III programa 2017

III programa 2017

III programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

III Programa

9 de abril, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

11 de abril, 7:30 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Cuarteto White (México), Dianelys Castillo (clarinete | Cuba)

Wojciech Kilar (Polonia | 1932 – 2013)

  • Orawa para cuerdas**

Marvin Camacho (Costa Rica | 1966)

  • Concierto guajojó en tres cantos*

Dimitri Shostakovich (Rusia | 1906 – 1975)

  • Sinfonía de cámara

* estreno mundial
**estreno nacional

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)

Municipalidad de Heredia

Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico.

PROGRAMA 

Wojciech Kilar (Polonia | 1932 – 2013)

Orawa para cuerdas (Estreno nacional)

 Entre el sétimo arte y las salas de concierto

Wojciech Kilar es un compositor polaco, nacido el 17 de julio de 1932 en Leópolis, Polonia (actualmente Ucrania), y fallecido el 29 de diciembre de 2013, en Katowice. Compositor de música clásica y de cine. Galardonado con diversos premios. Perteneció, junto con Krzysztof Penderecki y Henryk Górecki, a la vanguardia polaca de la década de 1960. Cursó estudios de piano en algunas de las mejores academias de música de su país, incluyendo la Academia de Música de Katowice (Akademia Muzyczna w Katowicach), antes de trasladarse a París en 1959 para estudiar con Nadia Boulangeren su conservatorio.

Habiendo ya recibido críticas exitosas como compositor clásico, Kilar compuso su primera banda sonora para la película Lunatycy, en 1959, y desde entonces escribió la música para películas de algunos de los directores polacos más importantes, como Krzysztof Kieślowski, Krzysztof Zanussi, Kazimierz Kutzy Andrzej Wajda. Llegó a trabajar en más de cien títulos en su país, incluyendo los internacionalmente reconocidos Bilans Kwartalny (1975), Spirala(1978), Constans (1980), Imperativ (1982), Rok Spokojnego Slonca (1984), y Zycie za Zycie (1991). Asimismo, trabajó con directores de cine franceses y de otras partes de Europa, hasta que Francis Ford Coppola le ofreció su debut en lengua inglesa con su vibrante adaptación de Drácula, de Bram Stoker, en 1992.

Sus otras creaciones para películas en lengua inglesa fueron, el trío de Roman Polanski: La muerte y la doncella (1994), La Novena Puerta (1999) y El pianista (2002), y la de Jane Campion Retrato de una dama (1996), que se caracterizan por sus bajos y violoncelos, temas profundamente románticos y con progresiones de acordes minimalistas. A pesar de estas incursiones, la mayoría de sus trabajos en los últimos años fueron para películas polacas dirigidas por Zanussi o por Wajda.

Además de su obra para el cine, Kilar continuó escribiendo y publicando trabajos puramente clásicos, de los cuales cabe destacar una sonata para trompa, una pieza para un quinteto de viento, unas piezas para orquesta de cámara y coro, los aclamados Baltic Canticles, la épica Èxode (famosa por ser la música del tráiler de La lista de Schindler), y además de su Concierto para piano y orquesta dedicado a Peter Jablonski.

Nota del diario español El País, publicada el mismo día de su fallecimiento, el 29 de diciembre de 2013:

Wojciech Kilar, compositor polaco de fama internacional por las bandas sonoras que creó para películas de Roman Polanski y Francis Ford Coppola, falleció ayer a los 81 años en su ciudad de residencia, Katowice, en el sur de Polonia. Kilar padecía un cáncer desde hacía varios años.

Kilar era uno de los más apreciados y premiados compositores polacos contemporáneos. A lo largo de su medio siglo de carrera artística fue autor de partituras de muy diversos géneros, del concierto a la sinfonía, pasando por el ballet, aunque el inconfundible estilo de las obras que compuso para el cine haya eclipsado en gran medida el resto de su obra.

Su nombre empezó a ser conocido por el público no especialista a partir de 1992, cuando Francis Ford Coppola le propuso componer la banda de su Drácula. Aquella partitura le valió el premio al mejor compositor de música cinematográfica de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores. Parece que Coppola no le había marcado directrices demasiado precisas para la composición, y sorprendido al recibir la obra, le preguntó qué hacía falta para escribir aquella música. Kilar le replicó: “Basta con vivir en Katowice”.

Kilar nació en 1932 en lo que entonces era la capital de la Silesia polaca, Lwow, y actualmente es la ciudad ucrania de Lviv. Tras la deportación de la población polaca en 1944, la familia se estableció en Rzeszow, donde el joven Kilar, estudiante de piano, empezó a familiarizarse con la obra de Ravel, Debussy y Zymanowski. En 1948 se instaló en Katowice, donde fijaría su residencia y donde entre 1955 y 1958 amplió sus estudios de piano y composición con Boleslaw Woytowicz, que le marcó profundamente. De aquella época data también su primera obra publicada,Mala uwertura [Pequeña obertura](1955).

Tras concluir su formación con Woytowicz, entre 1959 y 1960 ese periodo tomó lecciones de la maestra de compositores Nadia Boulanger en París. Empezó su carrera musical como un versátil compositor neoclasicista, tan hábil en la escritura polifónica que había estudiado con Woytowicz como en las complejidades de la sinfonía concertante, pero a partir de 1962 empezó a interesarse por las técnicas más innovadoras(Riff 62)y la música vocal(Diphthongos,de 1964 yUpstairs/downstairs,de 1971). Su producción de aquella época, que una crítica calificó de “constructivismo sonorista”, estableció su reputación como uno de los principales músicos de vanguardia de Polonia. En ese periodo compuso también un ballet inspirado en la obra de Poe,Maska czarnej smierci [La máscara de la muerte negra](1961).

Sin embargo, en los setenta simplificó su estilo compositivo y empezó a escribir obras inspiradas en el folklore(Krzesany, Siwa mgla, Orawa)que se incorporaron a los repertorios internacionales y con los que cosechó un éxito apreciable. También empezó a crear música sacra(Bogurodzica [La madre de Dios], Angelus o Victoria).

Desde finales de los años cincuenta Kilar empezó a componer partituras para el cine. Arrendaba su talento a lo que consideraba “la forma artística contemporánea más común” en atención a tres criterios, por este orden: la reputación del director, el salario y el guion. Con arreglo a ellos, trabajó para directores polacos de la talla de Andrzej Wajda, Krzysztof Kieslowski o Krzysztof Zanussi, que rodó una película biográfica sobre el músico. Pero tras el filón de la banda sonora deDrácula, cuyos temas se cuentan entre los máscitadosmusicalmente en otras películas, sus características progresiones de bajos y violonchelos se incorporaron también a filmes comoLa novena puerta(1994), la multipremiadaEl pianista(1999) yLa muerte y la doncella, (2002), de Polanski;Retrato de una dama, (1996) de Jane Champion; oLa lista de Schindler, que utilizó en su tráiler un tema de Kilar,Éxodo. También firmó la partitura deLa noche es nuestra(2007), de James Gray.

Orawa [Orava]: imágenes montañosas y pastoriles

Orava es la única obra en la que no cambiaría una sola nota, a pesar de que la he observado muchas veces […]. Lo que he conseguido con ella refleja todo lo que me esfuerzo para ser el mejor Kilar posible, dijo el compositor en una entrevista.

La pieza completa el ciclo de Kilar titulado “Tatra Mountain Works”, que trae a la mente toda una serie de asociaciones. Se refiere no solo a la región geográfica situada entre Polonia y Eslovaquia, sino también, al río que fluye a través de dicha región. Así, la progresión musical de Orava puede verse como una corriente que fluye con rápidamente a través de cavidades rocosas, revelando, una y otra vez, distintos paisajes con su cruda belleza. Del mismo modo, la obra también trae a la mente un prado montañoso recién segado, luego de que un rebaño de ovejas ha pastado ahí, y donde jóvenes pastores bailan su danza de ladrones montañeses hacia el final del verano.

Marvin Camacho (Costa Rica | 1966)

Concierto Guajojó en tres cantos (Estreno mundial)

Maestro de la composición reconocido dentro y fuera del país

Marvin Camacho Villegas nace en Barva de Heredia, Costa Rica, en 1966. Su formación musical en piano y composición la realiza en el Conservatorio de Castella y la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica. Entre sus principales formadores se encuentran Roger Wesby, Mario Alfagüell, Luis Diego Herra, Bernal Flores, Benjamín Gutiérrez y Pilar Aguilar.

Sus trabajos en composición han sido reconocidos con diversos lauros: Premio Nacional de las Artes (1984), por su Meditación Bribrí para contrabajo solo; Premio Nacional en Composición Aquileo Echeverría (2007), por su Sinfonía n.° 2 “Humanidades”; Premio ACAM (2010), por su Sonata dall´ Inferno para piano; Premio Nacional en Composición Aquileo Echeverría (2012), por su Concierto n.° 1 “Iniciático” para piano y orquesta; y Premio ACAM (2016), por su Salmo n.° 1: De la Sabiduría del Rey Salomón para orquesta sinfónica.

Gran parte de su catálogo autoral se ha apreciado en países de América y Europa, inclusive, en el Carnegie Hall de Nueva York y el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

Su producción fonográfica

Algunas de sus obras se han grabado en la serie Memoria Musical Costarricense Vols. I, II y III (Universidad de Costa Rica), CD Disparate y Locura (Universidad Nacional Autónoma de México – Universidad de Costa Rica), CD Reflexiones de Don Quijote (Universidad Autónoma de Madrid), CD Tiempos (Orquesta Sinfónica de Heredia) y CD Nosotros – Música de Cámara Costarricense (Universidad de Costa Rica).

Su primer disco monográfico, Rituales y leyendas, fue publicado en 2012 y recoge obras para diversas formaciones, interpretadas por músicos de varios países. En 2013 fue presentado su segundo trabajo monográfico, el álbum doble Salmos cotidianos, con una selección de su obra sinfónica y sinfónico-coral. Su producción, Las memorias de Sibö, es un disco-libro que recrea la mitología indígena costarricense con interpretaciones del Quinteto de Maderas Kaltak y la narración del propio Camacho, presentado en noviembre de 2015.

Su más reciente producción discográfica se titula Piano ritual (2016), en la cual el pianista Leonardo Gell interpreta seis obras de Camacho, mientras que el compositor aporta la voz, y el acompañamiento orquestal corre por cuenta de la Orquesta Sinfónica de Heredia, bajo la dirección del maestro Eddie Mora, director titular del ensamble sinfónico herediano.

Entre sus estrenos más destacados se encuentran:

–       Las Cortes de Cádiz (Orquesta del Gran Teatro Manuel de Falla, España), Sinfonía n.° 1 “Cuadros Orquestales” (Orquesta Sinfónica de la Universidad Rey Juan Carlos, España)
–       Sinfonía n.° 2 “Humanidades” (Orquesta del Conservatorio de Castella, Costa Rica)
–       De profundis – Concierto para trío y orquesta (Trío Concertante – Orquesta Sinfónica de Heredia, Costa Rica)
–       Poema Sinfónico “Un hombre llamado Don Quijote” para soprano y orquesta(Zamira Barquero–Orquesta Sinfónica de la Universidad de Costa Rica)
–       Posludiopara saxofón barítono y banda (Elmer Richmond – Banda de Conciertos de Cartago, Costa Rica)
–       Canto a Wihtmanpara fagot y banda (Cindy Bolandi – Banda de la Universidad de Wisconsin y Banda de Conciertos de San José)
–       Concierto n.° 1 “Iniciático” para piano y orquesta (Leonardo Gell – Orquesta Sinfónica de la Universidad de Costa Rica y Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba)
–       Cantata Salmos Cotidianos y Stabat Mater(UCR Coral, Costa Rica)
–       Te Deum y Poema (Glenda Juárez, Coro Sinfónico Nacional y Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica)
–       Obertura y Habanera (Banda Sinfónica de la Fundación Carlos Gomes, Brasil)
–       En el Umbralpara percusión y orquesta de cuerdas (Gustavo Ramos – Sinfonietta de la Universidad Autónoma de Nuevo León, México)
–       Fantasía n.° 1para piano y orquesta (Giuseppe Gil – Orquesta Sinfónica de la Academia Estatal de Vilnius, Lituania, y Orquesta Sinfónica de Kostromá, Rusia)
–       Los Caminos de Don Quijote para acordeón solista, cuerdas y percusión (Jesús Mozo – Orquesta Sinfónica de Heredia, Costa Rica)

Donación de su catálogo en Madrid,  España y Archivo Histórico Musical-UCR

En el año 2012, Marvin Camacho donó alrededor de cincuenta partituras de su catálogo al Archivo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, siendo el único compositor latinoamericano en resguardar su obra en esa prestigiosa institución. Asimismo, en noviembre de 2015, realizó la entrega oficial de todos sus manuscritos al Archivo Histórico Musical de la Universidad de Costa Rica, siendo el primer compositor costarricense en ofrecer en calidad de custodia su patrimonio original a dicha institución.

De comisiones musicales y conferencias

Asimismo, sus Sonata dall´ Inferno (I. Allegro con fuocco),Quijotada n.° 3 y Nocturnofueron seleccionadas como obras impuestas en el I Concurso Internacional de Música Contemporánea “La música de los últimos 100 años” (Lituania, 2014), así como, De bosquejos y diabluras le fue comisionada como obra impuesta en la categoría avanzada del VIII Concurso Internacional de Piano María Clara Cullell (Costa Rica, 2015).

Como conferencista y compositor, Camacho ha sido invitado por la Universidad de Valladolid, la Escuela Superior de Música de Cataluña, la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid, la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, el Festival de La Habana de Música Contemporánea, la I Jornada Cultural Costarricense en Cuba, el Festival Leo Brouwer de Música de Cámara (Cuba), la Academia Estatal de Vilnius (Lituania), el Conservatorio Nacional de Música de México y el Seminario de Composición Musical (Costa Rica). Su música se ha interpretado, además, en el Festival Internacional de Música de Cádiz, Festival de Miami, Conferencia Internacional de Dobles Cañas (Nueva York), Festival Internacional de Música de Pará (Brasil), Festival Internacional de Música Académica Latinoamericana y Festival Música Clásica por los Caminos del Vino (Mendoza, Argentina).

Labor docente y distinciones

Actualmente,  es profesor catedrático de la Universidad de Costa Rica, donde funge como Subdirector de la Escuela de Estudios Generales, Coordinador del Programa de Cursos Libres y Extensión Docente, y profesor de la Etapa Básica de Música de la Sede Regional del Atlántico. Asimismo, es Coordinador de Vida Estudiantil de la Universidad de Iberoamérica (UNIBE) y Presidente de la Asociación Sinfónica de Heredia.

Asimismo, le fueron otorgadas las distinciones Hijo predilecto de los cantones de Turrialba y su natal Barva.

Concierto Guajojó en tres cantos

La hija del cacique convertida en un pájaro nocturno

El Concierto para clarinete en Si bemol y orquesta de cuerdas, es una obra concebida en dos movimientos ligados por un lamento que interpreta el clarinete solista.

El primer movimiento inicia con un adagio y se desarrolla hacia un movimiento rápido, en el cual se relata la historia del cacique de una tribu, quién es también hechicero, que tiene una hija que se enamora de un guerrero. El cacique no permite esta relación y asesina al guerrero en la montaña. La hija al darse cuenta del terrible hecho, tiene una fuerte discusión con su padre y lo amenaza con contarle a toda la tribu el suceso; el hechicero asustado y a la vez enojado, transforma a su hija en un pájaro nocturno.

Esto da inicio al segundo movimiento, que es un movimiento lento, donde constantemente se oye el canto del Guajojó, el pájaro en el cual fue convertida la doncella por su propio padre. El segundo movimiento inicia con el clarinete solista haciendo el canto del Guajojó, mismo canto que cierra la obra.

Esta obra es dedicada a la clarinetista cubana Dianelys Castillo, quien a lo largo de su carrera ha interpretado varias obras del maestro Camacho.

Dimtri Shostakovich (Rusia | 1906 – 1975)

Sinfonía de cámara (Estreno nacional)

Camino empedrado de un genial compositor condicionado

Dimitri Shostakovich, compositor soviético, nace en San Petersburgo, en el año 1906, y fallece en Moscú, en 1975. Su producción abarca todos los géneros: ópera, comedia musical, sinfonía, miniatura para piano, música concertante, cantata, cuarteto de cuerdas y música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de 147 números de opus, correspondientes, muchos de ellos, a obras que hoy se cuentan entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio académico.

Persecuciones y condenas por parte de un régimen totalitario

Sin embargo, a pesar de ser considerado, junto a Prokofiev, el compositor más representativo de la desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue fácil: premios y condecoraciones -entre los que se contaban los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo-, se alternaban con continuas persecuciones y condenas por parte del mismo régimen que lo laureaba, bajo la acusación de realizar una música antipopular y en exceso moderna. Todo ello dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, caracterizadas por un tono amargo y sombrío, así como, también, por una crudeza que contrasta con el espíritu jovial y desenfadado de las primeras obras.

La carrera ascendente de Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público, tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue retirada de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda, titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible.

Se iniciaba así una larga y contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa.

Los estrenos de la clásica Sinfonía n.° 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía n.° 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus obras bajo el estigma del formalismo.

 

De familia con gran tradición cultural y su primera sinfonía

Nacido en el seno de una familia en la cual la cultura ocupaba un lugar importante, Shostakovich recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad que se puede considerar relativamente tardía: nueve años. Ante sus grandes progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922, proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.

El estreno en 1926 de su sorprendente Sinfonía n.° 1, escrita en ocasión de su graduación en el conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la atención del mundo musical. Las obras inmediatamente posteriores, como la ópera La narizo el ballet La edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento de un joven compositor especialmente dotado para la sátira.

