IV Programa 2018

IV Programa 2018

OSH | 2018 – LATITUDES SONORAS

IV PROGRAMA
Luis Adolfo Víquez | Director invitado
21 de julio, 8:00 pm | Parroquia de Heredia –  Inmaculada Concepción
22 de julio, 11:00 am | Teatro Eugene O´Neill

Costa Rica desde afuera

• José Mora Jiménez (1977 | Costa Rica)
3 Piezas para Ensamble (2018) **
I- Uke nage
II- Iridiscencia
III- Ecos
• Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)
Amalgama (2018) **
• Guido Sánchez Portuguez (1974 | Costa Rica)
Atavismos (2018) **
• Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)
Nonetto No.2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto
• Pablo Santiago Chin (1982 | Costa Rica)
Si Chavela met Matta (2018) **

* Estreno nacional | ** Estreno mundial

NOTAS AL PROGRAMA

OSH | 2018 – Latitudes Sonoras
IV PROGRAMA – Costa Rica desde afuera

Luis Adolfo Víquez | Director invitado
21 de julio, 8:00 pm | Parroquia Inmaculada Concepción de Heredia
22 de julio, 11:00 am | Teatro Eugene O´Neill

  • José Mora Jiménez ( 1977 | Costa Rica)

Tres piezas para ensamble (2018) **
A la Orquesta Sinfónica de Heredia
I- Uke nage
II- Iridiscencia
III- Ecos

  • Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)

Amalgama para orquesta de cámara (2018) **

  • Guido Sánchez Portuguez ( | Costa Rica)

Atavismos **

  • Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)

Nonetto n.° 2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto

  • Pablo Santiago Chin ( 1982 | Costa Rica)

Si Chavela met Matta para voz femenina con parte de cinta opcional (2018) **

* Estreno nacional | ** Estreno mundial

José Mora Jiménez ( 1977 | Costa Rica)
Tres piezas para ensamble (2018) **

De la tierra de los valles y volcanes a la tierra de los tulipanes
José Mora Jiménez nació en San José, Costa Rica, donde estudió guitarra clásica y composición en la Universidad de Costa Rica. Vive en los Países Bajos (Holanda) desde 2006. Completó sus estudios de composición en The Royal Conservatory of The Hague (Real Conservatorio de La Haya), y también obtuvo el grado de maestría en Economía y Emprendimiento Cultural en la Erasmus University Rotterdam (Universidad Erasmo de Róterdam), donde se graduó Cum Laude (con honores).
Su música ha sido publicada por Edizioni Musicali en Italia,  y por  Les Productions d’Oz en Canadá, y es regularmente interpretada en diferentes países alrededor del mundo.  En la actualidad, es un compositor muy activo de música moderna, así como de composiciones de música para videojuegos y medios digitales.

RECONOCIMIENTOS Y PREMIOS

  • Tercer premio en el Concurso de Composición del Festival Internacional de Guitarra de Rust, Austria (2017).
  • Ganador del Concurso Internacional de Composición de Timo Korhonen, Finlandia (2016).
  • Tercer premio en el Concurso Internacional de Guitarra Clásica Nilufer, Turquía (2015)
  • Mención de Honor en el Concurso de Composición Boston Guitarfest, Estados Unidos (2013).
  • Ganador del 4º concurso de composición de Calefax Reed Quintet 2011, Países Bajos (2011).
  • Ganador del concurso de composición de la asociación «Vrienden van het lied», Países Bajos (2011).
  • Finalista en el «Premio Internacional de Música por la Excelencia en Composición» Colorado, USA / Grecia (2011).
  • Seleccionado dos veces para la serie de conciertos «15 minutos de fama» en Nueva York (2011).
  • Segundo premio en el Boston Composite Composition Competition, Estados Unidos (2009).
  • Segundo premio en el Concurso Nacional de Composición para Guitar Ensemble, Costa Rica (2002).
  • Segundo premio en el Primer Concurso Nacional de Composición para Guitarra Solista, Costa Rica (2001).

