Bohuslav Martinú

Bohuslav Martinú

Cosmopolita influido por la cultura francesa que nunca olvidó el espíritu de su patria

Compositor checo, tal vez el más famoso del siglo XX después de Leoš Janáček. Nació en Policka (hoy república Checa o Chequia), el 8 de diciembre de 1890,  y estudió con el compositor y violinista checo Josef Suk y, en 1923, en París con el compositor francés Albert Roussel, quien ejerció una influencia decisiva en su estilo. Martinú vivió en Estados Unidos entre 1940 y 1946, periodo en el que comenzó a componer sus seis sinfonías, donde combina la tonalidad disonante y el estilo neoclásico de Roussel con una especial sensibilidad hacia la música folclórica checa. Entre sus obras cabe destacar Memorial de Lidice para orquesta(1943), la Sinfonía n.º 6 (1953), y la ópera la Pasión griega sobre el texto de Cristo nuevamente crucificado, de Nikos Kazantzakis (1958).

Martinú fue un autor muy prolífico. Entre sus numerosas composiciones se encuentran obras coreográficas, las seis sinfonías ya mencionadas, así como obra concertante y música de cámara. Fue un compositor cosmopolita, influido por la cultura francesa, pero que jamás olvidó los acentos de su patria checa adonde las vicisitudes de la política le impidieron regresar. Murió de cáncer en Suiza. Bohuslav Martinú recibió una fuerte influencia tanto del impresionismo como de otros compositores y del jazz. Sin embargo, su obra es ante todo la expresión del ideal nacional de la música checa en un lenguaje internacional.

En vida del compositor, a pesar de la difusión que alcanzaron otras obras suyas, su veintena de óperas para la escena y para la radio se conoció poco. Emigró de su país y vivió de manera inestable, tal vez por su carácter, en parte impulsado también por la inestabilidad de la época, en muchos lugares del mundo: París, Italia, Suiza, Estados Unidos. Nunca volvió a su patria, pero durante toda la vida fue fiel a la música de su país. Siempre aparecen en sus obras melodías y ritmos checos.

Martinú fue después de la Primera Guerra Mundial un compositor de vanguardia, luego se pasó al neoclasicismo, que contenía también rasgos románticos. En el ámbito del idioma alemán se interpretaron sus siguientes obras: JuliettaWovon die Menschen leben y Die Heirat (basada en Gógol y estrenada en Hamburgo en 1954) y Mirandolina.

Bohuslav Martiní fallece el 28 de agosto de 1959, en Liestal, Suiza.

Algunas de sus obras

  • Trío para flauta, violín y piano
  • Julieta o el Libro de los sueños
  • Mirandolina
  • Pasión griega
  • Concierto para piano n.° 1, H.149
  • Tres danzas checas, H.154
  • Sexteto para piano e instrumentos de viento, H.174
  • Concierto para piano n.° 2, H.237
  • Sonata para flauta, violín y piano, H.254
  • Concertino para piano y orquesta, H.269
  • Fantasía y Toccata, H.281
  • Sinfonía n.° 1, H.289
  • Sinfonía n.° 2, H.295
  • Sinfonía n.° 3, H.299
  • Trío para flauta, violonchelo y piano, H.300
  • Sinfonía n.° 4, H.305
  • Sonata para flauta y piano, H.306
  • Estudios y Polkas, H.308

Escrita por : Gustavo Adolfo Segura

Ensamble de percusión Costa Rica – UNED

Ensamble de percusión Costa Rica – UNED

Premio Nacional de Música 2009 – Mejor grupo de cámara

El Ensamble de percusión Costa Rica-UNED es una de las agrupaciones más importantes de música de cámara en Costa Rica. Desde su fundación en 1993 por el maestro Bismarck Fernández, ha tenido como objetivo desarrollar un lenguaje de composición e interpretación nunca explorado por ningún otro ensamble similar en Latinoamérica.

El Ensamble se ha presentado en las más prestigiosas salas del país. Cabe destacar su participación en la celebración del centenario del Teatro Nacional, máximo coliseo de la cultura costarricense.
Dentro de sus logros está la realización del disco compacto Marimbando, que contiene exclusivamente, música de compositores costarricenses, y el cual, en el año 2001 recibió, por parte de la Asociación de Compositores  de Costa Rica, el Premio Nacional de Música Alternativa y, asimismo, el Premio a la Mejor Producción del Año.

A escala internacional, se ha presentado en el Palacio de Linares en Madrid, España (1993); y en el festival Somos Latinoamericanos, en Santiago de Chile (1997), donde obtuvo excelentes críticas. Por tal
motivo, fue necesario llevar al grupo fuera del marco del festival, al prestigioso Teatro de la Universidad de Chile.