Últimos opus con un tono obituario

Tras la muerte de Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, y se tradujo en una larga serie de partituras presididas por la idea de la muerte. Es el caso de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de cuerda, un género que el compositor convirtió en el medio idóneo en el que expresar sus preocupaciones y miedos de una manera privada, sin necesidad de recurrir a máscaras o disfraces. Su música, sobre todo la de estos años postreros, ha influido considerablemente sobre la de sus compatriotas más jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison Denisov, entre otros.

SINFONÍA DE CÁMARA EN DO MENOR

Dos lecturas interpretativas…un solo drama humano

La Sinfonía de cámara en do menor,opus110,es una orquestación del Cuarteto n.° 8 en do menor,opus110, realizada por su amigo Rudolf Barshai. Shostakovich escribió el cuarteto en el mes de julio de 1960, durante una visita a Dresde, devastada por los bombardeos británicos y americanos a petición de Rusia.  Los soviéticos lo habían enviado a la República Democrática Alemana para que pusiera música al film“Cinco días, cinco noches”. El cuarteto llevaba el subtítulo “A la memoria de las víctimas del fascismo”, algo que sin duda complació a las autoridades soviéticas. Su hijo Maxim lo interpretó como un homenaje a todas las víctimas del totalitarismo.

La versión para orquesta de cuerda es una de las primeras realizadas por Barshai, bajo la dirección del compositor y con su completa aprobación, lo cual garantiza su integridad artística. La obra se divide en cinco movimientos que se interpretan sin interrupción.

El primer movimiento, Largo, empieza en forma canónica, presentando el famoso tema familiar de Shostakovich, DSCH (ver explicación al final), en los bajos. Continúa con una cita en modo muy lento del principio de la primera sinfonía. Luego, aparece una escala descendente y un tema relacionado con su quinta sinfonía. Los temas parcialmente son recapitulados en orden inverso, enlazando sin pausa con la parte siguiente.

El segundo movimiento, Allegro molto, comienza con un violento tema combinado con las notas DSCH. El segundo tema es una Danza de la muerte que proviene de su Trío para piano. Se trata de una melodía fácilmente reconocible de origen judío. Se escucha nuevamente el tema DSCH. Estos elementos se desarrollan en forma de una abreviada forma sonata.

El tercer movimiento, Allegretto, empieza con el tema DSCH en los violines, seguido por un siniestro vals, también de origen judío. El segundo tema es otro grotesco vals. El ritmo cambia de ternario a binario, apareciendo una referencia a su Concierto para violoncelo. El material es recapitulado sin el tema del concierto, que es sustituido por una amplia frase de los violines.

El cuarto movimiento, Largo, empieza con salvajes acordes como si se trataran de disparos. Luego, aparece el tema aumentado de su Concierto para violoncelo, seguido por la canción Atormentado por una lastimosa cautividad. El tercer tema pertenece a su ópera Lady Macbeth. El tema del Concierto para violoncelose escucha nuevamente en una corta recapitulación, junto con los salvajes acordes y el famoso tema DSCH.

El último movimiento, Largo, consiste en una fuga lenta, que toma el tema  DSCH del principio de la sinfonía, en forma de una profunda reflexión con amargos rasgos. Esto nos conduce a un desolador final, sin que aparezcan señales de redención. La música termina apagándose lentamente.

Como siempre, la música de Shostakovich tiene sus dos interpretaciones. En la oficial describe la ciudad de Dresde devastada por la guerra. Los salvajes acordes del cuarto movimiento, dijo que eran las bombas que caían sobre Dresde, terminando la obra con una visión apocalíptica de la destruida ciudad.

Pero la versión oculta nos parece mucho más real. El tema DSCH, que representa, como hemos visto anteriormente, al propio compositor, nos dice claramente que se trata de una confesión personal. Durante la época en que escribe el cuarteto confesó a sus amigos íntimos que había pensado en suicidarse. Quería escribir esta obra como una explicación a su trágica acción. Pensemos en dos hechos traumáticos que le habían ocurrido recientemente. El diagnóstico de una poliomielitis y, especialmente, su obligación de alistarse al partido comunista en 1960. Su hijo Maxim cuenta que su padre lloró cuando fue obligado a afiliarse al partido, como una derrota en su batalla contra el régimen. Debido a ello, el compositor fue obligado a escribir en el periódico oficial Pravda, una serie de artículos condenando a la música burguesa occidental.

A lo largo de la obra realiza una serie de citas de temas que ha escrito en las diversas etapas de su vida, empezando por la de su primera sinfonía escrita a los 19 años. En el segundo movimiento, la cita de la danza judía de la muerte representa que los dirigentes comunistas lo enviaban a la muerte, al forzarlo a inscribirse como miembro del Partido Comunista. En el tercer movimiento, su nueva cita de música judía señala el antisemitismo soviético, que como le ocurría a él mismo sin serlo, se sentían perseguidos. Las autoridades soviéticas le habían obligado a rehabilitarse escribiendo obras como el citado concierto.

Los acordes salvajes del cuarto movimiento se pueden interpretar como los tres golpes dados en la puerta de su casa por los escuadrones de la muerte estalinistas. Desde la condena de su ópera, también citada en el cuarteto, siempre estaba espantado, durmiendo con una maleta al lado de su cama, en espera de las terroríficas llamadas.

La cita de la canción rusa Atormentado por una lastimosa cautividad, que es una canción fúnebre, nos muestra su dolor por la falta de libertad. También puede interpretarse como la contemplación de su propio funeral. En el último movimiento se reafirma en sus personales pensamientos, sin encontrar ninguna esperanza de un feliz desenlace. Solo la muerte podía terminar con aquella pesadilla. El cuarteto se interpretó en 1975 durante el funeral del compositor.

Como se ha comentado, el motivo del viaje de Shostakovich a Alemania, era producir la banda sonora del film Cinco días, cinco nochesopus 111. Se trata de la primera coproducción germano oriental-soviética. Es un mediocre film sobre la salvación y restauración por las tropas soviéticas de los cuadros de la Galería de Dresde, arrasada por los bombardeos. Por suerte, las obras de arte se mantuvieron ocultas en diversos sitios protegidos. Shostakovich realiza una música que es más importante que la obra para la cual estaba destinada. Su música se convierte en un himno a la cultura y a los valores morales de la humanidad, y en un lamento por su permanente compromiso con los poderes de los bárbaros. En la parte dedicada a la liberación de Dresde utiliza el conocido tema de la novena sinfonía de Beethoven.

DSCH: Es un motivo musical utilizado por elcompositor ruso Dimitri Shostakóvich para representarse a sí mismo. Se trata de un criptograma musical, como lo fue el motivo BACH de Johann Sebastian Bach. El motivo DSCH está formado por las notas re-mibemol-do-si, que equivale a D-Es-C-H ennotación musical alemana, correspondientes a las iniciales del compositor (Д. Ш., siendo su nombre y apellido encirílico Дмитрий Шостакович),transliteradasal alemán (D. Sch.).

Fuente del texto: http://www.historiadelasinfonia.es/

Solistas invitados

Cuarteto de cuerdas José White (México)  

Considerado uno de los cuartetos de cuerdas más importantes en la actualidad mexicana, el Cuarteto de Cuerdas José White nace en 1998. Tan solo dos años después, en el año 2000, gana el primer premio en el Tercer Concurso de Música de Cámara en la ciudad de Salamanca, Guanajuato, México.

En México se han presentado en el Festival Cervantino, en el Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez” desde el año 2000, así como en ciclos de música contemporánea en el MUNAL, en el Festival de Música de Cámara de San Miguel de Allende como intérpretes y presentando obras de estreno comisionadas por el festival, además de ser maestros en residencia.

Han realizado giras de conciertos por los Estados Unidos, Europa, Canadá y América Latina, y se han presentado como solistas al frente de la Orquesta Filarmónica de Minería, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta Filarmónica de Zacatecas, Orquesta Filarmónica de la UACH y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Al mismo tiempo, el cuarteto ha desarrollado, gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, un concurso, cuya finalidad es fomentar la composición de obras contemporáneas para el formato del cuarteto de cuerdas.

La agrupación de cámara ha compartido el escenario con Jerry Horner y Christine Vlak (viola), Luis Humberto Ramos, Thomas Jones y Tara Bouman (clarinete), Roberto Limón y Rodrigo Neftalí (guitarra), Wendy Holdaway (fagot), Horacio Franco y Luis Julio Toro (flauta); igualmente, con Michiko Otaki, Marta García Renart, Ana María Tradatti, May Phang y Jorge Federico Osorio (piano); Jesús Castro Balbi, Bozena Slawinska y Juan Hermida (cello); Eva Gruesser, Jorge Risi y Rafael Machado (violín), con el Cuarteto Latinoamericano y el Cuarteto Penderecki, entre otros.

Han sido maestros en residencia durante el Festival de Música de Cámara Aguascalientes desde sus inicios al presente. Han recibido en tres ocasiones el apoyo que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes dentro del marco México en Escena, así como becas estatales en la ciudad de Aguascalientes, México.

El repertorio de este conjunto es muy variado, ya que va desde los tradicionales y obligados cuartetos “clásicos” de cuerdas, haciendo un recorrido por los cuartetos mexicanos y latinoamericanos de compositores de siglos pasados, hasta los actuales de jóvenes creadores de Latinoamérica, estrenando obras diversas en los más variados escenarios.

Hoy en día, el Cuarteto José White hace una considerable labor en el ámbito pedagógico realizando conciertos didácticos, talleres de música de cámara y conferencias para darle magnificencia a la música contemporánea con lenguajes de vanguardia.

Dianelys Castillo, clarinete (Cuba)

Dianelys Castillo es Magíster en Música por la Universidad Simón Bolívar, Venezuela (2015), en la clase del maestro Luis Rossi. Graduada con Título de Oro de la Licenciatura en Música de la Universidad de las Artes de La Habana (2009), bajo la tutela del maestro Vicente Monterrey. Desde 2011, ingresó a la Academia Latinoamericana de Clarinete con sede en Caracas, Venezuela. Ha recibido clases magistrales de los venezolanos Valdemar Rodríguez, Jorge Montilla, Edgar Pronio, Mark Friedman, Gorgias Sánchez y Carmen Borregales; así como de Michel Arrignon (Francia), Alain Damiens (Francia), Francesco Belli (Italia) y Antonio Saiote (Portugal), entre otros.

Laureada clarinetista cubana

Durante su carrera ha obtenido diversos lauros: Primer Premio del Concurso para Jóvenes Solistas de la Joven Filarmónica Amadeo Roldán (Cuba, 2004); Primer Premio del Concurso Nacional de Clarinete Amadeo Roldán (Cuba, 2005); Primer Premio del Concurso Nacional de Música de Cámara Musicalia, a dúo con el pianista Leonardo Gell (Cuba, 2007); Primer Premio del Concurso Nacional de Música de Cámara Musicalia, junto al Trío Concertante (Cuba, 2008); Tercer Premio del Concurso Internacional de Música de Cámara Ciutat de Vinaròs (España, 2008); Primer Premio del Concurso Nacional de Música de Cámara de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, junto al Trío Concertante (2008); Premio de Oro del Festival Primavera de Abril, junto al Trío Concertante (Corea, 2009); Primer Premio del X Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos (Venezuela, 2013); Premio de Oro y Premio de Plata del Festival Primavera de Abril, junto al Dúo Promúsica (Corea, 2016); Premio Música de Cámara y Gran Premio en la Feria Internacional CUBADISO 2016, por el álbum “Caribe Nostrum” (Sellos La Ceiba y Colibrí) del compositor Guido López-Gavilán. Participó, además, en el Concurso Internacional de Clarinete de Markneukirchen (Alemania, 2006).

Su debut, conciertos y grupo de cámara

Debutó como solista a los 17 años y ha sido acompañada por las orquestas cubanas más importantes, incluida la Sinfónica Nacional, bajo la batuta de Iván del Prado (Cuba), Fabricio Ficiur (Italia), Pablo Alvarado (Chile) y Daiana García (Cuba). Además, ha participado como solista junto a la Orquesta Sinfónica de Heredia (Costa Rica) y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar (Venezuela), bajo la dirección de Guido López-Gavilán (Cuba) y César Iván Lara (Venezuela), respectivamente.

Como concertista, Dianelys Castillo se ha presentado en escenarios de Argentina, Venezuela, Costa Rica, Colombia, Curazao, Cuba, España, Alemania y Corea del Norte; así como, en el Festival Internacional de Música Académica Latinoamericana (Mendoza, Argentina, 2010); IX y X Festivales de Jóvenes Clarinetistas Latinoamericanos (Caracas, 2011 y 2013); Festival Primavera de Abril (Corea del Norte, 2010 y 2016); I y II Festival Leo Brouwer de Música de Cámara (La Habana, 2009 y 2010); Festival de La Habana de Música Contemporánea (Cuba, 2003 a 2009); Festival de Música Antigua Esteban Salas (La Habana, 2008), y Festival Internacional Música Clásica por los Caminos del Vino (Mendoza, Argentina 2013).

Desde el año 2002, mantiene un dúo junto al pianista Leonardo Gell, y a partir de 2007 ambos crearon el Trío Concertante, junto al violinista Fernando Muñoz. Dicha agrupación marcó un precedente en la camerística cubana al ser el primer conjunto laureado internacionalmente en certámenes de música de cámara. Dianelys fungió como directora y fundadora del Quinteto de Vientos Santa Cecilia (2005-2010) y primer clarinete de la Joven Filarmónica Amadeo Roldán (2002-2005), y la Orquesta de Cámara de La Habana (2006-2010).

Colaboraciones con destacados músicos

Ha colaborado con reconocidos músicos como Leo Brouwer, Juan Piñera, Guido López-Gavilán, Alfredo Diez Nieto, Tania León (Cuba), Marvin Camacho y Eddie Mora (Costa Rica); así como, con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar (Venezuela), durante la puesta en escena de la ópera “Bolívar”, de Darius Milhaud. (Caracas, 2012), y con la Orquesta Juvenil de Caracas, bajo la dirección del maestro Leon Botstein (2013). Participó, también, en el estreno en Venezuela de la obra Circus Maximus, del compositor norteamericano John Corigliano, bajo la dirección de Alfredo Rugeles, contando con la presencia durante el montaje del propio compositor (Caracas, 2013). En 2011, estrenó De profundis, concierto para trío y orquesta, compuesto por el compositor costarricense Marvin Camacho y dedicado al Trío Concertante, junto a la Orquesta Sinfónica de Heredia (Costa Rica) dirigida por Guido López-Gavilán. Fue invitada por la Orquesta Gran Mariscal de Ayacucho para la puesta en escena de la Zarzuela Luisa Fernanda (Caracas, 2015) y participó en la Temporada n.° 20 del Ballet Cascanueces, en la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, junto a la Orquesta Sinfónica de Venezuela (2015). Con esta última orquesta, ha sido invitada regularmente como segundo clarinete y clarinete piccolo. Durante un año fungió como clarinetista de la Banda Marcial Caracas, puesto que ganó por concurso, en julio de 2015.

Integrante de importantes agrupaciones sinfónicas

Entre 2011 y 2015, integró la fila de clarinetes de la Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar, perteneciente al Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela. Como miembro de esta última agrupación, trabajó con los directores Thomas Clamor (Alemania), Johan de Meij (Holanda), Jan Van der Roost (Bélgica), Antonio Saiote (Portugal) y Ferrer Ferrán (España), estrenando muchas obras para esta formación instrumental. Como integrante de la Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar, participó en la Gira Colombia 2012, presentando conciertos en el Auditorio León de Greiff (Bogotá) y el Teatro Metropolitano de Medellín, en el marco del III Congreso Internacional de Música para Banda. Asimismo, participó en la Gira Europa 2013, presentando conciertos en el Teatro Châtelet de París, en la ciudad de Zomergem (Bélgica), Festival de Kerkrade (Holanda), Jungfrau Music Festival en Interlaken (Suiza) y el Palau de la Música de Valencia (España). Vuelve a escenarios colombianos en la Gira Colombia 2014, presentándose nuevamente en el Auditorio León de Greiff y en Tocancipá, en el marco del I Festival Internacional de Música Toquemus 2014, siendo en esta gira clarinete concertino de la agrupación.

Su discografía se resume de la siguiente manera:

  1. CD-DVD Clásicos cubanos del siglo XIX (Colibrí, 2008).
  2. CD “Capricho cubano” (Colibrí, 2011).
  3. CD “Caminos” (OSH | Costa Rica, 2011).
  4. CD-DVD “Piñera-Concertante” (Colibrí, 2012).
  5. CD-DVD “Caribe Nostrum” (La Ceiba-Colibrí, 2012), ganador del Premio Música de Cámara y el Gran Premio de la Feria Internacional CUBADISO 2016.
  6. Como integrante de la Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar, participó en el CD Mambos y Fanfarrias, bajo la dirección de Thomas Clamor (Caracas, 2012).
  7. Además, participó en la banda sonora del filme cubano El viajero inmóvil (ICAIC, 2008).
  8. Y como integrante del grupo de música venezolana Quintillo Ensamble, participó en el CD Suácata (Venezuela, 2014).

Finalmente, ejerció como profesora de clarinete y música de cámara en el Conservatorio Amadeo Roldán (La Habana, 2005-2009), y en los centros académicos pertenecientes al Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela, dedicada a la formación de músicos desde tempranas edades (2011-2016). Actualmente, está vinculada al proyecto de Orquestas y Coros Fundación Esperanza Azteca, en Chiapas, México.

DIANELYS CASTILLO: UN VALOR DE LA CULTURA CUBANA

Por: Martha Ríos / Web de Radio Habana, Cuba

Para quienes nacimos en Cuba, el décimo mes del año es de gran significación histórica y cultural, por estar vinculado a efemérides patrias. Los primeros acontecimientos se remontan al 10 de octubre de 1868 con el inicio de las luchas independentistas contra la metrópoli española y al día 20 de ese mismo año, cuando los cubanos entonaron por primera vez las notas del Himno Nacional.

Por ósmosis, octubre es pletórico en sucesos relacionados con la creatividad de los hijos de esta tierra. Parece como si cada año por estos días, la vida renaciera y se multiplicaran las acciones en todas las esferas, incluyendo las artes.