Tres alegorías, tres tiempos, una obra
Tres piezas para ensamble
A la Orquesta Sinfónica de Heredia

José Mora Jiménez, compositor de Tres piezas para ensamble, explica el origen y sentido de su composición:
I- Uke-nage
Uke-nage es un concepto utilizado en el Aikido, en donde los dos participantes entrenando se complementan el uno al otro. Uno de los participantes lanza un ataque y el otro lo recibe. La relación entre Uke y Nage no es de competencia, sino de complemento en el cual dos personas practican partes diferentes de un mismo movimiento. Originalmente, pensada como una obra para dos pianos, su potencial se ve mucho mejor realizado en la actual versión para ensamble. En esta pieza la instrumentación divide al ensamble en dos grupos en el que uno inicia el “ataque” y el otro complementa.
II- Iridiscencia
La iridiscencia es el fenómeno óptico de ciertas superficies en las cuales el tono de la luz varía de acuerdo con el ángulo desde el que se observa la superficie, dependiendo del ángulo con el que se ilumine la superficie, se verá de distintos colores. Por ejemplo, en las manchas de aceite o las burbujas de jabón. Esta obra toma este concepto como punto de partida para crear una atmosfera en la cual la armonía cambia gradualmente, y en donde los diferentes grupos instrumentales (vientos, cuerdas y vibráfono) van entrando y saliendo, sucesivamente, dando un “color” diferente a cada acorde.
III-Ecos
En esta obra hay un motivo percusivo ejecutado por el piano y el vibráfono, al cual responden en forma de eco repetido, tanto cuerdas como vientos. La obra es carácter enérgico, aunque hay secciones de calma en las que el eco se convierte en una resonancia de los acordes ejecutados por el piano. Hacia el final de la obra, se da una recapitulación del motivo, pero ahora los roles se invierten y son el piano y vibráfono, quienes hacen eco del resto del ensamble.

Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)
Amalgama para orquesta de cámara (2018) **

Versatilidad sin límites
Entre las salas de concierto y de cine, la música pop y de videojuegos

Andrés Soto Marín nace en San José, en 1986. Es un compositor y arreglista costarricense, radicado en el área de Nueva York. Realizó estudios de composición, teoría y piano en Hofstra University en Long Island, NY, y en New York University en Manhattan, donde obtuvo una Maestría con énfasis en música para cine. Aunque se ha desenvuelto más como compositor de música clásica contemporánea y bandas sonoras, su versatilidad como arreglista lo ha llevado a colaborar con varios artistas en diversos géneros musicales  como cine, musicales, videojuegos, comerciales, música electrónica, rap, pop, música de cámara, ópera, etc.

Su música sinfónica ha sido interpretada por orquestas en Costa Rica, Nueva York, España, Praga, Texas, y New Hampshire. La Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica estrenó dos obras suyas: Costa Rica aérea en el 2016, y La rosa y el niño, para narrador y orquesta en el 2015, basada en la novela Cocorí de Joaquín Gutiérrez. En este mismo año, debuta como compositor en Carnegie Hall, con la obra Swashbuckler, encargo del ensamble Tromba Mundi.  Con la Orquesta Sinfónica de Heredia estrena en el 2012, su poema sinfónico El Susurro de una brisa, y Tío Conejo en el 2014.  Asimismo, ha compuesto música de cámara que ha sido ejecutada por diversas agrupaciones. En el 2015, también colaboró con Edín Solís en la edición y orquestación de Preciosa y el aire, obra ganadora del Premio Nacional de Música.

Su música para cine incluye bandas sonoras para cuatro largometrajes, cuatro documentales, y más de veinte cortometrajes, muchos de los cuales han sido filmados en lugares como EE.UU., Brasil, Costa Rica, Turquía, Chipre, Abu Dhabi, Jerusalén, y han sido aceptados en varios festivales de cine alrededor del mundo. En el 2017, compone la banda sonora de Buscando a Marcos Ramirez y He matado a mi marido. Finalmente, en el 2016, compone la banda sonora para el videojuego Guns of Icarus, de MuseGames, su primera incursión en este género.

Previamente, obtuvo una beca de la Fundación Hispana para las Artes en EE.UU. en el 2010 y 2011. Su música es publicada por Abundant Silence Publishing.

Para más información visite su página web: www.andres-soto.net  o www.soundcloud.com/andres-soto

AMALGAMA: los discursos que nos atraviesan son inexcusables
La honestidad creadora de Andrés Soto

El compositor de Amalgama, Andrés Soto, narra cómo fue la gestación de su obra: “Después de haber compuesto varias obras de carácter programático, como Cocorí, o la Rosa y el Niño» (2015), y Costa Rica Aérea (2016) para la Orquesta Sinfónica Nacional, y El Susurro de una Brisa  (2012), y Tío Conejo (2013) para la Orquesta Sinfónica de Heredia, sentí la necesidad de componer una obra de música absoluta, sin usar ningún tema de literatura o arte como inspiración”.

Continúa diciendo: “No tenía planes preconcebidos sobre su estructura, ni compuse motivos ni melodías antes de comenzar a componer – quería dejar que la música fuera dictando su destino por sí sola, que cada compás me sugiriera hacia donde quería proseguir a través de la página del pentagrama. El tempo agitado y veloz no da tregua (una vez montados en este tren es difícil bajarse), entonces es la orquestación la que termina definiendo la estructura de la pieza”.