En marzo del año 2002, el Ensamble realizó un concierto en la ciudad de Ámsterdam, Holanda, dentro de la celebración del 150 aniversario de las relaciones diplomáticas entre Costa Rica y los países bajos. Además, entre el 24 de mayo y el 7 de junio del mismo año, representó a Costa Rica en el Seoul Drum Festival en Corea, evento oficial de FIFA, con motivo de la realización del Campeonato Mundial de Fútbol.

En 2005 fue el grupo escogido para participar junto con la Orquesta Sinfónica Nacional en la gira por Japón, donde cosecharon apreciables conceptos del público japonés. Desde el año 2008, es el grupo residente de la Universidad Estatal a Distancia (UNED), institución con la que organizó el primer Festival Internacional de Ensambles de Percusión con grupos participantes de la Universidad de Minessota, Universidad del Norte de Illinois y el Conservatorio Simón Bolívar de Venezuela.

Asimismo, el Ensamble fue invitado como el único grupo internacional para cerrar el Festival “Bogotá cada vez más clásica” en Colombia, en el 2006. En enero del 2010, la agrupación recibió el Premio Nacional de Música, otorgado por el Ministerio de Cultura y Juventud como máximo galardón del gobierno costarricense. Este premio fue compartido. También en el 2010, el Ensamble participó en el Festival Internacional de Marimba, organizado por la Universidad de Minessota, en las ciudades de Minessota y Saint Paul.

El ensamble universitario cuenta con seis miembros, todos profesionales de gran experiencia en el ámbito musical, dentro de los cuales se encuentran cuatro miembros de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Dada la versatilidad de sus integrantes, dentro de su repertorio cuenta con obras para percusión clásica, música latinoamericana, jazz y música costarricense.

Adscrito al Programa de Promoción Cultural y Recreativa, de la Dirección de Extensión Universitaria, Ensamble de Percusión Costa Rica-UNED está conformado por Marco Antonio “Chiqui” Ortiz Monestel, William Esteban Ramos Calvo, Bismarck Fernández Velásquez, Ricardo Hernández Velásquez, Alejandro Molina Salas y Ricardo Alvarado Hernández.

Claude Debussy

Claude Debussy

Fundador de la escuela impresionista de la música
Achille-Claude Debussy fue un compositor francés, cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Debussy nació en Saint-Germain-en-Laye, el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia, conoció la música de compositores como Chaikovski, Borodin, Balakirev y Mussorgski, así como el folclor ruso y gitano. Ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma, donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, titulada La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel, del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Música, pintura y literatura: fértil sinergia impresionista
Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces, naturaleza controvertida, se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes, cabe destacar, el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura, escrita a los 32 años, basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un lector de Charles Pierre Baudelaire, Paul Verlaine y otros; con el arte de estos maestros de la literatura, así como con los pintores llamados impresionistas, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial. Su ópera Peleas y Melisande, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó el simbolismo y ensueño de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones.
Entre 1902 y 1920, Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L’île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas. En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918, durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.
La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala tonal completa, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional.  Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música.
Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan la música para escena de El martirio de San Sebastián (1911), de Gabriele d’Anninzio; la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

Poesía, poema sinfónico, ballet: trayecto de un texto sobre un fracaso amoroso
El Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l’après-midi d’un faune) es un poema sinfónico de Claude Debussy. Estrenado en París en diciembre de 1894, la obra está inspirada en el poema L’après-midi d’un faune, del poeta simbolista Stéphane Mallarmé. Es una de las obras más conocidas de su autor, y es considerada una obra crucial en el desarrollo de la estética impresionista. La sensualidad y la potencia visual de la obra, motivaron que fuera coreografiada en 1912 por Vaslav Nijinsky, y presentada en los escenarios de los ballets rusos de Serge Diaghilev, provocando cierto escándalo por los gestos masturbatorios del fauno.

Breve anotación acerca del poema de Mallarmé
El poema habla sobre un amor fracasado entre un fauno y una ninfa, mostrando el sufrimiento de este por el amor no correspondido.  Entonces, bebe para poder superar esta deprimente situación y así olvidar su sufrimiento. ¿Por qué el título? Porque, precisamente,  ante su impotencia, bebe vino y se queda dormido, tratando de olvidar su pena y su rencor hacia la ninfa.