Entre los hechos acontecidos dentro y fuera de la mayor isla de Las Antillas, protagonizados por cubanos, destaca el Primer Premio del Concurso de Clarinete, en la categoría A (menores de 30 años), que obtuviera Dianelys Castillo, en el X Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos, realizado en Caracas, a principios de este mes.

Según testigos, (profesores, instrumentistas, crítica especializada y público en general), la competencia fue muy reñida pues se presentaron músicos de alta valía de Colombia, Venezuela y otros de la nación caribeña.

El jurado estuvo integrado por Luis Rossi (afamado luthier y clarinetista chileno-argentino), los franceses  Jean Louis Renne y Aude Camus y el belga Eddy Vanoosthuyse

El premio consistió en un clarinete Buffet Crampon modelo Tosca -que le fuera entregado a Dianelys Castillo de manos del prestigioso clarinetista francés Paul Meyer- y un concierto como solista junto a la Orquesta Sinfónica Juvenil Simón Bolívar, bajo la dirección del maestro venezolano César Iván Lara.

Cuentan que fue una apoteosis la gala de esa noche. La cubana interpretó el Concierto para clarinete y orquesta, de Jean Francaix, con el cual cautivó al auditorio de la sala Simón Bolívar del Centro de Acción Social por la Música.

Tras largas ovaciones, se vio obligada a ofrecer un encore, y escogió nada más y nada menos que Santa Cecilia, de su coterráneo, Manuel Corona (1880-1950).

Sin embargo, poco se conoce de este lauro en la cuna de la talentosa muchacha de sólo 26 años, donde se formó en los niveles elemental, medio y superior, del que egresó con honores en 2010.

Desde el año siguiente, y por sus méritos artísticos, realiza una maestría en la Universidad Simón Bolívar, de Caracas, Venezuela, y es miembro además de la Asociación Latinoamericana de Clarinete.

Resulta reconfortante tener noticias de los logros profesionales de jóvenes como ella, a quien conocí cuando aún estudiaba el instrumento en la Universidad Cubana de las Artes.

Corría 2007 y era integrante de dos noveles agrupaciones de cámara, el Quinteto de Viento Santa Cecilia y el Trío Concertante (violín, clarinete y piano). Apenas tenía 20 años y certámenes nacionales e internacionales ya reconocían su virtuosismo.

Muchas veces la entrevisté en CMBF, la única emisora cubana de música de concierto, a donde acudía, con la sencillez que la caracteriza, para conversar sobre sus presentaciones y proyectos. Antes de partir a Venezuela, a continuar estudios, tuvo la deferencia de comunicárselo a su público y dedicarle una de sus interpretaciones más preciadas.

Por todos los atributos de Dianelys Castillo y ante su más reciente triunfo en el mes de mayor significación histórica y cultural de Cuba, evocamos a José Martí (1853-1895), nuestro Héroe Nacional, quien con su sensibilidad y exquisita cultura, sentía orgullo de aquellos artistas cubanos que en el extranjero descollaban por su talante poniendo en lugar cimero el nombre de la patria.

MÚSICOS

Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del III programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Director titular : Eddie Mora

Solista: Dianelys Castillo (Clarinete I Cuba)

Músicos invitados: *Cuarteto de Cuerdas Jose White (México)

Instrumento Nombre
Violín I Silvia Santamaría*
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Johan Chapellín
Violín I Sara Miranda
Violín l Daniela Garner
Violín I Andrés Mendieta
Violín II Cecilia García*
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violín II Carlos Vargas
Violín II Andrés Corrales
Violín II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Viola Sergio Carrillo*
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Mario Sequeira
Violas Luissana Padilla
Violoncellos Orlando Espinosa*
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos Jose Pablo Solís
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Pedro García
IV programa 2017

IV programa 2017

IV programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

IV Programa

22 de julio, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

23 de julio, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director invitado: Martinas Staskus (Lituania)

  • Rimvydas Racevičius (Lituania I 1930 – 1993)

Concertino brillante**

  • Osvaldas Balakauskas (Lituania I 1937)

 Prayer**

  • Arvydas Malcys (Lituania I 1957)

The Kite of Hope**

  • Benjamín Gutiérrez (Costa Rica I 1937)

Improvisación

  • Jonas Tamulionis (Lituania I 1949)

Hummingbirds**

**estreno nacional

 

 

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia
Temporada 2017 | Con-Tempo
Música para cuerdas de Lituania
IV programa
Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

 Eddie Mora Bermúdez | Director titular y artístico

Artista invitado: Martinas Staškus | Director de orquesta-Lituania

 Programa del concierto

  1. Aleksas Rimvydas Racevičius (Lituania | 1935-1993)

Obra: Concertino brillante – “Rautilio” para orquesta de cuerdas (1988).

Aleksas Rimvydas-Racevičius es un compositor y arreglista con formación en el llamado género del pop. Estudió música en Klaipeda K. Donelaičio vid. Mokykloe, hoy en día, Vytautas Magnus Gymnasium.  Recibió clases de piano en la Escuela de Música de Niños Klaipėda Música Technicum, ahora, conocida como Conservatorio S.Šimkus. Más tarde, estudió dirección coral en Lituania. Asimismo, estudió composición con el profesor Eduardo Balsio.

Hacia 1958 ya había creado obras sinfónicas y de cámara.  De 1961 a 1965, fue el director de la Orquesta de la Radio de Lituania. A partir de 1971, comienza a componer canciones populares, tipo de música por el que ha recibido, también,  innumerables reconocimientos.

Pincelada acerca de obra

En lo que concierne a la obra por interpretar, el Concertino brillante, conocido como “Rautilio” para orquesta de cuerdas, de Aleksas Rimvydas Racevičius, que data de 1988, sus movimientos son:  Andante – Animato – Energico – Andantino.

 

  1. Osvaldas Balakauskas (Lituania | 1937)

Obra: Prayer

Origen, estudios y  premios de un músico con diplomacia

Osvaldas Balakauskas nace el 19 de diciembre de 1937 en Miliūnai, Lituania. Compositor de música clásica y diplomático. Balakauskas se gradúa en el Instituto Pedagógico de Vilnius en 1961 y asiste a las clases de composición de Boris Lyatoshinsky en el Conservatorio de Kiev en 1969. De 1992 a 1994, funge como embajador de Lituania en FranciaEspaña y Portugal. En 1996 es galardonado con el Premio Nacional de Lituania, la mayor distinction artística y cultural en este país. Actualmente, es el jefe del departamento de composición en la Academia de Música y Teatro de Lituania. Sus producciones musicales abarcan sinfonías, conciertos y música de cámara.

Osvaldas Balakauskas y su tonalidad

Balakauskas en sus primeros años de conservatorio estaba influenciado por StockhausenBoulezXenakis y, en particular, por Webern y Messiaen. En los años 60, desarrolla su propio sistema armónico, que le aporta un fuerte sentido de la tonalidad, denominado ‘Tonalidad Balakauskas’. Esta tonalidad es radicalmente diferente de la atonalidad y el serialismo de la Second Viennese School. Su sistema armónico empleaba subconjuntos de doce notas y el uso simultáneo de la tercera mayor y menor, lo que daba una sensación de música jazz. Obras suyas destacadas son: Sonata of the Mountains, obra inspirada en los cuadros de Mikalojus Konstantinas Čiurlionis (1975); Sinfonía n.° 2 (1979), Opera Strumentale (1987) y Sinfonía n.° 4 (1998) y Sinfonía n.° 5 (2001). Cabe señalar, que las últimas dos obras mencionadas han sido recientemente grabadas por Naxos Records.

Algunas otras obras suyas son:

  • Komunarų gatvė(Street of Communards), ópera de cámara (1977)
  • Zodiakas(Zodiac), película-ballet (1984)
  • Makbetas(Macbeth), ballet (1988)
  • La Lointaine, ópera de cámara (2002)
  • Sinfonía n.° 1 (1973)
  • Sinfonía n.° 2 (1979)
  • Sinfonía n.° 3, » Sinfonía Ostrobothnian», para orquesta de cuerda (1989)
  • Concertino para piano y orquesta de cuerda (1966)
  • Ludus Modorumpara cello y orquesta de cámara (1972)
  • Passio Strumentalepara cuarteto de cuerda y orquesta (1980)
  • Concerto para oboe, clavicordio y orquesta de cuerda (1981)
  • Sinfonía Concertantepara violín, piano y orquesta (1982)
  • Concerto RKpara violín y orquesta de cámara (1997)
  • Concerto Briopara violín y orquesta (1999)
  • Capricciopara piano y orquesta (2004)
  • Concerto para clarinete y orquesta de cuerda (2008)
  • Seasonspara dos pianos y orquesta de cuerda (2009)
  • Medis ir paukštė(The Tree and the Bird) para viola y piano (1976)
  • Do natapara cello o viola (1982)
  • Correntepara flauta, viola y piano (2005)
  • Duo concertantepara viola y piano (2007)
  • Trio concertantepara flauta, viola y piano (2008)
  • Requiem in memoriam Stasys Lozoraitis(1995), grabado por Naxos (8.557604, 2004)

 

  1. Arvydas Malcys (1957 | Lituania)

Obra: The Kite of Hope (El papalote de la esperanza)

Arvidas Malcys es un compositor y violonchelista lituano, nacido el 22 de febrero de 1957. Se gradúa en el Conservatorio Jouzas Gruodis, en Kaunas, y en la Academia lituana de música, en 1980.  A partir de 1979 trabaja con la Orquesta Sinfónica Nacional de Lituania. Entre 1991 y 1997, toca en la Orquesta de Cámara San Cristóbal, y de 1995 al 2000,  en el Nuevo Ensamble de Música Vilnius.

Miembro de la Unión de Compositores de Lituania y de la Unión de Músicos Lituanos. Sus composiciones se han interpretado en festivales como Festival de Música Contemporánea Gante, Festival de Ravenna, Festival Kremlin Navideño, Navidad Europea en Riga, entre otros certámenes y festivales. Otros lugares que han escuchado su música son: Belgrado, Ereván, Odessa, Kazán, Kiev, Chipre; así como, otras ciudades europeas, asiáticas y de Norteamérica y Sudamérica, y en este año 2017, su música se escuchará en Costa Rica, en el IV concierto de la temporada regular de la Orquesta Sinfónica de Heredia.

Arvydas Malcys ha obtenido varios premios. En el 2004, el tercer lugar en el Concurso Internacional de Compositores, con su obra Sobre nosotros solamente cielo, para orquesta sinfónica. Al año siguiente, en 2005, obtiene el primer lugar en el certamen de composición Juozas Caroso, con su Concierto para piano y orquesta de cámara. En 2006, gana el primer premio para director en el Concurso de Compositores Mozart 250, en Moscú, dirigiendo la obra In Memoriam para orquesta de cuerdas. Luego, en 2008, obtiene el primer lugar en el concurso Juozas Karoso con la composición Saxchord para saxofón tenor y orquesta de cuerdas, entre otros lauros obtenidos.

Entre sus obras más relevantes se pueden citar:

Concierto para orquesta orquesta sinfónica (1988)

Festus meae terrae para orquesta sinfónica (1989)

Vox clamantis en postre –Concierto para flauta y orquesta de cámara n.° 1 (1995)

Loci Genius para orquesta de cámara (1996)

Concierto para viola y orquesta de cámara (1997)

Eternity Moment para orquesta de cámara (2000)

Sinfonía n.° 1 (2000)

Impulso para orquesta sinfónica (2002)

Por encima de nosotros, solamente cielo orquesta sinfónica (2003)

Concierto para trombón y orquesta (2003)

Silencio escindido para orquesta de cuerdas (2004)

Saksafonu concierto para soprano y orquesta (2004)

Sinfonía n.° 2 (2005)

Concierto para piano y orquesta de cámara (2005)

Excéntrico bolero para orquesta sinfónica (2006)

Cantus Sirenum -Concierto para flauta y orquesta de cámara n.° 2 (2007)

Concierto para clarinete y orquesta de cámara (2007)

Plexo para orquesta de cuerdas (2007)

Concierto para saxofón tenor y orquesta de cámara (2008)

Concierto para violonchelo y orquesta (2009)

GRUNWALD –Sinfonía n.° 3 (2010)

Vortex para orquesta sinfónica (2010)

Concierto para acordeón y orquesta de cuerdas (2010)

El círculo vicioso para orquesta sinfónica (2011)

MKCiurlionis Tres Preludios (A. Malcys- transcripción) (2012)

Concierto para violín, viola y orquesta de cuerdas (2012)

Signos del destino para orquesta sinfónica (2012)

 

  1. Benjamín Gutiérrez (1937 | Costa Rica)

   Obra: Improvisación para orquesta de cuerdas (1961)

Sólida formación musical en Costa Rica, Guatemala y Estados Unidos

Benjamín Gutiérrez nació en San José, Costa Rica, el 3 de enero de 1937. A muy temprana edad, inició sus estudios musicales con su abuela materna, hija del connotado chelista costarricense Pilar Jiménez. En 1953, ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad de Costa Rica, donde estudió piano con Miguel Angel Quesada. En 1957, viajó a Guatemala tras recibir una beca, y estudió piano y composición con el belga Augusto Ardenois en el Conservatorio Nacional de Música de Guatemala.

Continuó sus estudios musicales en el New England Conservatory of Music de Boston, Estados Unidos, donde obtuvo el grado de Master of Music en 1960. En 1961 continuó sus estudios de composición en Aspen, Colorado, con el compositor francés Darius Milhaud, y en Ann Harbor, Michigan, con Ross Lee Finney.

Lucidez y vastedad compositiva del maestro Gutiérrez

Entre su vasta producción musical cuenta, además, con tres óperas, siendo Marianela, basada en la novela homónima del escritor español Benito Pérez Galdós, la que se ha considerado la primera ópera centroamericana, estrenada en 1957, cuando Gutiérrez tenía apenas 20 años de edad. Es a partir de su primera opera, que formalmente comienza en los inicios de los años sesenta un período de gran productividad musical para el compositor y pianista. Como ha sido característico de toda su carrera, sus composiciones abarcan una gran variedad de música, componiendo desde obras exclusivas para cuerdas hasta obras que abarcan otros instrumentos y orquesta.

Algunas de sus obras más significativas durante este período son:

  • Improvisación para orquesta de cuerdas
  • Preludio sinfónico
  • Pavana para cuerdas
  • Absolutio Post Missam Pro Defunctis para coro, solistas y orquesta
  • Concierto para violín y orquesta
  • Trío para clarinete, fagot y piano
  • Quintero de vientos con piano y percusión para siete instrumentistas

Relevancia de Alberto Ginastera en su vision musical

En 1965 se le concede una beca que le permite estudiar en el Instituto Latinoamericano de Estudios Musicales Torcuato Di Tella en Buenos Aires, Argentina. Es ahí donde se le reconoce el grado de Compositor al máximo nivel, basado en sus estudios de orquestación y composición con el renombrado compositor argentino, Alberto Ginastera. Esta estadía en Argentina representó una etapa crítica y crucial en la carrera artística de Gutiérrez, particularmente mediante sus estudios con Ginastera. Esto le permitió estar más en contacto con la música latinoamericana.

Su faceta concertista

Benjamín Gutiérrez ha tenido una muy reconocida carrera como pianista, tanto en Buenos Aires como en Costa Rica, donde además de sus propias composiciones, ha interpretado con la Orquesta Sinfónica Nacional, entre otros, el Concierto N.° 20, de W.A. de Mozart, y el Concierto n.° 1 para piano, de F. Liszt. Sin embargo, es su talento y capacidad como compositor lo que le ha dado el gran reconocimiento internacional que representa un legado invaluable para la música costarricense.

Docente, director de escuela y de orquesta, otros puestos del maestro

Benjamín Gutiérrez ha dedicado gran parte de su vida a la enseñanza universitaria, principalmente como profesor de composición en la Universidad de Costa Rica, donde actualmente goza del estatus de Profesor Emérito, habiéndose desempeñado, asismismo, como director de la Escuela de Artes Musicales de esta universidad. A través de los años ha dirigido orquestas, coros y óperas en Latinoamérica y Europa. Por un tiempo, fue el director asistente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, y en 1983 trabajó con Pierre Boulez en el IRCAM de París, Francia.

Su música para bandas y becas para jóvenes estudiantes

Su reputación como compositor se consolidó desde sus inicios en los años 60 y 70, pero no ha cesado de componer nuevas obras durante toda su carrera, al tiempo que ha continuado realizando conciertos como pianista y fungiendo como compositor oficial de las bandas nacionales para el Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes de Costa Rica. Arduo defensor de los jóvenes, Gutiérrez y su música han servido de eslabón para que desde 1994 se otorguen becas de estudios a músicos costarricenses para estudiar en Francia y Estados Unidos.

Resonancia de Gutiérrez allende nuestras fronteras

La música de Benjamín Gutiérrez es ampliamente reconocida internacionalmente, siendo continuamente programada e interpretada por orquestas sinfónicas, bandas sinfónicas, grupos de cámara y solistas en toda América Latina, Estados Unidos, Europa  y, más recientemente, en Japón. Gutiérrez se mantiene activo como compositor y pianista, por lo que su producción se amplía continuamente con nuevos estrenos mundiales, lo que garantiza que su legado seguirá creciendo, principalmente, porque él acostumbra declarar con gran entusiamo en las estrevistas que concede que: «No puedo dejar de componer; enseño para vivir, pero vivo para componer».

Premios

Los premios, reconocimientos y homenajes que ha recibido Benjamín Gutiérrez han sido muchos durante su carrera musical, pero entre ellos destacan los siguientes:

  • Alpha Lotta Association, 1959.
  • Juegos Florales de Guatemala, 1966.
  • Premio de Composición Aquileo Echeverría 1962, 1963, 1964, 1973, 1977, 1980 y 1985.
  • Premio Nacional de Música 1973, 1977, 1980 y 1985.
  • Premio de Música de Cámara, Teatro Nacional, 1978.
  • Declarado Músico del Siglo XX por Períodico La Nación en 1999.
  • Ganador del prestigioso Premio Magón en el año 2001.