Prosigue: “Al rato, me surgió un motivo que no quería irse y lo dejé aparecer varias veces. Después, el material de los primeros compases quiso regresar, pero transformado en otra tonalidad. En fin, cuando llegué a lo que consideré podría ser la coda, inevitablemente se me colaron unos ritmos costarricenses en 6/8 y decidí no disimular y aceptar que la música, por más absoluta que queramos que sea, es influenciada por lo que nos rodea. El titulo fue lo último en aparecer: me encontré el vocablo «amalgama» de casualidad y me gustó que podría representar la mezcla homogénea de ideas en mi obra, manteniendo un título lo suficientemente ambiguo como para encapsular mi pieza en tan solo tema”, concluye Soto.

Guido Sánchez-Portuguez ( | Costa Rica)
Atavismos **

En la EAM de la UCR se gesta el exitoso periplo del guitarrista

El Dr. Guido Sánchez- Portuguez comenzó sus estudios musicales en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde se graduó con honores en 2001, bajo la dirección de Mario Solera. En 1997, 1998 y 1999, obtuvo la beca «Estudiante de Honor» en la Universidad de Costa Rica y viajó a Francia y España para asistir al Stage de Guitares D’Alsace, y al Festival Internacional de Guitarra de Córdoba. En el 2000, fue finalista en el Concurso y Festival Internacional de Guitarra de La Habana, Cuba, una de las competiciones de guitarra más prestigiosas del mundo. Obtuvo la Mención de Honor del Jurado en el Primer Concurso de Composición de Guitarra 2001 por su pieza, Rondó de Vidrio. Además, ganó el primer premio al año siguiente por su pieza de orquesta de guitarra, Arenal. De 1995 a 2003, fue la primera guitarra de la Orquesta de Guitarras de Costa Rica, con la cual ha grabado cinco discos compactos y ha realizado giras por todo el mundo, y en 2003, ganó el Primer Premio en el Concurso Nacional de Guitarra en San José, Costa Rica. También es copropietario de la Escuela Superior de Guitarra en Costa Rica, para la cual ha trabajado como maestro y director.

Maestría y doctorado coronan su capacidad y vocación

Asimismo, en 2004,  Sánchez-Portuguez comenzó su maestría en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana con el distinguido profesor y guitarrista, internacionalmente aclamado, Ernesto Bitetti. Continuó en el prestigioso Programa de Doctorado en la Jacobs School of Music, graduándose en mayo de 2012 como Doctor en Música, en guitarra, con Menciones en Teoría y Composición Musical, donde estudió con los compositores Luis Diego Herra, Sven-David Sandstrom, Per Martensson, Gabriela Ortiz, y Don Freund. En 2008, ganó el premio a la Mejor Interpretación del Trabajo Obligatorio en el Concurso Internacional de Concierto para Guitarra Joann Falletta. 1.

Ha interactuado con Pepe Romero, Leo Brouwer  y Mario Ulloa
Sus frutos como profesor, productor, arreglista, propietario e invitado de honor en festivales son numerosos

Ha participado en clases magistrales con numerosas figuras como Leo Brouwer, Costas Cotsiolis, Pepe Romero, Eduardo Fernández, Nuccio D’Angelo, Javier Hinojosa, Jorge Luis Zamora, Jorge Cardoso, Mario Ulloa, Juan Falú, Francisco Ortiz, Eduardo Martín, Baltazar Benítez y Jesús Ortega.

Entre 2009 y 2014, Sánchez-Portuguez fue profesor en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana, donde impartió cursos de historia de la música latinoamericana y técnicas para arreglar o componer estilos latinos. También, fue el arreglista residente y director musical del Ensamble de Música Popular de América Latina. Con este conjunto, recientemente grabó Paisaje urbano, un disco compacto que presenta su habilidad como intérprete y arreglista, así como, también, como director y productor.

En 2012, dirigió y produjo un disco compacto con la cantante ganadora del Grammy, Sylvia McNair, en la que también aparece como intérprete y arreglista. En 2014 y 2015 se desempeñó como Director de Estudios de Guitarra en Franklin College en Indiana, donde también enseñó World Music. En 2015, comenzó a enseñar clases de guitarra clásica y clases de apreciación de música en línea en Parkland College. Y en ese mismo año, creó su propio estudio de guitarra privado de corte clásico y “fingerstyle” en The Upper Bout.

