Ottorino Respighi

Ottorino Respighi

Hombre culto y sensorial con un corazón simple

Ottorino Respighi nace en Bolonia, Italia, en 1879, y fallece en Roma, en el año 1936. Compositor, director de orquesta y pianista italiano. A los ocho años empezó el estudio del violín, que prosiguió, junto con el de la viola, en 1891 en el Liceo Musical “G. B. Martini” de su ciudad natal. Luego, cursó composición, y a fines de 1900 presentó sus Variazioni sinfoniche. Este mismo año marchó a Rusia, donde permaneció cinco meses y conoció a Rimski-Korsakov, con quien recibió algunas clases que marcaron decididamente su estilo orquestal. Con el correr de esa década, trabajó activamente como intérprete y comenzó a interesarse en la música italiana del pasado más remoto.
Entre 1908 y 1909 estuvo en Berlín, donde absorbió mucho del rico ambiente musical, pero poco de las charlas de Max Bruch a las cuales asistió. Después de un periodo en Bolonia se estableció permanentemente en Roma en 1913, y fue nombrado profesor de composición en el Liceo de Santa Cecilia. En 1924 fue director de esta institución y renunció dos años después para dedicarse por completo a la composición. Durante la última década de su vida continuó enseñando y dirigiendo sus obras a ambos lados del Atlántico. También acompañaba en el piano a su esposa Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien además de cantante era compositora y fue más tarde la autora de la biografía de Respighi.
Si bien no fue el principal compositor italiano de su generación, Respighi fue el más exitoso internacionalmente. Las innegables limitaciones de su arte se asocian a su personalidad. Él era un hombre de considerable cultura, pero de un corazón simple y casi infantil. Siempre fue muy receptivo a las impresiones visuales y, por ello, su obra tiende a ser más sensorial en carácter. La mayoría de sus obras tempranas demostraron pocos signos de su real naturaleza. Antes de 1910, estaba absorbiendo las influencias de varios compositores, desde Martucci y Sgambati hasta R. Strauss. Pero solamente unas canciones de aquellos años, como NebbieNevicata y Stornellatrice, ya tienen la frescura e inevitables elementos personales. Su madurez aparece en una canción más extensa, Aretusa, mientras que en el terreno orquestal recién lo hace con la gran Sinfonía Dramática que aparece como un tributo a R. Strauss.
En 1916 completó su primer y mayor hito, Fuentes de Roma, en donde las influencias de R. Strauss y M. Ravel aparecen completamente asimiladas. Aquí, Respighi revela un total manejo de su talento y el perfecto conocimiento de sus limitaciones. Las posteriores obras siguieron un esquema parecido, aunque hay aspectos notables en Pinos de RomaTríptico Botticelliano Impresiones Brasileñas y Fiestas Romanas. En esas y otras partituras, Respighi buscó siempre nuevas posibilidades, pero dentro de la misma estética. En los años venideros surgió un creciente interés por elementos arcaicos, lo que se aprecia en el empleo de motivos gregorianos en Vitrales de Iglesia o en los arreglos de música antigua en las suites Antiguas Arias y Danzas. Tampoco deben olvidarse aquellas obras más sobrias y abstractas de esos años, que también revelan tales tendencias arcaicas, como el Concierto Gregoriano o el Concierto en Modo Misolidio. Quizás, el mejor ejemplo del empleo de material antiguo sea el oratorio Lauda per la Nativitá del Signore. Al final de su carrera, Respighi se fue interesando en la ópera y produjo obras mejor estructuradas en los planos pictórico o idílico que en lo dramático o apasionado. Notable es, sin embargo, la obra infantil La Bella Dormente nel Bosco, concebida originalmente para marionetas y, más tarde, adaptada para mimos infantiles acompañados por cantantes fuera del escenario.

Georgs Pelecis

Georgs Pelecis

Versado en música antigua sin desconocer el presente siglo

Oriundo de Riga, Letonia, Georgs Pelēcis nace en 1947. En 1970, se gradúa en la clase de composición del compositor armenio Aram Khachaturiam, en el Conservatorio Chaikovski de Moscú; y, en 1977, obtiene el doctorado en artes. Cursa estudios en Oxford y Cambridge. Desde 1990, Pelēcis es profesor de teoría de la fuga y el contrapunto, en la Academia Nacional de Música de su natal Letonia. Como musicólogo es autor de dos tesis sobre la música de Johannes Ockeghem (s. XV) y Giovanni Pierluigi de Palestrina (s. XVI). Asimismo, tiene publicados más de treinta artículos sobre temas de la música de la Edad media, Renacimiento, Barroco y sobre composiciones letonas.