Obras

Su producción musical es amplia y variada. Algunas de sus principales obras son:

  • Marianela,1957 (ópera basada en novela homónima de Benito Pérez Galdós).
  • Concierto para clarinete y orquesta, 1959.
  • Improvisación para orquesta de cuerdas, 1961.
  • Pavana (cuarteto u orquesta de cuerdas), 1961.
  • Absolutio Post Missam Pro Defunctis (coro, solistas y orquesta), 1964.
  • Concierto para violín y orquesta, 1964.
  • Homenaje a Juan Santamaría ,1966 (orquesta sinfónica).
  • Variaciones oncertantes para piano y orquesta, 1969.
  • Tocatina, 1973 (violín y violonchelo).

 

  1. Jonas Tamulionis (1949 | Lituania)

Obra: Hummingbirds (Colibríes)

Jonas Tamulionis nace en 1949. Cursa estudios en la Facultad de Música del Instituto Pedagógico Vilnius y se  gradúa en 1970. Luego, en 1976, se recibe en el área de composición, bajo la tutela de Eduardas Balsys, en la Aacademia Lituana de Música. Funge como secretario ejecutivo, entre 1979 y 1984 y, posteriormente, como primer secretario, entre 1984 y 1989, de la junta directiva de la Unión de Compositores de Lituania. Actualmente, es profesor de notación musical software en la Academia Lituana de Música.

Ha escrito nuevos trabajos musicales comisionados en distintos países, como: Japón, Dinamarca, España, Estados Unidos, Canadá, Sudáfrica Alemania, Finlandia, Ucrania, Noruega, Suiza, entre otros. Ha grabado sus composiciones en su país natal, así como en Alemania, Japón, Estados Unidos, España, Francia, Italia Dinamarca, Austria, Eslovenia, Australia y Suiza.

Hasta la fecha, Jonas Tamulionis ha obtenido alrededor de cuarenta premios por sus composiciones presentadas en varios certámenes internacionales: primeros lugares en el Concurso Coral, en Las Palmas, Gran Canaria, con Canciones de la tierra (1995); Oda al Atlántico y Los juegos (1997), Rosas de Hércules (2001), y Aica Maraga (2002). Asimismo, ha ganado siete premios en el Concurso Coral Stasys Simkus con obras como: Pequeña urraca, pequeño cuervo (1984), Kupolio Kupolelio (1987), Numeraciones (1990), En la orilla del mar (1992), Tres canciones folclóricas lituanas (1994), Mar (1995) y, Dos alegorías de un pájaro (1997). Igualmente, lo han galardonado en una veintena de ocasiones por obras cuyo tema son los niños.

Tamulionis es un compositor excepcionalmente prolífico, cuyo catálogo de obras, se presume, sobrepasa las trescientas composiciones. Entre estas, las que son para guitarra, acordeón y coro, y que se les ha otorgado una consideración especial. A modo de una descripción general de su línea musical, trabaja con las texturas polifónicas y las formas neoclásicas de expression que caracterizan sus preferencias estilísticas. En su música, el compositor se propone efectuar una síntesis natural de la música folclórica lituana y de las composiciones modernas o contemporáneas.

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Conociendo al director de orquesta invitado: Martynas Staškus (1969 | Lituania)

Martynas Staškus, nacido en Lituania, en 1969, es graduado de la Academia de Música Lituana, en el año 1995. En ese mismo año, fue contratado por la Ópera y Ballet del Teatro Nacional de Lituania. Entre 1997 y 1998, fue director titular de la misma institución musical (LNBOT). Desde 2004, es el director principal de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Escuela de Arte M.K.Čiurlionis* y director titular de la Orquesta Sinfónica de la Academia de Música de Lituania.

Martynas Staškus ha sido ganador de premios en muchos certámenes nacionales e internacionales de coro en ciudades como Wrozlaw, Arezzo, Tour, Miltenberg y Vilnius.

Su repertorio incluye más de cuarenta trabajos operáticos de Verdi, Puccini, Halevy, Mozart, Weber, Gounod, Gluck, Bizet etc.; así como, ballets de Theodarakis, Chaikovski, Prokofiev, Minkus, Stravinsky, etc.; además de muchos trabajos sinfónicos, de cámara y música coral.

Ha sido director titular en tres premieres mundiales: de Mindaugas Urbaitis, el ballet Acid City (Ciudad ácida); y de Bronius Kutavičius, las óperas, The Bear (El oso) e Ignis et Fides (Fuego y fe). Martynas Staškus ha dirigido en presentaciones de aclamados artistas internacionales como Violeta Urmana, Edgaras Montvidas, Badri Maisuradze, Gidon Kremer, Kshishtof Broya, Alexander Paley, Lukas Geniusas, y muchos otros. Sus socios para poner en escena diversas producciones, incluyen renombrados directores teatrales como Günter Krämer, Monika Wiesler, Detlef Soelter y Anthony Minghella, y afamados coreógrafos como Krzysztof Pastor y Boris Eifman.

Staškus ha estado al frente de orquestas en prominentes festivales, tales como, Vilnius Festival, Murten Classics Festival, y otros. Sus reconocimientos concertísticos incluyen programas  con la Orquesta Sinfónica del Estado de Lituania, Orquesta Sinfónica Nacional de Lituania, Orquesta de Cámara Lituana, Kremerata Baltica (de Gidon Kremer), Orquesta Sinfónica de la Ópera de Ankara, Orquesta de la Academia de Música de la Ópera de San Petersburgo, Orquesta del Teatro Lírico Verdi de Trieste, y otras instituciones sinfónicas y operísticas. En este 2017, añadirá a ese vasto currículo, la dirección al frente de la Orquesta Sinfónica de Heredia en el cuarto concierto de la temporada denominada Con-Tempo.

Finalmente,  Martynas Staškus ha sido director invitado en lugares como Holanda, Alemania Italia, Estonia, Francia, Dinamarca, Taiwán, Suiza, Turquía, Suecia, Noruega, Polonia, y ahora en Costa Rica, además de otros ciudades alrededor del mundo.

* Mikalojus Konstantinas Čiurlionis (1875-1911), también conocido como M. K. Čiurlionis fue un pintor y compositor lituano, que contribuyó al simbolismo y al art nouveau y fue representativo de la época del fin de siglo.

M{USICOS
Director Invitado Martinas Stashkus
Instrumento Nombre
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Mauricio Campos
Violín I Carlos Vargas
Violín I Sara Miranda
Violín l Daniela Garner
Violín I Guillermo Salas
Violín I Johan Chapellín
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Andrés Mendieta
Violín II Sandra Ramírez
Violín II Andrés Corrales
Violín II Roger León
Violín II Ana Sofía Dorante
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Luisana Padilla
Violas Mario Sequeira
Violas Amado Domínguez
Violas Maricel Méndez
Viola Camila Berg
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos Luis Andrés Véliz
Contrabajos Pedro García
V programa 2017

V programa 2017

V programa 2017

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

V Programa

29 de julio, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

30 de julio, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Javier Álvarez (compositor | México), Fernando Domínguez (clarinete | México), Rubén Simeó (trompeta | España)

Alejandro Cardona (Costa Rica | 1959)

  • Rek-Rap Selim (y otros brebajes)*

Javier Álvarez (México | 1956)

  • Vendedor de ilusiones*

Igor Stravinsky (Rusia | 1882 – 1971)

  • Concierto in D para cuerdas | Vivace – Arioso – Rondo

* estreno mundial
 

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo
V programa
Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez | Director titular y artístico

Artistas invitados: Javier Álvarez | Compositor – México

                                 Fernando Domínguez | Clarinete – México

                                 Rubén Simeó | Trompeta – España

PROGRAMA

  1. Alejandro Cardona (Costa Rica | 1959)

Rek-Rap Selim (y otros brebajes) para trompeta, cuatro percusionistas y orquesta de cuerdas. Estreno mundial.

Estudios superiores en Harvard, Portsmouth y Utrecht

Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, nacido en 1959, estudió composición con Luis Jorge González, León Kirchner, Ivan Tcherepnin y Curt Cacioppo. Se graduó en la Universidad de Harvard (EE.UU.). También, tiene una Maestría en Síntesis de Imagen y Animación por Computadora de la Universidad de Portsmouth, Inglaterra, y la Escuela Superior de Artes de Utrecht, Holanda. Radicó muchos años en México donde desarrolló investigaciones sobre música popular mesoamericana y caribeña, aparte de tocar en varias agrupaciones de música popular. Como compositor ha participado activamente en foros y festivales como el Foro de Compositores del Caribe, el Foro Internacional de Música Nueva (México), el Festival Latinoamericano de Música (Venezuela), World Music Days, El Festival Internacional Cervantino, El Festival Iberoamericano de las Artes (Puerto Rico), entre otros.

Prestigiosas orquestas han interpretado su música

Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa por conjuntos de la talla del Cuarteto Latinoamericano, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, el ONIX Ensamble, el cuarteto de guitarras Entrequatre (España), las Orquestas Sinfónicas Nacionales de Costa Rica, México y Colombia, la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, el Ensamble ALEA III de la Universidad de Boston, el Lydian String Quartet, la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (Bolivia), entre otros.

Prolífico autor de obras pedagógico-musicales

Es fundador de la Editorial Nuestra Cultura que también publica sus obras. Es autor de los libros Reinventando el oído: análisis musical, creación e identidad, De los principios musicales de la armonía tonal-funcional, y coautor de ¿Dónde está la Má Teodora? (lectura musical basada en principios rítmicos afroamericanos). Su música también es publicada por Gerb. Stark Musikverlag Leipzig GbR.

Premios y grabaciones de Alejandro Cardona

En Costa Rica es tres veces Premio Nacional “Aquileo J. Echeverría” en Música (1999, 2000, 2002), y ha recibido en varias ocasiones premios de la Asociación de Compositores y Autores Musicales (ACAM). Obtuvo una mención honorífica en el Primer Premio Iberoamericano Rodolfo Halffter de Composición (2004), y ganó el VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (2007). Grabaciones de su música han salido bajo los sellos Quindecim, Urtext, Global, Ludiqrecords, White Pine, La Calaca Producciones y Musitica.

Productor audiovisual y multimedial

También ha participado en producciones multimediales y audiovisuales. Su película Testimonios ha sido premiada en Costa Rica (mejor música original, mejor videocreación) y se ha mostrado ampliamente en festivales de América Latina y Europa. En el 2004, estrenó la película Tejidos rebeldes que ha sido mostrada en nueve países de América Latina y en la televisión en México. Ha producido y diseñado dos discos compactos para el Centro Nacional de las Artes en México.

Docencia e investigación

Desde 1986 trabaja en la Universidad Nacional de Costa Rica, en el Programa Identidad Cultural, Arte y Tecnología (ICAT), del cual fue fundador y coordinador durante ocho años, y la Escuela de Música. Fue vicedecano del Centro de Investigación, Docencia y Extensión Artística (CIDEA). Actualmente es profesor del Taller Latinoamericano de Composición Musical, un taller de especialización a nivel de maestría. Asimismo, ha sido investigador del Centro Nacional de Investigación, Información y Difusión Musical “Carlos Chávez” del Centro Nacional de las Artes en México, y conferencista en universidades de EE.UU. y Latinoamérica. Desde el 2005 ha sido coorganizador del Seminario de Composición Musical, junto con el compositor Eddie Mora, de la Universidad de Costa Rica. Hoy en día, ss miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte desde el 2005 y miembro de la ACIMUS (Asociación de Cooperación Iberoamericana en la Música).

  • Rek-Rap Selim (y otros brebajes) para trompeta, cuatro percusionistas y orquesta de cuerdas

 Evocar los estilos de Parker y Davis con sonidos caribeños

Uso del espacio con fines de generación y desarrollo temático

Rek-Rap Selim (y otros brebajes), compuesta en el 2017 especialmente para el trompetista español Rubén Simeó y la Orquesta Sinfónica de Heredia, es una obra que rinde homenaje a dos figuras del jazz que, entre muchas otras, han sido importantes para el compositor: Charlie Parker (“Bird”) y Miles Davis. La obra consiste en un solo movimiento, dividido básicamente en tres partes. Aunque no se basa en citas melódicas, algo muy común en el jazz a la hora de homenajear, sí busca evocar –dentro del lenguaje del compositor y con un sonido mucho más caribeño– ciertos aspectos de los estilos instrumentales de los mencionados jazzeros.

Respecto de Miles Davis, se toman elementos que surgen del trabajo con su llamado “segundo quinteto” (en este sentido, se rescata algo de la lógica compositiva de Wayne Shorter en piezas como Nefertiti o Sanctuary, el estilo denso de tocar la batería de Tony Williams, aquí traducido a la percusión latina, así como los bajos de Ron Carter) y el trabajo inmediatamente posterior, en particular Bitches Brew. Y, claro está, el uso de la sordina Harmon al comienzo y al final de la obra. De Parker se adapta algo de su estilo melódico, en particular su emblemático fraseo angular. Estas evocaciones se tejen con otros elementos provenientes de diversas tradiciones afrolatinoamericanas y caribeñas (el jazz –y el funk– evidencian, más que otros géneros norteamericanos, la continuidad e interrelación que se produce en torno de la influencia musical africana a través de todas las Américas).

Hay un aspecto técnico en la obra que se deriva, en parte, del jazz fusión de los años 70 del siglo XX, en mucho impulsado por Davis y por el pianista de su “segundo quinteto”, Herbie Hancock. Así, la sección de cuerdas y los percusionistas están colocados simétricamente en el escenario de tal manera que se pueden producir efectos muy evidentes en estéreo: paneos, diálogos antifonales, efectos de delay, etc. Pero más importante que los efectos como tales, es el hecho de que la sonoridad armónica surge de una serie de combinaciones de dos conjuntos pentáfonos al semitono que provienen del lado derecho e izquierdo del escenario. Esto permite crear una dinámica de interacción entre la trompeta, las percusiones y la cuerda que se expresa melódica y armónicamente en relación con ciertos estratos sonoros, rítmicos, tesiturales y texturales ubicados espacialmente, tal como se puede lograr en un estudio de grabación. En otras palabras, lo espacial se utiliza como un recurso de generación y desarrollo temático. Aquí también se siente la influencia de Bitches Brew.

  1. Javier Álvarez (México | 1956)

Vendedor de ilusiones  (2017) Clarinete, orquesta de cuerdas y percusiones.

Estreno mundial.

En torno de la figura de Javier Álvarez

“Javier Álvarez es tal vez el músico mexicano más interesante nacido en la década de los

cincuenta. Una inteligencia musical alerta, reforzada por el dominio de una pluralidad de técnicas y una perspectiva ecléctica han dado por resultado una obra multifacética y vigorosa que presenta una evolución muy original.” (Yolanda Moreno Rivas – (La Composición en México en el Siglo XX, CONACULTA, México, DF. 1994).

Formación académica y galardones de un creador ecléctico y polifacético

Nacido en 1956 en la Ciudad de México, Javier Álvarez inicia sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudia con Mario Lavista (composición) y Francisco Garduño (clarinete). En 1978, con diecisiete años de edad, obtiene su primer reconocimiento nacional, al ganar el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, convocado por la

Sociedad de Autores y Compositores de México con la obra Amor es Más Laberinto para orquesta, coro mixto y solistas, estrenada en 1979 por la Orquesta Sinfónica del Estado de México. En 1981, obtiene la Maestría en Teoría y Composición de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee, haciéndose acreedor ese mismo año al Premio Lan Adomian convocado por la UNAM con la obra Tres Ranas contra reloj, para voz soprano y trío instrumental. Con apoyo del Consejo Británico, Álvarez continúa sus estudios superiores en el Royal College of Music en Londres, donde recibe el Premio Arthur Bliss, conferido por la Sociedad de Autores y Compositores de Gran Bretaña con la obra Trireme, un concierto para corno y orquesta.

Estudios doctorales en Londres

De esos años de juventud datan los trabajos que le proyectarían a la escena internacional, notablemente la ya clásica Temazcal, obra para maracas y sonidos electroacústicos, reconocida como un referente imprescindible del repertorio mundial para percusión. Dicho aclamo propicia su ingreso en 1984 a la City University en Londres para realizar un doctorado bajo el copatrocinio de la Fundación Félix Mendelssohn, la Fundación Ralph Vaughn Williams y el London School of Economics. Esta investigación culmina en 1992 con una tesis doctoral en torno de la composición para instrumentos y las nuevas tecnologías, pesquisa que recibió los máximos honores otorgados por dicha universidad.

Distinciones, nominación a un Grammy y Medalla Bellas Artes de México

A partir de los años noventa, Álvarez se ha hecho acreedor a numerosas distinciones, incluyendo, entre otras, galardones de la Federación Internacional de Música Electroacústica (Francia), la British Broadcasting Corporation-BBC (Inglaterra) y el CONACULTA (México). Se destacan entre estos el prestigioso Prix Ars Electronica (Austria), obtenido en 1993 con la obra Mannam, para cítara y sonidos electroacústicos; la Medalla Mozart de Oro, recibida en 2000; su ingreso al Sistema Nacional de Creadores (1993, 1996, 2002 y 2012), y una nominación a los Premios Grammy en 2012. Desde 2005 es miembro Honorario de la Academia de Artes de México, y en 2013 le fue otorgado el Premio Nacional de Ciencias y Artes en reconocimiento a su trayectoria como creador y su contribución a la educación musical en México. Asimismo, en 2014, el Instituto Nacional de Bellas Artes le entregó la Medalla Bellas Artes.