El fauno como “Tristán debussyano”
Esta revolucionaria obra es considerada el primer hito del impresionismo sinfónico. En cierto modo, constituye la ansiada respuesta al reto -planteado a partir de la derrota francesa en la Guerra de 1870– de sintetizar un estilo -armonía, forma, orquestación, etc.- capaz de medirse -o, en su caso, capaz de superar- el sinfonismo wagneriano mediante fórmulas inequívocamente francesas.
Pese a la consagración del término “impresionismo” para referirse a esta corriente, la estética de Debussy -y esta obra en particular- parece menos inspirada en esta corriente pictórica que en la poesía simbolista. El poema de Mallarmé -publicado en 1876- utiliza un sofisticado lenguaje poético para contar en primera persona las peripecias de un fauno acaecidas durante la mañana: sus juegos eróticos con las ninfas, el rechazo de estas, y el cansancio resultante.

Misterioso y sensual eco wagneriano
La traducción sonora de Debussy se sume en esta decadente atmósfera, dando como resultado una suerte de fresco sinfónico que, partiendo de los modelos germánicos (Wagner, Liszt), se independiza de ellos de forma radical. En un sentido más particular, podemos considerar esta obra como la respuesta francesa al Preludio de Tristán e Isolda, cuyos ecos resuenan por doquier a lo largo de esta obra, transmutados en una esencia distinta, desde el misterioso acorde (semidisminuido y con ambigua función tonal) que abre la obra, hasta la irresistible sensualidad que ambas encarnan de forma arquetípica.
Los primeros acordes escuchados en el Preludio de Tristán e Isolda y en el Preludio a la siesta de un fauno son un acorde semidisminuido, que se resuelve de forma irregular en un acorde séptima de dominante. En el caso wagneriano, la resolución se produce por descenso de semitono; en el debussyano, en unísono. La orquestación de este último (con protagonismo del arpa y las trompas) contribuye a disimular una interpretación relativamente simple del primer acorde como apoyatura del segundo como variante del +vi – V de Walter Piston, dando como resultado una sonoridad mucho más enigmática.

Sergéi Prokófiev

Sergéi Prokófiev

Baluarte de la música académica del siglo XX

Sergéi Sergéievich Prokofiev es un compositor ruso, una de las principales figuras de la música culta del siglo XX. Nació el 23 de abril de 1891 en Sontzovka, cerca de Yekaterinoslav (actual Dnipropetrovsk, Ucrania). Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con los compositores rusos Reinhold Glière, Nikolái Rimski-Kórsakov y Anatoli Liadov. De 1918 a 1933, vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus cinco conciertos para piano y sus cinco primeras sonatas para ese instrumento. En 1934 regresó a su país natal. Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite para orquesta (1914), le valieron fama de músico iconoclasta.

Pedro y el lobo, Romeo y Julieta y Sinfonía n.° 5, entre sus más brillantes obras

Durante los años en que vivió fuera de su país, compuso para el empresario de ballet ruso Sergei Diaguilev los ballets Chout (1915) y El paso de acero (1926), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula de Carlo Gozzi, y El ángel de fuego (1919, esc. 1955), aunque su obra más destacada es la Sinfonía clásica (1918), obra concisa e irreverente con armonías modernas y ritmos tradicionales del siglo XVIII que preconizaba el estilo neoclásico que dominaría gran parte del siglo XX. En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera. A su vuelta a Rusia en 1936, Prokófiev siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo (1934) para narrador y orquesta, el ballet Romeo y Julieta (1936, esc. 1940), la ópera Guerra y paz (1946, rev. 1952), la enérgica Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kijé (1933) y la cantata Alejandro Nevski (1938, para la película del director soviético Serguéi Eisenstein).

Aunque hasta ese momento había gozado del favor del gobierno, en 1948 fue censurado por utilizar un “excesivo formalismo” y armonías cacofónicas. Prometió componer con mayor lirismo, pero su ópera Cuento de un hombre auténtico (1948) fue de nuevo censurada. Su Sinfonía n.º 7 (1952, premio Stalin) le devolvió el favor del gobierno. Sergéi Prokófiev falleció el 5 de marzo de 1953 en Moscú (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950, escenificado en 1954).