Nueva música consonante eufónica como ideal armónico

Entre los principales rasgos de su música destacan: emociones positivas, alegría al momento de la interpretación, y contemplación hacia los ideales y aspiraciones humanas. Su lenguaje musical está basado en consonante claridad con la escala diatónica mayor y menor. Pelēcis manifiesta: “La música se escribe por una de dos razones principales, ya sea por proponer un ejercicio intelectual al oyente, o para propiciar un bien para la música. Me siento más cerca de la segunda posibilidad. Toda mi inspiración creadora emana de una suerte de país de la eufonía –buenos sonidos- como encarnación o espejo del ideal humano. La aspiración a ese ideal es tema central de mi producción musical”.
En la tonalidad musical de Georgs Pelēcis parece repercutir algún espíritu positivo sorprendente. Esta misma cualidad, cuya génesis ancestral puede ser encontrada en parte en la música renacentista y barroca, asimismo, de algún modo en la estética minimalista, brinda una fuerza espiritual a la producción creadora del compositor y trae a la música letona un ayer desconocido, un nuevo aliento y una actividad vibrante. De todas las clasificaciones de estilo que el mismo compositor y críticos de música han hecho de sus trabajos, la más precisa sería ‘nueva música consonante’, donde la eufonía es el ideal armónico. El compositor como persona y creador toma distancia del drama y la dualidad del alma. Su música no tiene nada en común con la estilización, aunque esto revela una profunda comprensión acerca del conocimiento de la música de culturas antiguas. El camino musical del compositor adquirió claridad desde los inicios de las años 70, cuando similares herramientas de creación (tanto la meta de crear nuevas obras como el léxico musical) entre los compositores de Letonia, en el momento, incluyendo la nueva generación, no se usaba un lenguaje estandarizado y se necesitaba una defensa honesta de los criterios de producción creadora.

Jesús Mozo

Jesús Mozo

JESÚS MOZO-COLMENERO | ACORDEÓN (España)

Jesús Mozo-Colmenero es titulado superior de acordeón clásico con premio extraordinario fin de carrera en el Conservatorio Superior de Música de Donostia-San Sebastián. Realiza estudios de posgrado con Ángel Luís Castaño en el Conservatorio Superior de Música de Aragón y con Mika Vayrynen, profesor de la Academia Sibelius de Helsinki. Influyen en él profesores como M. A. Colmenero, Y. Otxotorena o M. Bikondoa. Amplía su formación con intérpretes como Stefan Hungson, Jean Luc-Manca, Jean Marc-Marroni, Kristof Olczak, Alberto Rosado o Patrick Busseuil. Obtiene el Diploma de Estudios Avanzados en Musicología en la Universidad Autónoma de Madrid por la investigación acerca del repertorio aplicado al acordeón en la música de cámara de 1850 a 1950.
Ha sido premiado en el Concurso Internacional de Acordeón de Cantabria (2001), Concurso Internacional de Interpretación Pedro Bote, de Badajoz (2002), Certamen Nacional de Acordeón (2004), y Torneo Internacional de Música en Zaragoza (2001).
En su actividad concertística, destacan en Madrid las siguientes salas: Auditorio Nacional, Auditorio Conde Duque, Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, Teatro Monumental, Circulo de Bellas Artes, Teatros del Canal y Auditorio de la Universidad Carlos III.
Asimismo, ha actuado en el Auditorio de Zaragoza, Auditorio de la Diputación de Alicante y en el Auditorio Alfredo Kraus, de Gran Canaria. Ha intervenido en Festivales como Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, Ciclo de Música de Cámara de la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, Ciclo de Música del Siglo XX en la Fundación Juan March, Festival de Música Contemporánea de Alicante 2011, Tempo Liszt 2011.
Ha ofrecido conciertos en Francia, Suiza e Italia, habiendo actuado ante su Santidad Juan Pablo II en Ciudad del Vaticano. En Costa Rica ha llevado a cabo una gira de conciertos, incluyendo actuaciones en la ciudad de San José, en el Teatro Eugene O`Neill, sede del Atlántico de la Universidad de Costa Rica en Turrialba-UCR, Colegio Panamericano y el Auditorio Abelardo Bonilla, en la sede central de la UCR.
Como solista ha tocado con la Orquesta de Cámara Andrés Segovia, Orquesta Bética Filarmónica de Sevilla, International Youth Orchestra, Camerata de Madrid, Orquesta de Cámara del Conservatorio de Castella (Costa Rica) y Albores Ensemble.
Además, colabora de manera habitual con la Orquesta Nacional de España (ONE), Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española (OSRTVE), Orquesta de Cadaqués, Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) y Plural Ensemble. Ha sido dirigido por directores como Josep Pons, Adrian Leaper, Jaime Martín, Beat Furrer, Manuel Coves, Yoav Talmi, Nacho de Paz, Susan Campos, Fabián Panisello, Víctor Ambroa y Manuel Villuendas, entre otros.
En el ámbito de la música de cámara ha dado conciertos junto al Cuarteto Almus, Cuarteto de Cuerdas de Profesores de la OSRTVE, Cuarteto Diapente, Cuarteto Leonor, Cuarteto de Cuerdas de Profesores de la ORCAM.
Ha estrenado obras de compositores como Jesús. Rueda, José Zárate, Eneko Vadillo, Stefan Lienenkamper, David Mora, Jorge Taramasco, Eduardo Lorenzo, José Buenagu y Marvín Camacho, que le han valido elogios de la prensa especializada.
Ha grabado para Radio Clásica de Radio Nacional de España, Canal Sur Televisión y Telecinco. Para el sello Tañidos tiene editado el disco compacto a solo La noche transfigurada, con obras de Bach, Liszt, Taramasco, Solotarjow y Zubytsky. Recientemente ha dirigido y coordinado el disco compacto pedagógico Música para jóvenes acordeonistas, realizado junto a cuatro profesores de acordeón españoles.
Ha sido profesor en el Conservatorio Superior de Música de Murcia, Conservatorio Superior de Música de Aragón y en los conservatorios profesionales de Segovia y Murcia.