Diversidad de géneros y comisiones en trabajos multimedia

Su creatividad musical ha abarcado géneros diversos a lo largo de su carrera: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1993 compuso la música para La Invención de Cronos, ópera prima del afamado cineasta mexicano Guillermo del Toro. Asimismo, en el campo de la multimedia, ha desarrollado proyectos en prestigiosos centros como el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) y el GRM (Groupe de Récherche Musicale) ambos en Francia. De entre esos proyectos se destacan Cactus Geometries, obra acusmática estrenada en 2001, Mejor morir en la Selva, estrenada en 2017, y Mantis walk in Metal Space, para steel pan solista, ensamble instrumental y electroacústica, estrenada en el 2003 por el ensamble belga Ictus, en el Centro Georges Pompidou. Más recientemente, en el ámbito de la música de concierto, Radio Francia le encargó la composición de Jardines con Palmera, para percusión y orquesta; obra creada para la Orquesta Nacional de Francia y que dicha agrupación estrenara y grabara en 2012.

Extensa y generosa carrera académica superior

A la par de su carrera artística, Álvarez presenta una larga trayectoria académica; amén de numerosas conferencias y cursos impartidos a lo largo de tres décadas en México, notoriamente en el Centro Nacional de las Artes, la Escuela Nacional de Música (UNAM), la Universidad de Puebla y la Universidad Marista en Yucatán. Ha sido profesor en el Royal College of Music y en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, catedrático en la Universidad de Hertfordshire y en la Musikhögskola en Malmo, Suecia. Por invitación del gobierno de Yucatán, regresó a México en 2004 para integrarse al diseño curricular de la naciente Escuela Superior de Artes de esa entidad, donde eventualmente fundó la Licenciatura en Artes Musicales y de la cual fue director y profesor hasta 2007. En Morelia, a su paso por el Conservatorio de las Rosas (2007-11), estuvo a cargo de la Cátedra de Composición y de su Consejo Académico. En demanda como profesor visitante, Javier Álvarez ha dictado cátedra, por mencionar algunas, en instituciones como el Conservatorio de París, City University en Londres, Universidad de Lanús en Argentina, Universidad de Costa Rica,  Universidad de Western Michigan y Houston University. En

2009 fue invitado por la Junta de Andalucía para dirigir la Cátedra Manuel de Falla en Cádiz; en 2013, visitó la Universidad de Chile, en Santiago, donde impartió un curso avanzado de composición a alumnos de posgrado, y en 2014 fue invitado distinguido de la Universidad de Houston.

Gestión cultural en diversas instituciones dentro y fuera del país

Javier Álvarez se ha desempeñado como gestor cultural en diversas capacidades, tanto en México como en el extranjero; entre otras, como presidente de Sonic Arts Network (1989-91) –la sociedad británica de música electroacústica- y como director artístico de la Sociedad para la Promoción de la Música Nueva (1995-96), ambas en Inglaterra. Desde su regreso a México, en 2004, se ha desempeñado como director artístico del Foro Internacional de Música Nueva (2008-09), miembro de la Comisión de Artes del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2008-12), director artístico del Festival de Música Contemporánea de Morelia (2007-11), miembro del Consejo Académico del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (2007-13), rector del Conservatorio de las Rosas (2007-11) y consejero artístico del Festival de Música de Morelia (2009-presente).

Cuatro décadas de logros ininterrumpidos

Con cuatro décadas de práctica profesional ininterrumpida, Javier Álvarez goza hoy de amplio reconocimiento nacional e internacional, recibiendo numerosos encargos y estrenos en los festivales y ciclos más importantes del orbe. Su extenso catálogo es ejecutado por los más distinguidos solistas, agrupaciones y orquestas de México y el extranjero, en interpretaciones que se transmiten y escuchan frecuentemente por internet, radio y televisión internacional.

  • Vendedor de ilusiones (2017)

Clarinete, orquesta de cuerdas y percusiones

Se dice que el refrán “Se juntaron el hambre con las ganas de comer”, retrata el encuentro entre una necesidad y su satisfactor. Vendedor de Ilusiones ilustra uno de esos casos. Efectivamente, este proyecto tiene su origen en el viejo anhelo de escribir una obra concertante para clarinete (mi instrumento de origen) y la larga amistad que me une con uno de sus mayores exponentes: Fernando Domínguez. Así las cosas, hace ya más de dos años, Fernando Domínguez y yo empezamos a discutir la posibilidad de llevar a cabo tal proyecto, lo que por fortuna se volvió una realidad, gracias a la intervención de Alejandro Cardona y Eddie Mora, quienes nos brindaron la oportunidad de estrenarlo con la Orquesta Sinfónica de Heredia.

Una vez manos a la obra, traté de inventar lo que para este formidable clarinetista pudiesen constituir retos musicales conmensurables por un lado, con su consabida destreza técnica y, por otro, con su extraordinaria sensibilidad expresiva.  Y si bien toda composición musical envuelve una gran cantidad de empeños y escenarios imaginarios difíciles de describir con palabras, lo que sí puedo decir es que en Vendedor de Ilusiones se plasman muchos de nuestros gustos en común: líneas melódicas ondulantes, precipitaciones armónicas, contrastes súbitos, gestos extrovertidos al interior de episodios cruzados, patrones rítmicos repetitivos y una cierta dosis de humor.

Con todo ello en mente, decidí estructurar la obra en tres piezas que reúnen y barajan algunos o varios de estos aspectos entre el clarinete solista y la orquesta; movimientos  que se intitulan, en orden consecutivo de aparición: Ilusión en tiempo presente; Metropasado, re-tornillo y requesón, y Futuro compuesto. No podría negar que los títulos hacen referencia de manera algo críptica y silvestre al espíritu lúdico que frecuentemente anima mi quehacer creativo; pero, más allá de ello, aspiro a que la música transmita – tanto a los intérpretes como a su audiencia – el afán celebratorio y espontáneo que imaginé al componerla.

Vendedor de Ilusiones fue compuesta con apoyo del Fondo Municipal para las Artes Escénicas y la Música de la ciudad de Mérida, en Yucatán, del que fui beneficiario en 2015.

JA., junio 2017

  1. Igor Stravinski  (Rusia | 1882 – 1971)

Concierto en re  para cuerdas  (Concierto de Basilea) |

Secciones: Vivace – Arioso: Andantino -Rondó: Allegro

Iracundia en el estreno de La consagración de la primavera

Igor Fiódorovich Stravinski, es un compositor ruso y director de orquesta, una de las figuras más influyentes de la música del siglo XX. Nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (actualmente Lomonosov). Hijo de un bajo de la Ópera Imperial de San Petersburgo, estudió Derecho en la Universidad de esta ciudad. Allí conoció al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, músico que le dirigió sus primeras composiciones musicales.  En 1908, el empresario ruso Sergei Diáguilev, impresionado por sus obras orquestales Scherzo fantástico (1908) y Fuegos artificiales (1910), le propuso que compusiera para sus ballets rusos, iniciando así una colaboración que duró muchos años.  Sus primeros ballets para Diáguilev, El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911), tuvieron un éxito rotundo y fueron muy admirados por su impacto dramático, su rica orquestación y sus melodías que evocaban la música tradicional rusa. Sin embargo, en el estreno de La consagración de la primavera (1913) la coreografía informal de Nijinski, las intensas disonancias y los fuertes ritmos asimétricos provocaron una reacción tan fuerte del público que ni siquiera los bailarines podían oír la orquesta. Las actuaciones posteriores tuvieron una mejor acogida por parte del público.

Stravinski en Suiza y Francia: impacto de la Guerra e influencia del jazz y el ragtime

Al año siguiente, al estallar la I Guerra Mundial, Stravinski se trasladó a Suiza. Allí, en parte debido a que las difíciles condiciones sociales y económicas no permitían la representación de proyectos mayores, compuso Historia del soldado (1918) para siete instrumentistas, tres actores y una bailarina, donde se advierte su desilusión por los años de guerra y el impacto del jazz, al igual que en Rag-time (1918) para once instrumentos y en Piano ragmusic (1919). En 1920 se trasladó a París. De esta época datan sus célebres sinfonías de instrumentos de viento (1920), la ópera cómica Mavra (1922) y el ballet-cantata La boda, notablemente influido por la música tradicional rusa e interpretada por primera vez por los ballets rusos en 1923. En esta última obra, compuesta para cuatro pianos, percusión y voz, y con influencia de las melodías tradicionales rusas, se advierte una liberación de las tensiones del diálogo que posteriormente caracterizó el resto de su obra. Durante su etapa en París, también trabajó como pianista y director para ayudar a mantener a su familia. Así empezó a componer obras que se ajustaban a su habilidad pianística, como el Concierto para piano e instrumentos de viento (1924). A comienzos de la década de 1920, se enamoró de la actriz Vera de Bosset Soudeikine, con quien contrajo matrimonio en 1940, después de la muerte de su primera mujer.

Inicio del periodo neoclásico y algunas obras

Hacia 1923, empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por su interés en el estilo de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad que en parte era una reacción contra el emocionalismo de finales del Romanticismo. Este ideal se refleja, posteriormente, en su Autobiografía (1935), donde escribió: «La música no tiene, por naturaleza… poder para expresar nada», y opinaba que los intérpretes debían seguir las intenciones del compositor sin complementarlo con sus propias ideas-posición estética con un fuerte impacto en la música moderna. Algunas obras de este periodo son la ópera-oratorio Edipo rey (1927) con un texto en latín, versión de J. Danielou de un texto de Jean Cocteau inspirado en Sófocles, y el melodrama Perséfone (1934), para recitantes, cantantes y orquesta, con texto de André Gide, inspirado en el mito griego, así como el ballet Apolo Musageta (1928, titulado posteriormente Apolo), entre otras obras escritas para el coreógrafo ruso George Balanchine.

Regreso a la iglesia ortodoxa rusa y su labor en Estados Unidos

A mediados de la década de 1920, Stravinski atravesó una época de crisis espiritual y, en 1926, se convirtió a la religión ortodoxa rusa (que había abandonado a los 18 años). Poco después, en 1930, compuso la Sinfonía de los salmos, para coro y orquesta. En 1939, Stravinski dejó Europa para trasladarse a Hollywood, California (Estados Unidos). Allí se mantuvo gracias a diversos encargos como Circus Polka (1942), obra compuesta para ser bailada por elefantes de circo; Danzas concertantes para orquesta (1942), y Escenas de ballet (1944) para una revista de Broadway. Asimismo, escribió la Sinfonía en tres movimientos (1945), Misa (1948) y la ópera de gran éxito El progreso del libertino (1951, con libreto de W. H. Auden y Chester Kallman), obra que puede ser calificada como la culminación de su periodo neoclásico.

Serialismo a la manera de Stravisnki

En 1948, Stravinski entabló amistad con el joven director estadounidense Robert Craft, quien pasó a ser su asistente musical. Craft le animó a escuchar la música de los serialistas, que trataban la melodía atonal como una serie de tonos sin relaciones armónicas o melódicas, cuyas técnicas se basan en el sistema dodecafónico del compositor vienés Arnold Schönberg. Aunque Stravinski había rechazado anteriormente las teorías de Schönberg, se interesó por la música de su discípulo, el compositor austriaco Anton Webern.  Poco a poco, Stravinsky empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales) en composiciones como la cantata Threni (1958), Movimientos para piano y orquesta (1959) y su última gran composición, Requiem canticles (1966).

Capacidad de evolución haciendo suyas las nuevas técnicas

Sepultura cerca de la tumba de su amigo Diáguilev

En 1967 con 80 años y con una salud débil, dirigió su última grabación. Falleció el 6 de abril de 1971 en Nueva York, y fue sepultado en Venecia, cerca de la tumba de Diáguilev. Durante su vida, Stravinski utilizó muchos estilos de música; un estilo fecundo con influencias de la música tradicional rusa, el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Según sus palabras, seguir un solo camino era retroceder. Las obras de Stranvinski por su originalidad, fuerza y racionalidad reflejaron y, a la vez, influyeron las corrientes más importantes de la música del siglo XX.

  • Creación de la obra en tierras hollywoodenses

Concierto en re para cuerdas, conocido como Basilea

Concierto en re para cuerdas, fue escrito por Igor Stravinski, durante su autoexilio en la meca del cine, Hollywood, un año después de finalizada la Segunda Guerra Mundial, por encargo del promotor musical y compositor Paul Sacher, fundador y director de la Orquesta de Cámara de Basilea.

El especialista Juan Arturo Brennan, considera que, no obstante las críticas de su tiempo, la obra contiene “todos los gestos típicos de su período neoclásico, siendo su brevedad y concisión uno de los más notables”. El Concierto en re para cuerdas, de Stravinski, se estrenó en Basilea, Suiza, el 27 de enero de 1947 por la Orquesta de Cámara de esa ciudad. En algunas fuentes es posible encontrar que este concierto está designado como el Concierto de Basilea. Unos años después de su creación, la obra, como otras de Stravinski, fue convertida en ballet. En 1951 fue estrenado como tal por el New York City Ballet bajo el título de La jaula, con coreografía de Jerome Robbins.

Algunos detalles e historia

Escrito para orquesta de cuerdas, Basilea fue el primer trabajo de Stravinski desde Apolo Musageta (1927-1928). La obra es aproximadamente de la misma duración y de la misma forma que el concierto Dumbarton Oaks (1937-1938) y el Concierto ébano (1945), el cual precede a la composición del Concierto en re de marras. Todas las  tres obras tienen tres movimientos en el orden lento-rápido-lento, típico del concerto grosso barroco; además, en los tres trabajos figura el contraste de concenrtino y ripieno, también, factor característico (dialógico) del concerto grosso barroco.

Los movimientos son: Vivace – Arioso: Andantino – Rondó: Allegro. El inicial Vivace en forma sonata, ofrece un matiz áspero; es decir, la sección externa funciona a modo de exposición, cuyos temas se repiten, aproximadamente, en el mismo orden en el movimiento; pero, la sección central es un lento tiempo Moderato. En el movimiento central Arioso: Andantino, aparece un Stravinski poco extenso, lírico y melodioso en los violines, interrumpidos dos veces por perfectas cadencias en imaginativas tonalidades. El cierre, Rondó: Allegro es más largo que los dos primeros movimientos juntos, lo cual es típico en el Stravisnki de ritmos punzantes de mediados de la década de los 40.

Finalmente, cabe señalar, que el Concierto re para cuerdas, es uno de los últimos trabajos tonales de Igor Stravinski. Solamente Orfeo (1947), la Misa (1944-1947) y El progreso del libertino (1948-1951), le siguieron a este concierto llamado Basilea.

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 SOLISTAS INVITADOS

Fernando Domínguez | clarinetista

En México, primer exponente del repertorio contemporáneo para clarinete

Fernando Domínguez es, actualmente, el principal exponente del repertorio contemporáneo para clarinete en México. Su interés por este género lo ha llevado a colaborar de manera muy cercana con la mayor parte de los compositores mexicanos, quienes le han dedicado obras, tal es el caso de Ignacio Baca-Lobera, Eugenio Toussaint, Juan Trigos, Carlos Sánchez Gutiérrez, Hébert Vázquez, etc. En su repertorio, incluye obras de Franco Donatoni, Brian Ferneyhough, Helmut Lachenmann, Pierre Boulez, Isang Yun, Eliott Carter, entre otros.

Asiduo participante en festivales, foros y ciclos de música contemporánea

Se presenta regularmente en los ciclos dedicados a la música contemporánea, tales como, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Ciclo de Música Contemporánea del Festival Internacional Cervantino, Festival Radar, etc. También, se ha presentado en el Festival de Música Contemporánea de La Habana, en el ciclo “Encuentro con México” en Bogotá, así como, en Estados Unidos, Canadá y China. Asimismo, es clarinetista de los grupos de cámara más reconocidos en el medio musical: Duplum, Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y ÓNIX Ensamble. Con estos grupos ha grabado nueve discos compactos para los sellos URTEXT y Quendicim, dedicados en su totalidad a la música del siglo XX.

Solista con prestigiosas orquestas

Como solista, ha actuado con la Orquesta Sinfónica Vida y Movimiento, Orquesta de Cámara de la Escuela Nacional Preparatoria, Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM), Orquesta Sinfónica de Yucatán. Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta Sinfónica de Oaxaca  y Orquesta Juvenil del Estado de México.

Estudios superiores en Alemania, Austria, Holanda y México

En los años 2002 y 2004 participó en el curso de música contemporánea en Darmstadt, Alemania (Ferienkurse für neue musik Darmstadt), y ha sido becario del FONCA en las modalidades de estudios en el extranjero y ejecutantes. Ha sido miembro del jurado de la comisión dictaminadora de los Apoyos para estudios en el extranjero del FONCA. Es egresado del Conservatorio Estatal de Viena, donde fue alumno de Roger Salander. Posteriormente, realizó una especialización en clarinete bajo y música contemporánea con Harry Sparnaay en el Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam, Holanda. En 2011, obtuvo la licenciatura otorgada por la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Promoción del instrumento y de la escritura musical entre la juventud

Del año 1999 al 2004, fue maestro del taller de clarinete del Colegio Cedros (Universidad Panamericana), dirigido a niños y adolescentes. A partir del año 2000, se ha desempeñado como maestro de clarinete en los niveles Propedéutico y Licenciatura de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Desde el año 2005 es maestro de Música de Cámara de la  Escuela de Música Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli. Además, realiza de manera habitual, cursos y diplomados dirigidos a estudiantes de composición sobre la técnica y escritura contemporánea para clarinete en las escuelas profesionales del país. Es artista Vandoren Paris. Fernando Domínguez, hoy en día, es artista integrante de Ónix Ensamble, agrupación que recibe el apoyo del programa México en Escena, otorgado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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RUBÉN SIMEÓ | TROMPETISTA

Precocidad excepcional en la trompeta

Rubén Simeó nace en Vigo, Galicia, España, en el año 1992. Comienza sus estudios musicales en el conservatorio de esa ciudad con su padre, J. V. Simeó, demostrando, desde muy temprana edad, unas facultades excepcionales en la trompeta, realizando conciertos en grandes auditorios y programas de televisión, con gran éxito de público y crítica musical, que elogian su madurez técnica e interpretativa a tan corta edad.  Desde los 8 años, obtiene grandes premios en los mejores concursos nacionales e internacionales, como Yamaha, en Madrid, Ciudad de Vigo, Porcia (Italia), Benidorm, Maurice André (Paris), Bruselas, Selmer (Francia), P. Jones (Gebwiller, Francia), entre otros, siendo siempre el concursante más joven de todas sus ediciones en conseguirlo.