Guido Sánchez-Portuguez ha sido invitado a participar en numerosos festivales en todo el mundo, incluyendo el Festival de Música Boardwalk en Virginia, el Festival de Guitares D’Alsace en Francia, el Festival Internacional de Guitarra en San José, Costa Rica; el Festival de Guitarra de Guanacaste en Liberia, Costa Rica; Guitar Days en Buffalo, NY; el Festival Permanente de Música de Suchitoto en El Salvador, y el Indiana Guitar Festival. Además, ha realizado recitales y dictado clases magistrales y conferencias en varias universidades, incluidas Marshall University, Universidad de Costa Rica, Tulane University, University of Illinois, Indiana University, University of Indianapolis y Indiana University Purdue en Indianápolis.

Actualmente, ocupa el cargo de profesor de guitarra en la Escuela de Música de la Universidad de Illinois. Continúa componiendo y presentándose como concertista, tanto a nivel local como internacional.

Texturas atávicas en un transformado universo sonoro
Atavismos (Guido Sánchez-Portuguez)

Guido Sánchez-Portuguez, autor de Atavismos, describe la génesis de la obra: “Hasta muy recientemente, mi obra se ha compuesto primordialmente de música para guitarra y música de cámara. Atavismos es mi segundo encuentro con la escritura orquestal (el primero fue mi Concierto para guitarra y orquesta del año 2012), lo cual, a nivel personal, representa un gran paso adelante en mi labor artística como compositor. Un atavismo implica una forma de conducta propia de generaciones pasadas que se hereda a nivel genético y se manifiesta en descendencias posteriores, usualmente saltándose una o más generaciones intermedias. Basándome en esta definición, mi intención ha sido el ilustrar mediante distintos tipos de textura, la transformación en la conducta de un motivo recurrente”.

Amplía el compositor: “El final de la introducción contiene uno de los motivos melódicos más importantes, expuesto por el clarinete, el primer violín y luego la flauta. Justo después, las cuerdas revelan el patrón rítmico que funciona como pilar principal para el desarrollo de la arquitectura contrapuntística y la transformación motívica. La sección media presenta el primer cambio anímico drástico, con un tópico marcial que se va diluyendo hasta llegar a lo que, tal vez, es el momento más evidente en el que se presenta un atavismo: la aparición del contrapunto medieval, elaborado al estilo particular de los compositores del sur de Francia de finales del siglo XIV. Esta sección representa lo que se puede considerar como el resurgimiento de ciertas conductas pertenecientes a una generación antigua, las cuales poco a poco comienzan a interactuar con los tejidos expuestos al principio de la obra, creando una especie de vórtice temporal que culmina con un retorno modificado y extrovertido de la conducta inaugural”, finaliza Sánchez-Portuguez.

Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)
Noneto n.° 2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto

Cosmopolita influido por la cultura francesa que nunca olvidó el espíritu de su patria

Compositor checo, tal vez el más famoso del siglo XX después de Leoš Janáček. Nació en Policka (hoy república Checa o Chequia), el 8 de diciembre de 1890,  y estudió con el compositor y violinista checo Josef Suk y, en 1923, en París con el compositor francés Albert Roussel, quien ejerció una influencia decisiva en su estilo. Martinú vivió en Estados Unidos entre 1940 y 1946, periodo en el que comenzó a componer sus seis sinfonías, donde combina la tonalidad disonante y el estilo neoclásico de Roussel con una especial sensibilidad hacia la música folclórica checa. Entre sus obras cabe destacar Memorial de Lidice para orquesta (1943), la Sinfonía n.º 6 (1953), y la ópera la Pasión griega sobre el texto de Cristo nuevamente crucificado, de Nikos Kazantzakis (1958).

Martinú fue un autor muy prolífico. Entre sus numerosas composiciones se encuentran obras coreográficas, las seis sinfonías ya mencionadas, así como obra concertante y música de cámara. Fue un compositor cosmopolita, influido por la cultura francesa, pero que jamás olvidó los acentos de su patria checa adonde las vicisitudes de la política le impidieron regresar. Murió de cáncer en Suiza. Bohuslav Martinú recibió una fuerte influencia tanto del impresionismo como de otros compositores y del jazz. Sin embargo, su obra es ante todo la expresión del ideal nacional de la música checa en un lenguaje internacional.

En vida del compositor, a pesar de la difusión que alcanzaron otras obras suyas, su veintena de óperas para la escena y para la radio se conoció poco. Emigró de su país y vivió de manera inestable, tal vez por su carácter, en parte impulsado también por la inestabilidad de la época, en muchos lugares del mundo: París, Italia, Suiza, Estados Unidos. Nunca volvió a su patria, pero durante toda la vida fue fiel a la música de su país. Siempre aparecen en sus obras melodías y ritmos checos.