Lorenzo Palomo

Lorenzo Palomo

Natural de Pozoblanco, Córdoba, España, Lorenzo Palomo, nacido en 1938, se formó primero en el Conservatorio de Córdoba y continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona donde estudió composición con Joaquín Zamacois y piano con Sofía Puche de Mendlewicz. Becado por la Fundación Juan March, estudió dirección de orquesta en Nueva York con Boris Goldovsky.
En 1973 fue nombrado director titular de la Orquesta Sinfónica de Valencia y durante años dirigió ópera y conciertos en España y fuera de ella. En 1976 dirigiría en Ginebra, al frente de la  Orquesta de la Suisse Romande, el concierto conmemorativo del Centenario de Manuel de Falla. Aquellos años de director de orquesta le ayudaron definitivamente a forjar y madurar un estilo propio como compositor a la vez que su labor directorial le proporcionaba un profundo conocimiento de los recursos orquestales.
Lorenzo Palomo es uno de los compositores españoles contemporáneos de más proyección internacional. Sus composiciones le han proporcionado éxitos rotundos en España y allende las fronteras. Su música ha sido interpretada en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre ellas Carnegie Hall (Nueva York), Symphony Hall (Boston), Covent Garden (Londres), Suntory Hall (Tokio), Auditorium Chaikovski (Moscú), Konzerthaus (Berlín), Victoria Hall (Ginebra), Konzerthus (Oslo), Accademia di Santa Cecilia  (Roma), Auditorio Nacional (Madrid), L’Auditori (Barcelona), Palau de la Música (Valencia), Teatro de la Maestranza (Sevilla), Palacio Euskalduna (Bilbao), Auditorio Manuel de Falla (Granada) y muchas otras.
Entre las orquestas que han interpretado composiciones de Lorenzo Palomo están la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, Orquesta de la Ópera de Berlín, Orquesta Filarmónica de Dresde, Orquesta Sinfónica de Hamburgo, Orquesta Sinfónica Yomiuri Nippon (Tokio), Orquesta de la Suisse Romande (Ginebra), Orquesta de Cámara de Lausanne, Orquesta Sinfónica de la RAI (Turin), Accademia Santa Cecilia (Roma), Orquesta Filarmónica de Bergen, Orquesta  Filarmónica de Oslo, Orquesta Sinfónica de Boston, y las de Pittsburgh, Cincinnati, Phoenix, San Diego y North Carolina; además, Orquesta Filarmónica de la Nueva Rusia de Moscú, Orquesta Nacional de Cuba, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Madrid, así como las de Barcelona, Valencia, Bilbao, Euskadi, Sevilla, Córdoba, Málaga y Granada.
Igualmente, grandes coros han interpretado obras de Lorenzo Palomo, entre ellos el Coro de la Ópera de Berlín  (Deutsche Oper Berlin) y el Orfeón Donostiarra.
Su Majestad, el Rey Juan Carlos I, concedió a Palomo la Encomienda de Número de la Orden de Isabel la Católica por su labor de llevar con su música el nombre de España alrededor del mundo.
Actualmente, Lorenzo Palomo reside en Berlín, donde ha sido miembro estable de la Ópera de la capital alemana (Deutsche Oper Berlin) como director de orquesta y pianista desde 1981 a 2004.
La casa discográfica NAXOS ha lanzado al mercado internacional las siguientes obras de Lorenzo Palomo:Nocturnos de Andalucía, Canciones españolas, Cantos del alma, Sinfonía a Granada, Mi jardín solitario, Madrigal y Cinco canciones sefardíes, Concierto de Cienfuegos, Dulcinea.