Películas musicalizadas por Sergéi Prokófiev

Bandas sonoras

1934 – Poruchik Kizhe
Director: Aleksandr Fajntsimmer

 

 

 

1938 – Alexander Nevski
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

1944 – Iván El Terrible
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

Einojuhani Rautavaara

Einojuhani Rautavaara

Después de Jean Sibelius el más importante

Einojuhani Rautavaara  es un compositor finlandés de música contemporánea, y uno de los más importantes de su país después de Jean Sibelius, nacido en Helsinki, el 9 de octubre de 1928, y fallecido en la misma ciudad, el 27 de julio de 2016.
Estudió en la Academia Sibelius de Helsinki con Aarre Merikanto desde 1948 hasta 1952, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para conseguir una beca para estudiar en la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Vincent Persichetti, así como de Roger Sessions y Aaron Copland en Tanglewood. Destacó por primera vez en el plano internacional cuando ganó el Thor Johnson Contest por su composición Un Réquiem en nuestro tiempo en 1954.
Rautavaara fue profesor no numerario en la Academia Sibelius desde 1957 hasta 1959, archivero de música de la Orquesta Filarmónica de Helsinki desde 1959 hasta 1961, rector del Instituto de Música Käpylä en Helsinki desde 1965 hasta 1966, profesor numerario en la Academia Sibelius desde 1966 hasta 1976, profesor artístico (nombrado por el Consejo de las Artes de Finlandia) desde 1971 hasta 1976, y profesor de composición en la Academia Sibelius desde 1976 hasta 1990.
Sufrió una disección aórtica en enero de 2004 por la cual pasó casi medio año en cuidados intensivos, pero se recuperó y logró continuar con su trabajo. Murió en Helsinki el 27 de julio de 2016 debido a complicaciones después de una cirugía.

Estilo no tan serial, más bien, inclinado hacia lo místico

Rautavaara fue un compositor prolífico y ha escrito en una gran variedad de formas y estilos. Gran parte de su obra es bastante accesible y se ha probado que es ciertamente popular. Experimentó con técnicas seriales al comienzo de su carrera, pero las dejó atrás en la década de 1960 e, incluso, sus trabajos seriales no son claramente seriales. Su Sinfonía n.° 3, por ejemplo, usa esas técnicas, pero suena más como a Anton Bruckner que como a compositores seriales tradicionales como Pierre Boulez. Sus últimos trabajos a menudo tienen algún elemento místico (por ejemplo, varias obras con títulos haciendo referencia a ángeles). Un sonido característico de Rautavaara podría ser un tema rapsódico de belleza austera, interpretado por las cuerdas con sonidos reiterados de una flauta, suaves campanas disonantes y, quizás, la sugestión de un corno pastoral.
Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, varios conciertos, trabajos corales (varios sin acompañamiento instrumental, incluyendo Vigilia, sonatas para varios instrumentos, cuartetos de cuerda y otra música de cámara; además de varias óperas biográficas, incluyendo Vincent (basada en la vida de Vincent Van Gogh), Aleksis Kivi y Rasputin. Algunos trabajos tienen partes para cinta magnetofónica, incluyendo Cantus Arcticus (1972), también conocido como Concierto para pájaros y orquesta) y Unicornio verdadero y falso (1971), segunda versión de 1974, revisada en 2001-02), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta.
Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo Libro de visiones (2003-2005), Trilogía Manhattan (2003-2005) y Antes de los Iconos (2005) que es una versión ampliada de su anterior composición pianística Iconos. En 2005, acabó un trabajo para violín y piano llamado Paisajes perdidos, encargado por la violinista Midori Goto.
Se han grabado muchas de las obras de Rautavaara, siendo un éxito popular y de crítica. Una interpretación de su séptima sinfonía, Ángel de la Luz (1995), por la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por Leif Segerstam con el sello discográfico Ondine, fue nominada para varios premios, incluyendo un Grammy. Casi todas las obras de Rautavaara han sido grabadas por Ondine. Algunos de sus trabajos principales también se han grabado por el sello Naxos.

Composiciones de Einojuhani Rautavaara

Óperas: Thomas (1982–1985) / Vincent (1986–1987) / La casa del Sol (Auringon talo), ópera de cámara (1989–1990) / El regalo de los Reyes Magos (Tietäjien lahja), ópera de cámara (1993–1994) / Aleksis Kivi (1995–1996) / Rasputín (2001–2003).

Sinfonías: Sinfonía n.º 1 (1956/1988/2003) / Sinfonía n.º 2: Sinfonía íntima (1957/1984) / Sinfonía n.º 3 (1961) / Sinfonía n.º 4Arabescata (1962) / Sinfonía n.º 5 (1985-1986) / Sinfonía n.º6Vincentiana (1992) / Sinfonía n.º 7: Ángel de la Luz (1994) / Sinfonía n.º 8El viaje (1999).

