamente con la Orquesta de Filadelfia y la Sinfónica de Pittsburgh. Asimismo, asume el puesto como primer clarinete solista de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Además, ha impartido clases de música de cámara en el Centro Nacional de las Artes y en la Escuela Ollin Yoliztli, con sede en la Ciudad de México. Desde 2007 es miembro prominente de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y profesor de clarinete en la Escuela de Bellas Artes del Estado de México.

  1. Aaron Copland (1900-1990/ Estados Unidos) Music for the Theatre: Suite in Five Parts for Small Orchestra (Música para el teatro: Suite en cinco partes para pequeña orquesta)

Impresionismo, jazz, Stravinski y folclor en la obra de Copland

El 14 de noviembre de 1900, en Brooklyn, Nueva York, nació el compositor estadounidense Aaron Copland. De origen ruso-judío, su obra se vio influenciada por la corriente impresionista francesa, pero, en especial, por la propuesta estética de Igor Stravinski. Después de experimentar con ritmos de jazz en obras como Music for the Theatre (1925) y el Concierto para piano (1927), se inclina hacia un estilo más austero y disonante. Obras de concierto como las Variaciones para piano y Statements constan de ritmos nerviosos e irregulares, melodías esquinadas y armonías en extremo disonantes. En Retrato de Lincoln para orquesta y narrador, y en los ballets Billy The Kid, Rodeo y Primavera en los Apalaches, utiliza melodías del folclor, estilos y ritmos que captan la esencia de los primeros habitantes de su país. Su obra para cine incluye La fuerza bruta, de Lewis Milestone; Sinfonía de la vida, de Sam Wood; y La heredera, de William Wyler, que ganó un Oscar. Aaron Copland, quien falleció el 2 de diciembre de 1990, en Nueva York, fue profesor del Berkshire Music Center y siempre luchó con denuedo por promover la música de compositores contemporáneos.

Una deliberada evocación del ambiente teatral

Aaron Copland comenzó su Música para el teatro en mayo 1925, en Nueva York, pero la mayor parte de la composición la escribió en New Hampshire durante el verano. El director de orquesta, Sergey Koussevitzky, después de haber quedado impresionado con la Sinfonía para órgano y orquesta, instó a la Liga de Compositores a encargar una pieza orquestal a Copland para la siguiente temporada. Así nace Música para el teatro, que tuvo su primera presentación el 20 de noviembre de 1925, con la Orquesta Sinfónica de Boston, dirigida por Koussevitzky. En cinco movimientos, Música para el teatro representa un intento deliberado de componer música «americana», por lo que contrasta con su Sinfonía para órgano y orquesta “europeizada”. Para establecer un estilo americano, Copland toma el jazz y el blues, trabajando sin asociaciones programáticas. Acerca del título, el compositor expresó, «El título simplemente sugiere que a veces esta música tiene la cualidad de evocar el teatro». Desprovisto de contrapunto lineal, Música para el teatro se llena de melodías y acompañamientos armónicos en la forma de una canción popular.

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Cristian Cruz
Caterina Tellini
Mariana Salas
Leonardo Perucci
Eva Trigueros
Violín II Azeneth Loáisiga
José Pablo Ocampo
Sandra Ramírez
Andrei Valerín
Astrid Ríos
Carlos Vargas
Nancy Alvarado
Violas Lucía Leandro
Jeffrey Chavarría
Elisa Hernández
Priscilla Montalván
Jafeth Quesada
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Contrabajos Jose Pablo Solís
Alberto Moreno
Piano Leonardo Gell
Flauta Mario Velasco
Oboe Roslyn Cerdas
Clarinete Sergio Delgado
Fagotes Giuliana Carfagnini
Cornos Nelly Suarez
Esteban Murillo
Trompeta Fabian Mata
Jose Manuel Loría
Trombón Luis Lizano
Percusión Josué Jiménez
Andres Barboza
Juan Manuel López
Jose María Piedra
VI Programa 2014

VI Programa 2014

VI Programa 2014

 