Rosa Matos

Rosa Matos

Guitarrista y docente cubana que trasciende fronteras antillanas

Rosa María Matos es guitarrista y pedagoga. Fue la primera mujer en ganar el Concurso-Festival Internacional de Guitarra de La Habana. Nacida en Las Tunas, antigua Oriente, Cuba, el 17 de agosto de 1972. Inicia sus estudios en la Escuela de Arte de Las Tunas, con Bárbara Milián y José Armando Guzmán; los completó en el Instituto Superior de Arte, con Joaquín Clerch, Jesús Ortega, Rey Guerra y Harold Gramatges.
Ha recibido clases magistrales con Isaac Nicola, Leo Brouwer, Pepe Romero (España), María Luisa Anido, (Argentina), Wolfgang Leedle, (Alemania) y Costas Cotsiolis (Grecia).
Ha actuado acompañada por la Orquesta Sinfónica Mulheuse, Francia; y la Orquesta Sinfónica de San Salvador, El Salvador; y ha participado en eventos como el Festival de Guitarra de San José, Costa Rica; Festival de Guitarra de Ligita, Lichtenstein, en 2001; Festival de Guitarra Parrado, Michoacán, México; y el Festival de Guitarra del Mundo de Argentina, en 2004 y 2011.
En su trabajo guitarrístico con orquestas sinfónicas, ha interpretado obras como el concierto de Lorenzo Martínez Palomo, Nocturnos de Andalucía, junto a la Orquesta Sinfónica Mulheuse, en Francia y con la Orquesta Sinfónica de Córdoba, bajo la dirección de Leo Brouwer; asimismo, ha tocado el Concierto de Cojímar, de Roberto Valera, entre otros. Estrenó en Cuba obras de compositores contemporáneos como María Escribano, Claudio Prieto y Leo Brouwer. Como docente, ha impartido clases en la Universidad Autónoma, en la Universidad de Zacatecas (México), y en la Universidad Nacional de Costa Rica (UNA). Actualmente es profesora del Instituto Superior de Arte, en La Habana, Cuba.

Matos ha obtenido diversos premios, tales como:

Primer Premio en el Concurso Amadeo Roldán, 1984 y 1986.
Premio a la mejor interpretación de una obra cubana, Concurso Nacional, 1988
Primer Premio Concurso Musicalia, convocado por el Instituto Superior de Arte, 1996.
Primer Premio en el IX Concurso y Festival Internacional de Guitarra de La Habana, 1998
Premio Masaru Kohno.
Premio Ichiro Suzuki.
Premio de la Radio Cubana.
Premio a la Maestría Artística, otorgado por el Instituto Superior de Arte

Jose Luis Castillo

Jose Luis Castillo

José Luis Castillo
Director de la orquesta de Cámara de Bellas Artes
Director invitado de la OSH

Uno de los directores y compositores más destacados y activos en el panorama musical actual. Afincado en México desde 1997, inició en España sus estudios de composición, análisis y dirección de orquesta para continuarlos en Salzburgo, Luxemburgo y París con Manuel Galduf y Alexander Müllenbach.
Su doble faceta de director y compositor le ha permitido ser considerado como uno de los  especialistas en el repertorio moderno y contemporáneo, desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Castillo ha dirigido el estreno mundial de más de ciento cincuenta obras, además de las primeras audiciones en Latinoamérica de algunos de los principales compositores de finales del siglo XX: Andriessen, Berio, Boulez, Donatoni, Francesconi, Gervasoni, Halffter, Manoury, Murail, Nishimura, Pesson, Rihm, Schuller, Trojahn, Xenakis y Zimmermann, entre otros.
José Luis Castillo es el actual director del Centro de Experimentación y Producción de la Música Contemporánea (Cepromusic) y director musical de la Camerata de las Américas. Ha dirigido en Alemania, Argentina, Austria, Canadá, España, Estados Unidos, Italia, Japón, Lituania, México, Polonia y parte de Latinoamérica. Fue director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Como director de ópera ha dirigido desde Scarlatti hasta Sciarrino, pasando por Mozart, Donizetti, Verdi, Puccini, Falla, Britten o Dallapiccola con una decidida vocación hacia la ópera contemporánea.

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