Precoz maestría ante las cámaras de televisión

Desde muy temprana edad, participa continuamente en programas radiofónicos y televisivos, como los de TVE, Antena 3, Canal 9, T. V. Galega, TV. Francesa, Cuatro, Radio Clásica, T. V. Tokio, Radio France, L.P.T.V. Con doce años de edad, actúa como solista con la Orquesta Sinfónica de la R.T.V.E. en el Auditorio Nacional de Madrid y en Zaragoza, dirigido por Adrián Leapper, y retransmitido en el concierto de Navidad para todo el mundo por Televisión Española Internacional. También participa en varias ocasiones en los programas «El Conciertazo» y «Pizicatto». Desde entonces, participa asiduamente en distintos programas televisivos y radiofónicos, de RTVE, Antena 3, Canal 9, LPTV, Radio France, Radio Portugal. A esa misma edad, realiza su primera grabación «Ensueño», la cual presentó con una amplia gira de conciertos por España y Portugal.

Pedagogo dentro y fuera del país

Participaciones con grandes orquestas y bandas alrededor del mundo

Asimismo, realiza cursos y clases magistrales como pedagogo por distintos países, como Estonia, Portugal, España, Francia, Japón. Actúa regularmente con grandes orquestas y agrupaciones sinfónicas, como: Orquesta de Múnich, R.T.V.E., Valencia, Viana do Castelo (Portugal), Sinfónica de San Cristobal (Venezuela), Guarda Republicaine (Paris), Sinfónica León, Orquesta P. Mallorca, Sinfónica Alicante, Filarmónica Cannes, Filarmónica Niza, Filarmónica Nantes, Orquesta Metropolitana Lisboa, E. Romagne (Italia), Torrente, Siena Wind Tokio, Sinfónica Kanazawa (Japón), Sinfónica de Paris, Sinfónica de Sttugart, Sinfónica de Galicia; así como, con las bandas sinfónicas municipales de Valencia, Alicante, Ciudad Real, U.M. Lliria, G. Republic. Francesa, Pensilvania (clausura concurso internacional I.T.G.), Banda Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Orquesta Nantes y Portugal.

Impulso y reconocimiento del maestro Maurice André

En julio de 2005, con 13 años, actúa, invitado por Maurice André en la Semana Internacional de la Trompeta, celebrada en Burdeos (Francia), con gran éxito de crítica y público. En 2008, actúa en Lille, junto con Maurice André y Michel Becquet. Precisamente, André ha resaltado de Rubén sus condiciones técnicas excepcionales, sorprendentes a tan temprana edad.

Grabaciones, premio y actual desempeño como solista

Ha grabado varios discos editados por todo el mundo, con Siena Wind Tokio, Orq. Sinfónica Kanazawa (Japón), varias bandas sinfónicas, orquestas de cámara, acompañado por piano y órgano barroco. Del mismo modo, tiene programada la grabación del Concerto Ibérique de V. Cosma, junto a la Garde Republicaine de Paris. En 2008, recibió en Stuttgart (Alemania), el Premio Europeo para la Cultura, como reconocimiento a su brillante carrera concertística. Actualmente, es concertista de trompeta, así como solista del Holencours Soloist Chamber Orchestra. Desde el fallecimiento del maestro Maurice André, Rubén continúa estudiando bajo la tutela de Vicente Campos, en el Conservatorio Superior de Castellón.

MÚSICOS
Instrumento Nombre
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Mauricio Campos
Violín I Carlos Vargas
Violín I Sara Miranda
Violín l Daniela Garner
Violín I Johan Chapellín
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Andrés Mendieta
Violín II Sandra Ramírez
Violín II Andrés Corrales
Violín II Roger León
Violín I Guillermo Salas
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Mario Sequeira
Violas Amado Domínguez
Violas Maricel Méndez
Violas Camila Berg
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos Luis Andrés Véliz
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Pedro García
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Percusión
Solistas
Trompeta Rubén Simeó
Clarinete Fernando Domínguez
Compositor Javier Álvarez
VI Programa 2017

VI Programa 2017

VI programa 2017

Orquesta Sinfónica de Heredia
TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO
VI Programa

16 de diciembre, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia
17 de diciembre, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Einojuhani Rautavaara (Finlandia | 1928 – 2016)

  • Cantus Arcticus. Concierto para pájaros y orquesta

Sergéi Prokófiev  (Rusia | 1891 – 1953)

  • Overtura sobre temas hebreos para orquesta

Eddie Mora (Costa Rica | 1965)

  • Ofrenda

José María Chaverri Trigueros, Juan Carlos Rojas Ramírez, Luis Fernando Rodríguez Zumbado (Costa Rica)

  • Tres Valses Heredianos (Arreglo: Valdislav Soifer)
vacio
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

VI programa

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Fecha: sábado 16 de diciembre

Hora:   8:00 p.m.

Lugar: Parroquia Inmaculada Concepción, Heredia

Fecha: domingo 17 de diciembre

Hora:   11:00 a.m.

Lugar: Teatro Eugene O’Neill (TEO)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

Einojuhani Rautavaara (Finlandia | 1928 – 2016)

Cantus Arcticus. Concierto para pájaros y orquesta

Después de Jean Sibelius el más importante

Einojuhani Rautavaara  es un compositor finlandés de música contemporánea, y uno de los más importantes de su país después de Jean Sibelius, nacido en Helsinki, el 9 de octubre de 1928, y fallecido en la misma ciudad, el 27 de julio de 2016.

Estudió en la Academia Sibelius de Helsinki con Aarre Merikanto desde 1948 hasta 1952, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para conseguir una beca para estudiar en la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Vincent Persichetti, así como de Roger Sessions y Aaron Copland en Tanglewood. Destacó por primera vez en el plano internacional cuando ganó el Thor Johnson Contest por su composición Un Réquiem en nuestro tiempo en 1954.

Rautavaara fue profesor no numerario en la Academia Sibelius desde 1957 hasta 1959, archivero de música de la Orquesta Filarmónica de Helsinki desde 1959 hasta 1961, rector del Instituto de Música Käpylä en Helsinki desde 1965 hasta 1966, profesor numerario en la Academia Sibelius desde 1966 hasta 1976, profesor artístico (nombrado por el Consejo de las Artes de Finlandia) desde 1971 hasta 1976, y profesor de composición en la Academia Sibelius desde 1976 hasta 1990.

Sufrió una disección aórtica en enero de 2004 por la cual pasó casi medio año en cuidados intensivos, pero se recuperó y logró continuar con su trabajo. Murió en Helsinki el 27 de julio de 2016 debido a complicaciones después de una cirugía.

Estilo no tan serial, más bien, inclinado hacia lo místico

Rautavaara fue un compositor prolífico y ha escrito en una gran variedad de formas y estilos. Gran parte de su obra es bastante accesible y se ha probado que es ciertamente popular. Experimentó con técnicas seriales al comienzo de su carrera, pero las dejó atrás en la década de 1960 e, incluso, sus trabajos seriales no son claramente seriales. Su Sinfonía n.° 3, por ejemplo, usa esas técnicas, pero suena más como a Anton Bruckner que como a compositores seriales tradicionales como Pierre Boulez. Sus últimos trabajos a menudo tienen algún elemento místico (por ejemplo, varias obras con títulos haciendo referencia a ángeles). Un sonido característico de Rautavaara podría ser un tema rapsódico de belleza austera, interpretado por las cuerdas con sonidos reiterados de una flauta, suaves campanas disonantes y, quizás, la sugestión de un corno pastoral.

Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, varios conciertos, trabajos corales (varios sin acompañamiento instrumental, incluyendo Vigilia, sonatas para varios instrumentos, cuartetos de cuerda y otra música de cámara; además de varias óperas biográficas, incluyendo Vincent (basada en la vida de Vincent Van Gogh), Aleksis Kivi y Rasputin. Algunos trabajos tienen partes para cinta magnetofónica, incluyendo Cantus Arcticus (1972), también conocido como Concierto para pájaros y orquesta) y Unicornio verdadero y falso (1971), segunda versión de 1974, revisada en 2001-02), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta.

Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo Libro de visiones (2003-2005), Trilogía Manhattan (2003-2005) y Antes de los Iconos (2005) que es una versión ampliada de su anterior composición pianística Iconos. En 2005, acabó un trabajo para violín y piano llamado Paisajes perdidos, encargado por la violinista Midori Goto.

Se han grabado muchas de las obras de Rautavaara, siendo un éxito popular y de crítica. Una interpretación de su séptima sinfonía, Ángel de la Luz (1995), por la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por Leif Segerstam con el sello discográfico Ondine, fue nominada para varios premios, incluyendo un Grammy. Casi todas las obras de Rautavaara han sido grabadas por Ondine. Algunos de sus trabajos principales también se han grabado por el sello Naxos.

Composiciones de Einojuhani Rautavaara

Óperas: Thomas (1982–1985) / Vincent (1986–1987) / La casa del Sol (Auringon talo), ópera de cámara (1989–1990) / El regalo de los Reyes Magos (Tietäjien lahja), ópera de cámara (1993–1994) / Aleksis Kivi (1995–1996) / Rasputín (2001–2003).

Sinfonías: Sinfonía n.º 1 (1956/1988/2003) / Sinfonía n.º 2: Sinfonía íntima (1957/1984) / Sinfonía n.º 3 (1961) / Sinfonía n.º 4Arabescata (1962) / Sinfonía n.º 5 (1985-1986) / Sinfonía n.º6Vincentiana (1992) / Sinfonía n.º 7: Ángel de la Luz (1994) / Sinfonía n.º 8El viaje (1999).

Conciertos: Concierto para violonchelo (1968) / Concierto para piano n.º 1 (1969) / Concierto para piano n.º 2 (1989) / Concierto para piano n.º 3: Don de los sueños (1998) / Concierto para flauta: Danzas con los vientos (1973) / Concierto para órganoAnunciaciones (1976–1977) / Concierto para violín (1976–1977) / Concierto para contrabajoÁngel del crepúsculo (1980) / Concierto para arpa (2000) / Concierto para clarinete (2001) / Concierto para percusión «Incantations» (2008) / Concierto para violonchelo n.º 2 (2009).

Otras obras orquestales: Anadyomene: Adoración de Afrodita (1968) / Cantus Arcticus (1972) / Ángeles y visitaciones (1978) /Isla de la dicha (Lintukoto) (1995) / Jardines otoñales (1999) / Jardín de espacios (Conjunto regular de elementos en una situación semirregular) (1971; orq. 2003) / Libro de visiones (2003–2005) / Trilogía Manhattan (2003–2005) / Antes de los iconos (2005) / Un tapiz de vida (2007).

Coro: Ludus verbalis, motete para coro declamatorio (1960) / Praktisch Deutsch, motete para coro declamatorio (1969) / Concierto para soprano, coro y orquesta: Hija del mar (Meren tytär) (1971) / Unicornio verdadero y falsocantata (1971/2000) / Vigilia nocturna (Vigilia), para coro y solistas (1971–1972/1996) / Libro de vida (Elämän kirja), suite coral (1972) / Credo para coro (1972) /Misa de niños (Lapsimessu), para coro de niños y orquesta (1973) / Suite Lorca para coro de niños o mixto (1973) / La novia (Morsian), canción coral (1975) / La partida (Lähtö), canción coral (1975) / Noche de verano (Sommarnatten), canción coral (1975) / Magnificat, misa coral (1979) / Nirvana Dharma para coro, soprano y flauta (1979) / La catedral (Katedralen), para coro y solistas (1982) / Canción de nuestro tiempo, suite coral (1993) / Die erste Elegie, canción coral (1993) / Con alegría vamos a bailar (Och glädjen den dansar), canción coral (1993) / En la última fronterafantasía para coro y orquesta (1997) / En la sombra del sauce (Halavan himmeän alla), canción coral (1998) / Balada para coro y orquesta (2015).

Banda: Un réquiem en nuestro tiempo (1953) / Una misa militar (Sotilasmessu) (1968).

Orquesta de cuerda: Los violinistas (Pelimannit) (1952/1972) / Suite para cuerdas (1952) / Divertimento (1953) / Un epitafio para Bela Bartok (1955/1986) / Canto I (1960) / Canto II (1961) / Canto III (1972) / Canto IV (1992) / Balada para arpa y cuerdas (1973/1981) / Homenaje a Zoltan Kodaly (1982) / Homenaje a Ferenc Liszt (1989) / Un mito finlandés / Ostrobothnian Polska.

Música de cámara / Instrumentos solos: Cuarteto de cuerda n.º 1 (1952) / Cuarteto de cuerda n.º 2 (1958) /Cuarteto de cuerda n.º 3 (1965) / Cuarteto de cuerda n.º 4 (1975) / Octeto para instrumentos de viento (1962) / Sonata para clarinete y piano (1969) / Sonata para violonchelo n.º 1 (1972–1973/2001) / Sonata para violonchelo n.º 2 (1991) / Balada para arpa y cuerdas (1973/1981) / Sonata para flautas y guitarra (1975) / Serenatas del unicornio para guitarra (1977) / Monólogos del unicornio para guitarra (1980) / Quinteto de cuerdaCielos desconocidos (1997) / Hymnus para trompeta y órgano (1998) / Paisajes perdidos para violín y piano (2005).

Voz sola: Tres sonetos de Shakespeare (1951/2005) / Fiestas sagradas (Pyhiä päiviä) (1953) / Cinco sonetos a Orfeo (1955–56/1960) / Die Liebenden (1958–1959/1964) / El camino de Dios (Guds väg) (1964/2003) / El viaje (Matka) (1977) / Mundo ideal (Maailman uneen) (1972–1982) / En mi jardín de los enamorados (I min älsklings trädgård) (1983–87)

Piano solo: Fiddlers (Pelimannit), Op. 1 (1952) / Iconos, Op. 6 (1955) / Preludios, Op. 7 (1956) / Partita, Op. 34 (1956–8) / Estudios, Op. 42 (1969) / Sonata para piano n.º 1: Christus und die Fischer, Op. 50 (1969) / Sonata para piano n.º 2The Fire Sermon, Op. 64 (1970) / Narcissus (2002).

En torno del Canto del Ártico

Cantus Arcticus, opus 61, es una composición orquestal del compositor finlandés Einojuhani Rautavaara, escrita en 1972. Es una de sus obras más reconocidas a nivel mundial.

Subtitulada Concierto para pájaros y orquesta, incorpora grabaciones en cinta magnetofónica  de cantos de pájaros grabados cerca del Círculo Polar Ártico y en los pantanos de Liminkaen, al norte de Finlandia.

La obra consta de tres movimientos

  • El primer movimiento, El pantano,comienza con un dueto de flautas, tras el que se unen los otros instrumentos de viento-madera, seguido por los sonidos de los pájaros.
  • El segundo movimiento, Melancolía, representa una grabación ralentizada del canto de la alondra cornuda.
  • El movimiento final, Cisnes migrando, toma la forma de un largo crescendo para orquesta, con los sonidos de cisnes cantores, antes de que tanto el canto de las aves como la orquesta se desvanezca como si se perdiera en la distancia.

Cantus Arcticus fue encargada por la Universidad de Oulu para la celebración de su primera ceremonia de doctorado. 

EINOJUHANI RAUTAVAARA: MUCHO MÁS QUE EL CANTUS ARCTICUS

El sitio web https://www.plateamagazine.com/, tras la muerte del compositor, publica:

Puede haber cierta tendencia a considerar al recientemente fallecido Einojuhani Rautavaara (1928-2016) como compositor de una única obra: su obra para orquesta Cantus Arcticus, creada en 1972 a instancias de la Universidad de Oulu para la fiesta de graduación en primera forma de cantata y que adquirió, finalmente, forma de Concierto para pájaros, lo que no deja de ser una genialidad.

Rautavaara no puso demasiada ilusión en tal encargo, pensando que su obra sería flor de un día; sin embargo, y tras arrinconar la primera intención ya apuntada de componer una cantata al uso para coro y orquesta, observó el espacio inabarcable que se le abría ante sus ojos. Oulu, al norte de Finlandia, es la puerta al Círculo Polar Ártico y Rautavaara no tuvo sino aceptar lo que la misma naturaleza le daba. Y buscando instrumentos para completar la obra, ¿qué más que aceptar como tales los que con su canto natural son, por su sencillez, perfectos?

Rautavaara ha fallecido y los mass media musicales se han referido al compositor como el que nos aportó Cantus Arcticus, dejando de lado una obra prolija que incluye ocho sinfonías (compuestas entre 1956 y 2003), conciertos para distintos instrumentos solistas, que incluyen tanto habituales como piano o violín a los más infrecuentes como contrabajo o percusión; compuso, asimismo, numerosas obras sinfónico-corales, orquestales, cuatro cuartetos de cuerda, trabajos para agrupaciones de metales, otras obras de cámara, para piano, trabajos para masas corales, media docena de ciclos de canciones y ocho óperas, estas últimas compuestas entre 1958 (La mina) y  2003 (Rasputín).

Así pues, la aportación de Einojuhani Rautavaara a la música clásica europea es mucho mayor que un éxito de ventas como Cantus Arcticus. Rautavaara pasa por ser uno de los nombres más significativos de la música europea tras la II Guerra Mundial, y se convierte en abanderado de una escuela tan prolija en nombres importantes como lo es la finlandesa a la que han pertenecido, además del protagonista de la reseña, algunos compositores anteriores como Leevi Madetoja, Oskar Merikanto y su hijo Aarre, y otros contemporáneos del fallecido como Aullis Sallinen o Joonas Kokkonen, además de quienes pueden considerarse legítimos herederos, sobresaliendo en este caso la figura de Kaija Saariaho. Y todos, siempre, mirando el faro de Jean Sibelius.