Concierto I : 21 de diciembre, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II : 22 de diciembre, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Camila Berg (Cuba) | viola, Fernando Muñoz del Collado (Cuba) I violín

Director Titular: Eddie Mora

Julio Fonseca (1885 – 1950 / Costa Rica)

  • Fantasía costarricense sobre temas folklóricos (1937)

Carlos Castro (1963 / Costa Rica)

  •  Serenata de la Luna para viola y orquesta de cuerdas  (Estreno nacional)

Berny Siles (1974 / Costa Rica)

  • Apócrifo No.1 para soprano, corno inglés, arpa, percusión y cuerdas (Estreno mundial / obra comisionada por la OSH)

Marlos Nobre (1939 / Brasil)

  • Desafío III para violín y cuerdas (Estreno nacional)

Vladislav Soifer (Rusia)

  • Fantasía sinfónica sobre «La Guaria Morada» (Estreno mundial | Obra comisionada por la OSH)

Vladislav Soifer (Rusia)

  • Fantasía sinfónica sobre «Patriótica Costarricense» (Estreno mundial | Obra comisionada por la OSH)

Vladislav Soifer (Rusia)

  • Dos villancicos: fantasía sinfónica sobre temas de Brunhilda de Portilla (Obra comisionada por la OSH)

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2014 – VI concierto 
Ministerio de Cultura y Juventud
Asociación Sinfónica de Heredia 

Municipalidad de Heredia
Temporada Tres Américas
Eddie Mora Bermúdez, director titular 

Exordio

La Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y la Municipalidad de Heredia, tienen el gusto de presentar al distinguido público asistente, el sexto concierto de la temporada 2014, denominada Tres Américas. En medio de los cautivantes aires navideños y de año nuevo, les ofrecemos un programa basado, fundamentalmente, en música costarricense, más una obra de un compositor brasileño.

Así pues, escucharemos de Julio Fonseca, Fantasía sobre temas folclóricos; seguidamente, de Carlos Castro, la OSH interpreta en estreno nacional, Serenata de la Luna para viola y orquesta de cuerdas; luego, la batuta del maestro Eddie Mora iniciará las notas de Apócrifo n.° 1 para soprano, corno inglés, arpa, percusión y cuerdas, de Berny Siles, en estreno mundial, obra comisionada por la OSH; como cuarta obra, escucharemos en estreno nacional, Desafío III para violín y cuerdas, del compositor brasileño Marlos Nobre; y de Vladislav Soifer, músico ruso residente en Costa Rica, escucharemos tres composiciones: primeramente, en estreno mundial, Fantasía sinfónica sobre Guaria Morada, obra comisionada por la OSH; en segundo término, Fantasía sinfónica sobre Patriótica Costarricense, también en estreno mundial, obra comisionada por el ensamble herediano; y por último, como cierre alusivo a los aires navideños, la orquesta herediana interpretará como tercera obra, Dos villancicos: Fantasía sinfónica sobre temas de Brunhilda de Portilla, obra comisionada por la OSH.

Gran fantasía costarricense sobre temas folclóricos – Julio Fonseca (1885-1950 / Costa Rica)

Mosaico sinfónico de piezas costarricenses

Entre sus obras sobresalen: Noche de luna y ¡Licha…! (mazurcas, primeras composiciones en 1897); Caperucita encarnada (comedia infantil), Los siete dolores de la Virgen (cantata), Quinteto para cuerdas, Sonatas n.° 1 y 2 n.° para violín y piano, Vitis et Palmites (misa), himnos, canciones y la obra que interpretará la OSH, Gran fantasía costarricense sobre temas folclóricos, entre muchas más. Al respecto, la investigadora y docente Ekaterina Chatski, publicó: “La posición de Julio Fonseca en su obra Gran Fantasía sobre temas folclóricos también llama la atención. Fonseca utiliza canciones de compositores costarricenses conocidos, tales como Joaquín Vargas Calvo y Rafael Chávez Torres, además de citar su propia obra, Vals Leda, a la par de canciones folclóricas tales como: Pajarillo chichiltote, Caña dulce, De la caña se hace el guaro y Punto Guanacasteco. En este último se destaca el uso de la técnica de la fuga”.