Conciertos: Concierto para violonchelo (1968) Concierto para piano n.º 1 (1969) / Concierto para piano n.º 2 (1989) / Concierto para piano n.º 3: Don de los sueños (1998) / Concierto para flauta: Danzas con los vientos (1973) / Concierto para órganoAnunciaciones (1976–1977) / Concierto para violín (1976–1977) / Concierto para contrabajoÁngel del crepúsculo (1980) / Concierto para arpa (2000) / Concierto para clarinete (2001) / Concierto para percusión “Incantations” (2008) / Concierto para violonchelo n.º 2 (2009).

Otras obras orquestales: Anadyomene: Adoración de Afrodita (1968) / Cantus Arcticus (1972) / Ángeles y visitaciones (1978) /Isla de la dicha (Lintukoto) (1995) / Jardines otoñales (1999) / Jardín de espacios (Conjunto regular de elementos en una situación semirregular) (1971; orq. 2003) / Libro de visiones (2003–2005) / Trilogía Manhattan (2003–2005) / Antes de los iconos (2005) / Un tapiz de vida (2007).

Coro: Ludus verbalis, motete para coro declamatorio (1960) / Praktisch Deutsch, motete para coro declamatorio (1969) / Concierto para soprano, coro y orquesta: Hija del mar (Meren tytär) (1971) / Unicornio verdadero y falsocantata (1971/2000) / Vigilia nocturna (Vigilia), para coro y solistas (1971–1972/1996) / Libro de vida (Elämän kirja), suite coral (1972) / Credo para coro (1972) /Misa de niños (Lapsimessu), para coro de niños y orquesta (1973) / Suite Lorca para coro de niños o mixto (1973) / La novia (Morsian), canción coral (1975) / La partida (Lähtö), canción coral (1975) / Noche de verano (Sommarnatten), canción coral (1975) / Magnificat, misa coral (1979) / Nirvana Dharma para coro, soprano y flauta (1979) / La catedral (Katedralen), para coro y solistas (1982) / Canción de nuestro tiempo, suite coral (1993) / Die erste Elegie, canción coral (1993) / Con alegría vamos a bailar (Och glädjen den dansar), canción coral (1993) / En la última fronterafantasía para coro y orquesta (1997) / En la sombra del sauce (Halavan himmeän alla), canción coral (1998) / Balada para coro y orquesta (2015).

Banda: Un réquiem en nuestro tiempo (1953) / Una misa militar (Sotilasmessu) (1968).

Orquesta de cuerda: Los violinistas (Pelimannit) (1952/1972) / Suite para cuerdas (1952) / Divertimento (1953) / Un epitafio para Bela Bartok (1955/1986) / Canto I (1960) / Canto II (1961) / Canto III (1972) / Canto IV (1992) / Balada para arpa y cuerdas (1973/1981) / Homenaje a Zoltan Kodaly (1982) / Homenaje a Ferenc Liszt (1989) / Un mito finlandés / Ostrobothnian Polska.

Música de cámara / Instrumentos solos: Cuarteto de cuerda n.º 1 (1952) / Cuarteto de cuerda n.º 2 (1958) /Cuarteto de cuerda n.º 3 (1965) / Cuarteto de cuerda n.º 4 (1975) / Octeto para instrumentos de viento (1962) / Sonata para clarinete y piano (1969) / Sonata para violonchelo n.º 1 (1972–1973/2001) / Sonata para violonchelo n.º 2 (1991) / Baladapara arpa y cuerdas (1973/1981) / Sonata para flautas y guitarra (1975) / Serenatas del unicornio para guitarra (1977) / Monólogos del unicornio para guitarra (1980) / Quinteto de cuerdaCielos desconocidos (1997) / Hymnus para trompeta y órgano (1998) / Paisajes perdidos para violín y piano (2005).

Voz sola: Tres sonetos de Shakespeare (1951/2005) / Fiestas sagradas (Pyhiä päiviä) (1953) / Cinco sonetos a Orfeo (1955–56/1960) / Die Liebenden (1958–1959/1964) / El camino de Dios (Guds väg) (1964/2003) / El viaje (Matka) (1977) / Mundo ideal (Maailman uneen) (1972–1982) / En mi jardín de los enamorados (I min älsklings trädgård) (1983–87)

Piano solo: Fiddlers (Pelimannit), Op. 1 (1952) / Iconos, Op. 6 (1955) / Preludios, Op. 7 (1956) / Partita, Op. 34 (1956–8) / Estudios, Op. 42 (1969) / Sonata para piano n.º 1: Christus und die Fischer, Op. 50 (1969) / Sonata para piano n.º 2The Fire Sermon, Op. 64 (1970) / Narcissus (2002).

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