Revisar la obra de Rautavaara merece la pena. En esta labor cumple papel fundamental el hecho de que la casa discográfica finesa Ondine, y otras, tuvieran a bien grabar la mayoría de sus trabajos, dando una vez más ejemplo de lo que hay que hacer desde un país demográficamente tan pequeño y que, sin embargo, acaba siendo envidia y ejemplo musical en todo el continente.

Haciendo el esfuerzo por conocer la obra de Rauvaara descubriremos, por ejemplo, obras tan peculiares como sus óperas, ignoradas por la miopía de la mayoría de los teatros europeos, y así se nos harán familiares esas obras de carácter biográfico tan habituales en el compositor finés, como son Vincent (inspirada en la figura de Vincent van Gogh), Aleksis Kivi (dedicada a glosar la figura de la gloria literaria finesa) o Rasputín, basada en distintos episodios de la vida del enigmático asistente de la corte Romanov, y que fue compuesta a mayor gloria de la voz de Matti Salminen.

Sergéi Prokófiev  (Rusia | 1891 – 1953)

Obertura sobre temas hebreos para orquesta

Baluarte de la música académica del siglo XX

Sergéi Sergéievich Prokofiev es un compositor ruso, una de las principales figuras de la música culta del siglo XX. Nació el 23 de abril de 1891 en Sontzovka, cerca de Yekaterinoslav (actual Dnipropetrovsk, Ucrania). Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con los compositores rusos Reinhold Glière, Nikolái Rimski-Kórsakov y Anatoli Liadov. De 1918 a 1933, vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus cinco conciertos para piano y sus cinco primeras sonatas para ese instrumento. En 1934 regresó a su país natal. Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite para orquesta (1914), le valieron fama de músico iconoclasta.

Pedro y el lobo, Romeo y Julieta y Sinfonía n.° 5, entre sus más brillantes obras

Durante los años en que vivió fuera de su país, compuso para el empresario de ballet ruso Sergei Diaguilev los ballets Chout (1915) y El paso de acero (1926), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula de Carlo Gozzi, y El ángel de fuego (1919, esc. 1955), aunque su obra más destacada es la Sinfonía clásica (1918), obra concisa e irreverente con armonías modernas y ritmos tradicionales del siglo XVIII que preconizaba el estilo neoclásico que dominaría gran parte del siglo XX. En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera. A su vuelta a Rusia en 1936, Prokófiev siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo (1934) para narrador y orquesta, el ballet Romeo y Julieta (1936, esc. 1940), la ópera Guerra y paz (1946, rev. 1952), la enérgica Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kijé (1933) y la cantata Alejandro Nevski (1938, para la película del director soviético Serguéi Eisenstein).

Aunque hasta ese momento había gozado del favor del gobierno, en 1948 fue censurado por utilizar un «excesivo formalismo» y armonías cacofónicas. Prometió componer con mayor lirismo, pero su ópera Cuento de un hombre auténtico (1948) fue de nuevo censurada. Su Sinfonía n.º 7 (1952, premio Stalin) le devolvió el favor del gobierno. Sergéi Prokófiev falleció el 5 de marzo de 1953 en Moscú (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950, escenificado en 1954).

Películas musicalizadas por Sergéi Prokófiev

Bandas sonoras

1934 – Poruchik Kizhe
Director: Aleksandr Fajntsimmer

 

 

 

1938 – Alexander Nevski
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

1944 – Iván El Terrible
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

Obertura sobre temas hebreos, opus 34

Sergéi Prokófiev escribió la Obertura sobre temas hebreos en 1919, durante un viaje que realizó a los Estados Unidos. Está escrita para la instrumentación de clarinete, piano y cuarteto de cuerdas.

El compositor ruso llegó a Nueva York en septiembre de 1918. En general, sus años en Estados Unidos no fueron tan satisfactorios como esperaba:

«El público de aquí no está habituado a escuchar las obras de un solo compositor durante toda la velada. Quiere un programa variado como una muestra de piezas populares. Rachmaninov ha aceptado este compromiso. No puedo ni soñar con el arrollador éxito que tiene en sus conciertos», manifestó alguna vez Prokófiev.

A pesar de ello, pudo procurarse apariciones frecuentes en las salas de concierto estadounidenses. Aunque Rachmaninov era el más prominente de los pianistas rusos en Estados Unidos, Prokófiev dio varios conciertos esa temporada de sus propias obras y levantó su imagen como pianista.

A principios de 1919, recibió un encargo del grupo judío, Simro (Zimro), que emigró de la Unión Soviética. Los miembros tocaban los mismos instrumentos que los que se emplean en esta obra, dicho sea de paso. Le dieron a Prokófiev una libreta con canciones populares judías y él la completó muy rápido. Obertura sobre temas hebreos fue estrenada en Nueva York en 1920, con el mismo compositor al piano. Esta obra fue más tarde orquestada en 1924 como opus 34b, aunque la versión orquestada no se interpreta tan a menudo.

Forma de obertura convencional

Su estructura sigue la forma de una obertura convencional. Está escrita en la tonalidad de do menor. El clarinete y el violonchelo destacan en la pieza, al introducir el primer y segundo tema, respectivamente. Sin embargo, todos los instrumentos están equilibrados y cada uno toca ambos temas, casi siempre en imitación. La parte de piano, de manera curiosa, no es muy difícil en comparación con muchas de las virtuosísticas obras para piano.

La música popular judía tiene una cualidad paradójicamente feliz y casi trágica a la vez que festiva, que bastantes autores, entre ellos Shostakóvich, encontraron con mucha fuerza. El primer tema, un poco allegro, tiene un ritmo saltarín y festivo, dándole un aire agitanado. También tiene un característico empleo de los intervalos de semitono, recurrentes durante toda la obra. El segundo tema, piu mosso, es un bonito tema en cantabile, muy adecuado al registro agudo del chelo, que posteriormente es tratado por imitación por el resto de instrumentos.

Eddie Mora (Costa Rica|1965)

Ofrenda (2017)

A la Escuela de Artes Musicales | Universidad de Costa Rica

Prestigio reconocido en toda Latinoamérica y más allá

Compositor, director de orquesta, violinista y docente. Uno de los músicos más activos y relevantes de Latinoamérica. Eddie Mora Bermúdez nace el 23 de febrero 1965, en San José, Costa Rica. Inicia sus estudios musicales en el Conservatorio de Castella, graduándose en la especialidad de violín; después, ingresa en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, de donde años más tarde parte hacia Moscú, en los tiempos de la antigua Unión Soviética, para cursar estudios de posgrado en el Conservatorio Chaikovski.

Huellas innovadoras en la OSH y OSN

Actualmente, director artístico de la Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), con la cual ha grabado varios discos compactos: Ecos del silencio (2017), Fuego (2016), Abstracto (2016), Voces (2015), Heredia (2014), Tiempos (2013), Rompiendo moldes (2012), Retratos (2012), Caminos (2011).

Asimismo, funge como director residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en el período  2014 – 2015. Con esta agrupación grabó Música de compositores costarricenses – Vol. I  y Vol. II – producciones nominadas a los Grammy Latino 2014 y 2016 como mejor álbum de música clásica. Suma también el álbum doble Benjamín Gutiérrez, su música.

Otras improntas: IIARTE, Seminario de Composición y Decanato de BA

Premios y actividades académicas

Miembro de Número del Colegio de Compositores de Música de Arte, fundador del Instituto de Investigaciones en Arte (IIARTE) en la Facultad de Bellas Artes y del Seminario de Composición Musical (SCM) en la Escuela de Artes Musicales, en donde ejerce la docencia. Se desempeñó como Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica (2007 – 2015).

Como compositor ha sido reconocido en varias ocasiones con el Premio Nacional en Composición Aquileo J. Echeverría, Premio ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) de Costa Rica y Premio Musical Áncora (La Nación).

Mora ha participado en diferentes festivales de música contemporánea, entre ellos el V Festival Leo Brouwer, el Otoño Moscovita en Rusia, el Festival de la Habana, el I Taller Latinoamericano de Composición (UNEAC – Casa de las Américas / Cuba), invitado especial del XXXI Foro de Música Nueva – Manuel Enríquez en México, el CDMC en Madrid, el Festival Latinoamericano de Música en Venezuela, I Congreso Puertorriqueño de Creación Musical, en la Fiesta Iberoamericana de las Artes (Puerto Rico) y en el V Festival de Música Contemporánea de Morelia.

Sus grabaciones en España, Cuba, Rusia, Inglaterra y Costa Rica

Parte de su obra ha sido publicada por la Editorial Periferia (Barcelona – España), la Revista Casa de las Américas (Cuba) y la Editorial de la Universidad de Costa Rica. Varios discos compactos compilan parte de su catálogo, en donde se registran algunas de sus obras más tempranas hasta las escritas recientemente. Ellos son: Plegaria (2016), Desde la tierra que habito (2015), Bosque adentro (2014), Mujeres (2012), Cuartetos de cuerda (2012), Premieres (2010), Música de cámara (2009), Música incidental (2008), Música para cuerdas (2007), Música de Eddie Mora (2001), Diálogos (1998), así como un DVD con la producción interdisciplinaria Amighetti, en donde dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.

En el 2009 grabó con la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa una de sus obras para el proyecto discográfico del sello español Verso, el cual editó en 2010 un disco monográfico titulado Eddie Mora – Música de Cámara. En el 2012, el sello discográfico Quartz Music de Inglaterra publicó un segundo disco monográfico, con sus tres cuartetos de cuerda interpretados por el Cuarteto latinoamericano, Sulá con la Orquesta Sinfónica de Heredia y Bocetos a Yolanda con el Ensamble Contemporáneo Universitario.

Director invitado por prestigiosas orquestas

En calidad de director ha participado con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa (Moscú), la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA), la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG) y la Orquesta Sinfónica de Oaxaca (OSO-México).

OFRENDA  / A LA ESCUELA DE ARTES MUSICALES DE LA UCR

Eddie Mora, autor de Ofrenda para orquesta, escribe acerca de su obra: “En ocasión de la celebración de los 75 años de la fundación de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, es que me di a la tarea de escribir Ofrenda para orquesta. En ella, continúo con la línea estética trazada en Los caminos de la noche (2012), también para orquesta, cuya característica fundamental consiste en la conceptualización por medio del instrumento orquestal de los gestos, desde donde emergen diferentes capas tímbricas que se entrelazan, formando en su totalidad un solo discurso sonoro”.

Acerca del contenido sonoro-simbólico, explica Mora: “El título se desprende de una promesa originada entre lo tangible hacia lo supremo, ese tránsito de lo material a lo sublime, de ahí la tensión y distensión que se generan sobre la base de un canto ritual original que acontece a lo extendido de obra. En el último trazo de tiempo, sobre la base de una sonoridad estática y consonante en la sección de cuerdas, confluyen la distensión y lo apacible, concertándose en las diferentes líneas tímbricas de la percusión y del solo de violín, ocultándose lánguidamente en el silencio”.

MUSICOS

Músicos VI programa 2017

 

 

CUERDAS
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Johan Chapellin
Violín I Mauricio Campos
Violín l Carlos Vargas
Violín I Leonardo Perucci
Violin I Andrés Corrales
Violín II Mariana Salas
Violín II Cristian Cruz
Violín II Andrés Mendieta
Violín II Daniela Garner
Violin II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violín II Jeremias Fajardo
Violas Samuel Ramírez
Violas Amado Domínguez
Violas Luisana Padilla
Violas Mario Sequeira
Violas Elisa Hernández
Violas Esteban Madriz
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos José Pablo Solís
Contrabajos Pedro García
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Alberto Moreno
MADERAS
Flauta José Mario Portillo
Flauta / Piccolo Mario Velasco
Oboe Roslyn Cerdas
Oboe Raquel Arguedas
Clarinete I Sergio Delgado
Clarinete II José Pablo Cruz
Fagot Luis Diego Cruz
Fagot II María de Jesús Fernández
METALES
Corno francés Mauricio Villalobos
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Roberto Fonseca
Trompeta Nahum Leiva
Trombón I Luis Lizano
Trombón II Juan Pablo Marín
Tuba Andrés Porras
PERCUSIÓN
Percusión I Allan Vega
Percusión II Andrés Barboza
Percusión III Dennis Arce
Percusión IV Juan Carlos Espinoza
Percusión V Ignacio Orozco
Piano / Celesta Leo Gell
Arpa Mariela Flores
I Programa2016

I Programa2016

I Programa 2016

 

Concierto I : 21 de febrero, 11:00 am, Teatro Eugene O’Neill. San José, Costa Rica.

Concierto II : 22 de febrero, 7:00 pm, Parroquia Inmaculada Concepción. Heredia, Costa Rica.

Solista: Leonardo Gell (Cuba)| Piano

Compositor Invitado: Curt Cacioppo

Alberto Villalpando (Bolivia| 1940)

  • Concierto para piano y orquesta de cámara. Estreno Nacional

Igor Stravinski (Rusia| 1892-1971)

  • Dumbarton Oaks para orquesta de cámara. Estreno Nacional

Curt Cacioppo (Estados Unidos| 1951)

  • Of Shacklers & Heroes para orquesta. Estreno Mundial

Vladislav Soifer, Arreglista (Rusia)

  • Música de salón costarricense (años 20), Autores desconocidos . Estreno Mundial.
VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA: ALTERNATIVA SONORA | OSH XX | XXI

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez | Director titular

 

SOLISTA

Leonardo Gell / piano

 “Vivo intensamente mi profesión

Docente de la Universidad de Costa Rica y artista del catálogo del Centro Nacional de Música de Concierto y del sello discográfico Producciones Colibrí, en La Habana. Leonardo Gell ha obtenido más de quince premios de interpretación, entre los que destacan: Gran Premio y Premio Solista Concertante de la Feria Cubadisco, Primer Premio del Concurso de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, y Premio de Oro del Festival Primavera de Abril (Corea).

Desde 2005 desarrolla una activa carrera como concertista, presentándose en escenarios y festivales de América, Europa y Asia.

El repertorio de Leonardo Gell cuenta con más de cuarenta y cinco estrenos absolutos, muchos de los cuales le han sido dedicados por Leo Brouwer, Juan Piñera, Marvin Camacho, Alfredo Diez Nieto y Yalil Guerra, entre otros compositores.

Una opinión acerca de Leonardo Gell

“Muchas personas tocan extraordinariamente su instrumento. Sin embargo, la música es otra cosa. Ese don, esa gracia, la posee Leonardo Gell. Él es capaz de trasmitir ese misterio impalpable de la música», así describió el compositor, pianista y profesor cubano Harold Gramatges, a este joven, quien destaca actualmente entre los pianistas cubanos de su generación.

PROGRAMACIÓN

  1. Igor Stravinski (Rusia | 1892-1971)

Dumbarton Oaks para orquesta de cámara

Estreno nacional

Stravinski: ruso, neoclásico y dodecafónico

Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Igor Stravinski nace en Oranienbaum, Rusia, en 1882, y fallece en Nueva York, en 1971. Cabe resaltar, en primera instancia, que una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó su ballet La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913, Stravinsky se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

 En un estilo cercano al barroco de Bach

 Considerado por algunos como un trabajo menor, el Concierto Dumbarton Oaks, en mi bemol para orquesta de cámara, es representativo del periodo neoclásico de Stravinski, el cual abarca una tercera parte de de su extraordinaria vida creativa. La pieza fue comisionada en 1937 por  Robert Woods Bliss y su señora, de la localidad de Dumbarton Oaks, en el estado de Washington, D.C., para celebrar el aniversario 30 de bodas, en 1938.

Durante el tiempo de la comisión, Stravisnki fue diagnosticado con tuberculosis, y fue enviado a un sanatorio en Suiza, acompañado de su esposa y dos hijas. Mientras permanecía en Suiza, estuvo inmerso en la música de Bach, y escribió el Concierto Dumbarton Oaks para orquesta de cámara. A causa de la enfermedad del compositor que le impedía viajar, la premier o estreno se llevó a cabo el 8 de mayo de 1938, en Washington, D.C., bajo la dirección de Nadia Boulanger.

Como otros numerosos trabajos neoclásicos de Stravinski, recapitula formas y gestos de tradición musical occidental. De este modo, el Concierto Dumbarton Oaks, intencionadamente  llega a ser un trabajo musical didáctico: un ensayo de cómo escribir un concierto realizado en estilo barroco con armonías modernas, ritmos e idiomas melódicos actuales. Compuesto en tres movimientos: Tempo giusto, Allegretto y Con moto, el Concierto Dumbarton Oaks, deliberadamente evoca los Conciertos de Brandenburgo, de J.S. Bach. El parecido del inicio del primer movimiento con el Brandenburgo n.° 3 es particularmente notable. Concerniente a esta relación, Stravisnki manifestó: “No pienso que Bach llegaría a resentirse conmigo por el préstamo de sus ideas y materiales, ya que como préstamo en esta forma, fue algo que gustó de sí mismo”.

Los movimientos del Concierto Dumbarton Oaks, de I. Stravinski, son:

  1. Tempo giusto
  2. Allegretto
  3. Con moto
  1. Alberto Villalpando (Bolivia-1940)

Concierto para piano y orquesta de cámara

Estreno Nacional

Padre de la música académica contemporánea boliviana

Alberto Villalpando es un compositor boliviano nacido en 1940. Inició sus estudios musicales en Potosí, con Santiago Velásquez, ampliándolos con el padre José Díaz Gainza. En 1958, viajó a Buenos Aires, Argentina, para estudiar composición en el Conservatorio Nacional Carlos López Buchardo. Posteriormente, estudió en Argentina con Roberto García Morillo, Pedro Sáenz y Alberto Ginastera. En 1963 ganó por concurso, una beca al Centro Latino Americano de Altos Estudios Musicales, del Instituto Torcuato Di Tella. Ahí prosiguió estudios superiores con Alberto Ginastera, Olivier Messiaen, Luigi Dallapiccola, Riccardo Malipiero, Bruno Maderna y otros destacados maestros.