Serenata de la Luna para viola y orquesta de cuerdas – Carlos Castro (1963 / Costa Rica)

Estreno nacional – Camila Berg (Cuba/Costa Rica), solista

Una misma esencia ataviada con diferente color

Transcribimos literalmente las “confesiones” de Carlos Castro: “Serenata de la Luna fue escrita para el violista costarricense, radicado en Nueva York, Edmundo Ramírez. Castro continúa una práctica de años recientes de crear diferentes versiones del mismo material para fuerzas instrumentales completamente diferentes. En este caso, esta obra tiene un gemelo para guitarra sola, titulado Sonata de la Luna, que fue compuesto simultáneamente. Posteriormente, ha creado versiones de la Serenata para clarinete y cuerdas, para ensamble de clarinetes y para dúo de guitarra y viola/clarinete. La Serenata fue escrita en un género en el que él se siente muy cómodo como lo es el concerto. Contiene cinco pequeños movimientos, cuasi bagatelas, que simbolizan la siempre cambiante imagen de la luna en el cielo, pero también sobre su naturaleza cíclica. Las imágenes de la sensualidad y el misterio de la música nocturna también están muy presentes en esta obra que, en términos de estilo y lenguaje musical. tiene muchos ecos del romanticismo decimonónico. Por esta razón está instrumentada sólo para cuerdas que para el maestro, producen el sonido más mórbido de la orquesta, y el instrumento solista es la viola, que tiene un color oscuro, romántico y misterioso comparado con el heroico violín o el lírico cello. La parte del solista es muy demandante técnica e interpretativamente. La pieza fue estrenada en Nueva York en Junio del 2013 por Edmundo Ramírez y el North/South Consonance Ensemble dirigido por Max Lifchitz”.

Apócrifo n.° 1 para soprano, corno inglés, arpa, percusión y cuerdas – Berny Siles (1974-Costa Rica)

Estreno mundial – Elena Zelaya (soprano), solista

Infancia de Jesucristo según los evangelios ocultos

En cuanto a la obra, cedemos la palabra al propio compositor: “Esta pequeña obra forma parte de una serie de pequeñas piezas musicales de mediana duración que están en proceso, y que en un futuro cercano conformarán el Oratorio apócrifo del Mesías. Junto con el Apócrifo segundo: Los sabios de Oriente y el Apócrifo tercero: María, narran la infancia de Jesús según los libros ocultos. El texto de esta obra es del evangelio de Santiago, escrito aproximadamente a mediados del siglo II y publicado en latín, en 1552. La obra está escrita para una pequeña orquesta: cuerdas, cuatro instrumentos de madera (tres de los cuales son de doble caña), arpa y percusión. La cantante, soprano o mezzo-soprano, es un instrumento más del conjunto y le corresponde el rol de narradora, que de una manera sencilla, teje su narrativa entre las texturas orquestales escritas por el compositor. La estructura es muy libre, las armonías alternan entre “disonancia” y “consonancia”, el discurso y los sucesos musicales se dan de acuerdo con lo que el texto sugiere. Todos los colores, melodías y armonías sugieren una escena del Medio Oriente”.

Desafío III para violín y cuerdas (estreno nacional) – Marlos Nobre (1939-Brasil)

Estreno nacional – Fernando Muñoz del Collado, solista

Duelo musical librado con singular maestría

Esta obra es la tercera de una extensa serie de 35 obras intituladas Desafíos, escrita por Marlos Nobre para todos los instrumentos en calidad de solistas, además de versiones para orquesta de cuerdas, orquesta de cámara y orquesta sinfónica. De todas ellas, seguramente el Desafío III para violín y cuerdas ha sido la más tocada y más grabada. La obra está basada en los “desafíos” del nordeste del Brasil, particularmente Recife, donde nació el compositor, en los cuales dos “desafiantes” tocando cada uno su “viola” (una especie de guitarra primitiva), suelen cantar versos según una tradición secular, “desafiando” a su oponente a responder sobre la última rima del verso. Es una especie de “lucha poética” en la que pierde el oponente que no posea el talento de responder inmediatamente. Así el Desafío III empieza con una cadenza donde el violín “desafía” a la orquesta que responde al final. Sigue una sección en la que violín y cuerdas se oponen, se desafían y a veces se complementan. Una sección central “cantabile” y casi “adagio” forma el centro de la pieza, en carácter meditativo, llevando inmediatamente a la vuelta del “desafio” con fuerte oposición temática entre los dos “rivales”: solista y cuerdas. Finalmente, una coda virtuosística que explota las regiones más agudas del violín, finaliza la pieza en un progresivo “crescendo” alucinante. Luego, los dos “oponentes” se encuentran finalmente en un feroz golpe final.

Fantasía sinfónica sobre La Guaria Morada / Fantasía sinfónica sobre Patriótica costarricense / Dos villancicos: Fantasía sinfónica sobre temas de Brunhilda de Portilla – Compositor-arreglista: Vladislav Soifer (Rusia)

Como última interpretación, no solo de este sexto concierto navideño, sino también de la temporada 2014, la OSH le regala al distinguido público asistente, tres joyas sinfónicas creadas a partir de un material existente. Se trata de tres fantasías sinfónicas en espléndidos arreglos del maestro ruso, residente en Costa Rica, Vladilslav Soifer.

Tres imágenes sonoras sobre temas costarricenses

Como punto de partida, estableceremos que una fantasía en el lenguaje de la música es una composición instrumental de forma libre o formada sobre motivos varios.

Establecido el concepto, diremos que la primera obra será Fantasía sinfónica sobre La Guaria Morada música y letra originales de Roberto Gutierrez y Carlos López. Cabe señalar, que esta pieza, comisionada por la OSH, tendrá en este concierto su estreno mundial. La segunda pieza que interpretará la OSH se titula Fantasía sinfónica sobre Patriótica costarricense, cuya letra se consigna como anónima; pero cuya música pertenece al maestro Manuel María Gutiérrez, el mismo creador de la música de nuestro Himno Nacional. Al igual que la obra anterior, es una comisión de la OSH y tendrá su estreno mundial. La tercera pieza que ofrecerá la orquesta herediana se titula Dos villancicos: Fantasía sinfónica sobre temas de Brunhilda de Portilla, obra igualmente comisionada por la orquesta. Brunhilda de Portilla es una destacada educadora oriunda de Guanacaste, cuyos villancicos, en el año 2011, fueron declarados de interés público por el Ministerio de Cultura y Juventud. Por último, hay que recalcar en los arreglos de las tres obras, magistrales creaciones del músico y compositor ruso, residente en nuestro país, Vladislav Soifer.

Notas al programa por Gustavo Adolfo Segura Soto

MÚSICOS
 Violín I Erasmo Solerti
Adriana Cordero
Caterina Tellini
Mariana Salas
Ingrid Solano
Nancy Alvarado
Luissana Padilla
Violín II Azeneth Loáisiga
José Pablo Ocampo
Andrei Valerín
Sandra Ramírez
Carlos Vargas
Priscilla Montalván
Brenda Zamora
Violas Jeffrey Chavarría
Samuel Ramirez
Elisa Hernández
Jafeth Quesada
Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Beatriz Meléndez
Blanca Guandique
Gabriel Solano
Thiago Máximo
Gerson Campo
Contrabajos José Pablo Solís
Juan Pablo Mora
José Saavedra
Arpa Georgina Hidalgo
Flauta Mario Velasco
Enmanuel La Fuente
Oboe Roslyn Cerdas
Josué Escamilla
Clarinete Sergio Delgado
Daniel Porras
Fagotes Brenda Bourillon
Bryan Valderrama
Cornos Nelly Suárez
Esteban Murillo
Trompeta Jose Manuel Loría
Jesús Campos
Trombón Luis Lizano
Marisel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión Josué Jiménez
Allan Vega
Andrés Barboza
Juan Manuel López