Durante varios años fue Director del Departamento de Música del Ministerio de Cultura de su país. Se desempeñó también como director y profesor de composición del Conservatorio Nacional de la Paz. Fue director y profesor de Composición del Taller de Música de la Universidad Católica Boliviana y agregado cultural de la Embajada de Bolivia, en Francia.

En la actualidad, se dedica a la composición y su enseñanza. Esta última, la realiza en la Universidad Católica Boliviana. Sus obras son interpretadas regularmente en su país y el extranjero. En enero de 1999, le fue otorgado el Premio Nacional de Cultura 1998, en reconocimiento al mérito, a su obra musical. Ha escrito música de diversos géneros incluyendo la música electroacústica, tanto con medios convencionales como con sintetizadores controlados por computadora. Estrenó en 1995, una ópera, sobre una leyenda de la época colonial, titulada Manchaypuytu. Además, ha escrito también música para varios filmes bolivianos, así como para producciones videográficas. Desde 1965, radica en Bolivia. Es miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte.

Agustín Fernández, compositor boliviano, director del Departamento de Música de la Universidad de Newcastle, Inglaterra, escribió acerca de Alberto Villalpando, en La Razón, de Bolivia:

“Sería difícil exagerar la importancia de Alberto Villalpando en el desarrollo de la música de Bolivia. Asignarle a este eminente compositor un lugar en la historia no es consignarlo al pasado; es celebrar su presencia. Porque en 2014 Villalpando está no solo vivo, sino vital, en la plenitud de esa creatividad que ha hecho que sea ya, a la edad de 74 años, parte de la historia. Muchos nos hemos referido a él como al “padre de la música contemporánea boliviana”. Más que un título honorífico —como aquel que atribuye a Haydn la paternidad de la sinfonía— este sobrenombre es un resumen exacto de la labor cumplida por Villalpando a lo largo de más de medio siglo de trabajo”.

Prosigue Fernández, acerca de la paternidad musical: “Padre, en primer lugar, por su condición de pionero. Por supuesto que hubo compositores en Bolivia mucho antes que Villalpando. Pero, en la Bolivia poscolonial, Villalpando fue el primero en dedicarse profesionalmente a la creación musical, perseverando en ello a lo largo de toda una vida y permitiéndose solo las distracciones impuestas sin escapatoria por la necesidad de llevar el pan a la mesa en un país sin estructuras de remuneración al compositor.

Añade el autor: “Padre, también, porque Villalpando ha formado a dos generaciones de compositores bolivianos que hoy le debemos gratitud. La enseñanza como oficio habrá significado para muchos un refugio a salvo de las vicisitudes de vivir del arte, pero para Villalpando enseñar ha sido la expresión de una vocación de compartir, mucho más allá de una necesidad práctica”, concluye Fernández.

Obra comisionada por pianista / Homenaje de Villalpando a su padre

La obra Concierto para piano y orquesta de cámara, del compositor boliviano Alberto Villalpando,  fue compuesta en el año 2015. “A principios de año, Ana María Vera tuvo la gentileza de encargarme este concierto, porque quería conmemorar sus 50 años con el estreno de una obra escrita especialmente para ella”, cuenta Villalpando.

El resultado de aproximadamente cuatro meses de trabajo  es una obra de 21 minutos de duración que presenta aires andinos y motivos folklóricos. “Tiene tres movimientos, como todos los conciertos para instrumentos solos y orquesta. Conserva la estructura tradicional del concierto”, agrega el maestro. Según la descripción,  es una composición con un matiz «femenino” y tonalidad folklórica, que evoca el altiplano andino. El primer tema del primer movimiento es una visión onírica del altiplano boliviano, con sonoridades muy delicadas que le imprimen a la música un aire melancólico y meditativo. Pese al ritmo movido del segundo tema del primer movimiento, se mantiene un aire evocativo que se afianza con un interludio de cuerdas que desemboca en un festivo despertar a la alegría. Por otro lado, el segundo movimiento está inspirado en un huayño escrito por el padre del compositor. Este homenaje a su progenitor crea una atmósfera apacible y presenta un motivo folklórico que brinda continuidad al primer movimiento. La obra concluye con un similar aire evocativo del  tercer movimiento. (Página Siete, Bolivia).

  1. Curt Cacioppo (Estados Unidos | 1951)

Of  Shacklers & Heroes for Orchestra

(De esclavistas y héroes para orquesta)

Estreno mundial

Curt Cacioppo es un compositor cuyo poder expresivo y atrayente emocionalidad cautiva oyentes y artistas de todo el mundo.  Una persona de profundo sentimiento humano, que deriva su inspiración de fuentes tan diversas como la poesía medieval de Dante, de aspectos de la cultura nativa americana o la música vernácula con la que creció.  Su trabajo creativo se basa en un profundo trabajo de solista virtuoso en el piano, que persigue un papel activo del pianista en el escenario y en la grabación.

Su distintiva voz atrajo la atención nacional con un premio en 1997 a la trayectoria, otorgado por la Academia Americana de Artes y Letras, un honor conferido en el pasado a celebridades como Leonard Bernstein, William Schuman, y Gian Carlo Menotti.  Ha sido comisionado nacional e internacionalmente por orquestas como la Sinfónica de Chicago y la Sinfónica de Milwaukee, la Orquesta Americana de Compositores, la Orquesta Sinfónica de Heredia (Costa Rica), la Sinfonía Clásica de Filadelfia, la Red para la Nueva Música y Letra Fest (Filadelfia), Yale Symphony, la Orquesta de la Sociedad Bach de Harvard, el Festival Bach Carmel, etc.

La música de Cacioppo se ha presentado en prominentes lugares en todo el mundo,  como el Carnegie Hall (Nueva York), en Munetsugu Hall (Nagoya), Centro Cultural Gasteig (Múnich), Teatro La Fenice (Venecia), Mallett Teatro Jane (Toronto), Kennedy Center (Washington, D.C) y en el Teatro San Benito Abad (México).

Curt Caccioppo nació en 1951, en Ravenna, Ohio. De sangre siciliana por parte de su padre y anglosajona por parte de su madre. Su primer recital fue a los 11 años en la Escuela de Música, donde recibió su título de licenciatura una década después. Estudió composición y piano en la Universidad Estatal de Kent.  Participó en clases magistrales dirigidas por Arthur Loesser, John Browning, Ruth Laredo, Roberto de Gaetano, y otros. Estudió jazz con el pianista y compositor Pat Pace. En el Blossom Festival School él dirigió la música de cámara  en virtud de los miembros principales de The Cleveland Orchestra, incluyendo el oboísta John Mack y el violinista Josef Gingold y el pianista  Tung Kwong Kwong. De Ohio fue a la Universidad de Nueva York, y obtuvo una maestría en Artes en 1976, en la rama de la musicología. Apadrinado por Gustave Reese, su tesis aborda la música del compositor Johannes Ciconia, que floreció en Padua a finales del Trecento / temprano Quattrocento.

Caccioppo terminó sus estudios en la Universidad de Harvard con León Kirchner, Earl Kim e Iván Tcherepnin. El etnomusicólogo David McAllester lo dirigió formalmente en sus exploraciones de la música nativa americana.  Recibió el M.A.  en 1979, y un Ph.D. (1980) en composición. Fue nombrado en Harvard por un período de cuatro años, en 1980. En 1983 se trasladó de Cambridge a Filadelfia a unirse a la Facultad de Haverford College,

Acerca de su catálogo

Las composiciones de Curt Cacioppo se dividen en tres categorías temáticas: las obras que tienen un enfoque hacia los nativos americanos, las que tienen una temática italiana, y las que se originan a través de múltiples temáticas.

Cacioppo ha sido comisionado para escribir  una variada serie de composiciones de un alto perfil para artistas de renombre internacional, como el nueve veces ganador del Grammy, Emerson String Quartet, y le han encargado proyectos de menor escala para agrupaciones  locales y compromisos ceremoniales.

Ha escrito para las orquestas sinfónicas de Chicago y Milwaukee, la Sinfónica de Yale, la Orquesta de la Sociedad Bach, los Virtuosos dell ‘Ensemble di Venezia, el conjunto Ex Novo, la Red para la Nueva Música, la American String Quartet, el Moscow String Quartet, el Cuarteto Borromeo, el Quartetto d’Archi di Venezia, la Orquesta de Cámara de Nueva York Brass, el Sartori Trío, el Dúo Alterno, la Sociedad de Música de Cámara de Filadelfia, los Amigos de Tucson de Música de Cámara, etc.

En torno de la obra por escuchar en el concierto

De manera privilegiada, en la página electrónica oficial del compositor Curt Cacciopo, se puede leer la mención acerca del estreno mundial de la composición Of Shacklers & Heroes:

21 de febrero de 2016

Estreno orquestal, Costa Rica

San José y Heredia, Costa Rica

 La interpretación de estreno del poema sinfónico Of Shacklers & Heroes, de Curt Cacioppo, se llevará cabo en el Teatro Eugene O’Neill, en San José (domingo 21 de febrero), y en la Iglesia de la Inmaculada Concepción en Heredia (lunes 22 de febrero), por la Orquesta Sinfónica de Heredia, bajo la batuta de Eddie Mora.El trabajo conmemora el 160 aniversario de la victoria de Costa Rica sobre William Walker y sus filibusteros, quien intentó imponer la esclavitud por tierras de Latinoamérica.

Gallarda victoria sobre William Walker

Imágenes musicales de una gesta heroica

La obra Of Shacklers & Heroes, de Curt Cacioppo, celebra  la victoria de Costa Rica y de uno de los combatientes, el músico Alejandro Cardona Llorenz, sobre William Walker y su ejército de filibusteros hace 160 años. La obra comienza con un ambiente de tranquilidad y dulzura, pero se oye en la selva un extraño canto de pájaro que parece una premonición de conflicto, el doloroso reconocimiento de que hay una amenaza en el horizonte. El nombre de Alejandro Cardona se “deletrea”  furtivamente con notas musicales. Surge un material, animato, que parece el parloteo de un subastador y que se deriva (usando gematría) del nombre William Walker. Se cruza con la música del “subastador” un vals, falsamente elegante, y esta sobreexposición perturbadora lleva a un lamentoso en do# menor, que expresa la angustia de la experiencia americana de la esclavitud.

Se da un estallido desafiante del piano. Walker viene en marcha. La orquesta, al unísono, espeta “hijo de puta”, dirigido a Walker, un motivo derivado nuevamente de su nombre e inspirado en una lora en Heredia que repetía una y otra vez estas palabras. Con las tropas costarricenses llega Cardona. Monta una mula blanca. Vienen heroicamente a combatir al esclavista invasor.

Citas folclóricas contestan las interjecciones marciales de los metales y, eventualmente, el tema “hijo de puta” es retomado por toda la orquesta. Este episodio se inspiró en el recuerdo de una manada de monos que nos atacaron al cruzar su territorio, agitando violentamente las ramas de los árboles y aventando toda clase de palos y escombros que nos caían encima. Walker es vencido. Se pronuncia su sentencia de muerte. La música de la angustia de los esclavos se convierte en su propio grito de desesperación. Se grita la orden: ¡apunten! ¡listos! ¡fuego! El pelotón de fusilamiento cumple su deber y Walker cae muerto.

La música de Cardona, anteriormente dolorosa, se transforma al modo mayor con la liberación y la restauración de la tranquilidad. Se toca una marcha de celebración, basada en el Himno Patriótico, de Alejandro Cardona Llorenz, con letra de Tadeo Gómez (vale mencionar que de este himno se deriva mucha música que aparece en otras partes del poema sinfónico). Regresa la tranquilidad y la dulzura del comienzo y nuevamente se escucha el canto de los yigüirros.

  1. Vladislav Soifer (Rusia) Arreglista

Música de salón costarricense [años 20] Autores Desconocidos

Estreno mundial

Antecedentes de la música de salón costarricense / Breve historia

En su libro, De las fanfarrias a las salas de concierto (2004), María Clara Vargas Cullel, escribe acerca del entorno histórico de la música de salón costarricense:

“Los cambios económicos y sociales que se habían iniciado en la década de 1840, tuvieron su expresión más evidente en los centros urbanos y, sobre todo, en la ciudad de San José, a finales del siglo XIX. Nuevos servicios, mejora en el sistema de transporte, así como la construcción de numerosos edificios, calles, parques, monumentos y barrios, fueron algunos de esos cambios que transformaron el orden urbano y arquitectónico de la ciudad. También hubo un aumento considerable de centros de entretenimiento y de sociabilidad, tanto para los sectores populares como para la elite. Esta sociabilidad se promovió formalmente por medio de clubes, centros, sociedades de socorro mutuo e, informalmente, en actividades como veladas, conciertos, representaciones escénicas, bailes, cenas, picnics, excursiones, paseos y actividades deportivas. Muchas de esas actividades se realizaron en espacios nuevos como los teatros, hoteles y restaurantes, los que cada vez fueron más numerosos. A medida que la sociabilidad se incrementó, la necesidad de música también aumentó”.

Ya sobre la música de salón propiamente dicha, la docente y actual decana de Bellas Artes de la UCR, amplía:

“Desde mediados del siglo XIX, las bandas, grupos improvisados integrados mayoritariamente por miembros de las bandas, o simplemente un pianista, eran los encargados de amenizar bailes y otras actividades sociales que requerían apoyo musical. A finales de la década de 1880, debido al aumento de músicos, de las actividades sociales y a nuevas disposiciones gubernamentales que desanimaban a los músicos militares a participar en toques particulares, se empezaron a organizar muevas agrupaciones musicales. Estos nuevos grupos, llamados “orquestas de salón”, tenían entre cinco y diez integrantes, aunque, en ocasiones, especiales, llegaron a tener hasta treinta músicos. Eran grupos con un director, y ofrecían sus servicios para amenizar bailes, matrimonios, paseos, picnics, serenatas, almuerzos, cenas, fiestas campestres, fiestas deportivas y celebraciones religiosas. A diferencia de los grupos aficionados, los cuales tocaban para entretenerse, estos nuevos grupos lo hacían para complementar su salario de profesor de música o de músico de banda”.

Más adelante, María Clara Vargas escribe sobre las primeras noticias de agrupaciones privadas emergentes:

“Las primeras referencias de agrupaciones privadas aparecen a finales de la década de 1880, alternando, muchas veces, con la banda o con uno o dos músicos. En 1888, el baile ofrecido después de una comida en honor del Ministro de México en Centroamérica, fue amenizado por la “simpática orquesta de los señores Fournier”, mientras que, en los intermedios, la banda militar ofrecía piezas escogidas  de su repertorio. En 1891, la orquesta de los Founier tenía ya un nombre –orquesta Bocaccio- y, dirigida por Mateo Fournier, fue parte de la velada lírico-literaria ofrecida en el teatro Variedades, a beneficio de los damnificados de Cartago”.

Por su parte, la docente e investigadora Ekaterina Chatski, manifestó en su programa radial Descubriendo América, transmitido por Radio Universidad:

“Leemos en el libro La música en Latinoamérica, escrito por el musicólogo mexicano Roberto Miranda, que la música de salón “se considera el más importante de los espacios musicales latinoamericanos del siglo XIX”. La música de salón, Miranda la define como la música que fue consumida por las clases burguesas del siglo XIX en el seno de sus respectivos hogares. También, agrega Roberto Miranda, que es posible distinguir tres apartados dentro de dicha música: el primero, como música de baile; el segundo, como música de salón propiamente dicha, y el tercero, como la música de tertulia o de concierto”.

Asimismo, en el disco compacto Música de salón. Composiciones costarricenses para violín y piano (2003), grabado por Erasmo Solerti en el violín, y Tanya, Cordero en el piano, se lee acerca de la Costa Rica de los albores del siglo XX y su tradición musical:

“Y de nuevo, aparecen las notas musicales, pero esta vez desde una casa acomodada, situada al lado sureste del parque. […]. Su estructura arquitectónica expresa el estatus social de la élite urbana de aquellos tiempos, mostrando la riqueza de una u otra familia por medio de la construcción de varios espacios familiares, entre los cuales se destacaba un amplio salón con el piano, cuadros, relojes extranjeros y costosos sillones tapizados. Estos salones, en su tiempo, albergaban las visitas que llegaban a tertuliar y escuchar la música que tocaban las hijas de familia. Toda la noche podrían sonar incesantes las notas de obras musicales, tales como Humoresque, El sueño de un ángel, La cosecha, El secreto y ¡Cómo la quiero!, de Alejandro Monestel; Arlequín y Momento español, de José Castro Carazo: o Serenata. Humoresque ‘Novellette’ y Canción de cuna, de Ismael Cardona, costarricenses los tres”.*

Nota escrita por: Gustavo Adolfo Segura

MÚSICOS
Instrumento Nombre
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Mariana Salas
Violín I Brenda Zamora
Violín I Leonardo Perucci
Violín I Mauricio Campos
Violín I Daniela Garner
Violín II Azeneth Loáisiga
Violín II Sandra Ramírez
Violín II Luissana Padilla
Violín II Carlos Vargas
Violín II Andrés Corrales
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Jeffrey Chavarría
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Jafeth Quesada
Violas Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Gabriel Solano
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Pedro García
Arpa Georgina Hidalgo
Piano Solista Leonardo Gell
Piano Orquesta Kevin Sequeira
FlautÍn / Flauta Mario Velasco
Flauta Emmanuel Lafuente
Oboe Roslyn Cerdas
Oboe Raquel Arguedas
Clarinete bajo Sergio Delgado
Clarinete bajo Daniel Porras
Fagot Luis Diego Cruz
Fagot Bryan Valderrama
Corno francés Esteban Murillo
Corno francés Juan Carlos Porras
Trompeta José Manuel Loría Brenes
Trompeta Jesús Campos
Trombón Luis Lizano
Trombón Marisel Torres
Tuba Andrés Porras
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Timbales Josué Berrocal
Guitarra Oscar Jiménez
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