Martinú fue después de la Primera Guerra Mundial un compositor de vanguardia, luego se pasó al neoclasicismo, que contenía también rasgos románticos. En el ámbito del idioma alemán se interpretaron sus siguientes obras: Julietta, Wovon die Menschen leben y Die Heirat (basada en Gógol y estrenada en Hamburgo en 1954) y Mirandolina.

Bohuslav Martiní fallece el 28 de agosto de 1959, en Liestal, Suiza.

Algunas de sus obras

  • Trío para flauta, violín y piano
  • Julieta o el Libro de los sueños
  • Mirandolina
  • Pasión griega
  • Concierto para piano n.° 1, H.149
  • Tres danzas checas, H.154
  • Sexteto para piano e instrumentos de viento, H.174
  • Concierto para piano n.° 2, H.237
  • Sonata para flauta, violín y piano, H.254
  • Concertino para piano y orquesta, H.269
  • Fantasía y Toccata, H.281
  • Sinfonía n.° 1, H.289
  • Sinfonía n.° 2, H.295
  • Sinfonía n.° 3, H.299
  • Trío para flauta, violonchelo y piano, H.300
  • Sinfonía n.° 4, H.305
  • Sonata para flauta y piano, H.306
  • Estudios y Polkas, H.308

El Noneto para flauta, oboe, clarinete, cuerno, fagot, viola, violín, violonchelo y contrabajo
Misterio y tristeza que presagia la cercanía de la parca

 El Noneto fue compuesto en 1959, poco antes de su muerte. Está orquestado para trío de cuerdas, contrabajo y quinteto de viento. El trabajo fue encargado para celebrar el 35 aniversario del famoso Nonet Checo, prácticamente el único conjunto permanente de este tipo. Esta composición ha recibido considerable aclamación por parte de la crítica. La obra consiste en tres movimientos, todos de una longitud modesta. El primer movimiento, Poco allegro, es soleado y brillante, recordando un poco el sonido de un Haydn neoclásico. La música es animada, pero no agitada. Los vientos y las cuerdas están muy bien combinados, y la obra conserva la naturaleza íntima de la música de cámara en lugar de inclinarse hacia la orquesta. El segundo movimiento, Andante, se presenta en marcado contraste con el primero. Aunque el aire de misterio se extiende por todas partes, también hay una profunda vena de tristeza y derrota, tal vez una señal del hecho de que, por el tiempo en que compuso la música, murió de cáncer. El rango dinámico prácticamente nunca se eleva por encima de un mezzoforte. El tema principal del movimiento final, Allegretto, es rítmicamente complejo, mientras que su melodía es una vez más de tono brillante. Un segundo tema generado por las cuerdas superiores, y luego reiterado por los vientos en masa, tiene una cálida característica de ensueño. Le sigue un interludio lúdico y juguetón, antes de la breve y sosegada coda calmada. Este es un trabajo moderno de primera clase. (The Chamber Music Journal)

Pablo Santiago Chin ( 1982 | Costa Rica)
Si Chavela met Matta para voz femenina con parte de “tape” opcional (2018) **

Conservatorio de Castella y Escuela de Artes Musicales (UCR), los derroteros.
Estados Unidos: la meta soñada y alcanzada

El compositor costarricense, oriundo del cantón de Desamparados, San José, y radicado en Estados Unidos, Pablo Santiago Chin Pampillo, nace en 1982. Inicia sus estudios musicales con énfasis en clarinete en 1994, en el Conservatorio de Castella, con el maestro Fernando Sánchez. Del 2000 al 2002, continúa sus estudios de clarinete en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica con la maestra Yamileth Pérez y, en el 2002, toma clases privadas de composición, análisis y armonía con el compositor Alejandro Cardona. En el 2003 se matricula en el programa de composición de la Universidad Internacional de Florida, donde estudia dicha especialidad con Fredrick Kaufman y Orlando García, además, continúa sus estudios de clarinete con Paul Green. Pablo Chin obtuvo su Doctorado en Composición en la Universidad de Northwestern, en Chicago.

Su producción, comisiones y artistas que han tocado su música

Los trabajos recientes de Chin se inspiran en las narraciones del cine y la literatura, las estructuras fonéticas en el texto y el uso de métodos de transcripción idiosincrásicos, que permiten la exploración imaginativa de fuentes musicales preexistentes.

Su música se ha presentado en Sur, Centro y Norteamérica, en Israel, Asia y en Europa. Ha sido comisionado para componer obras para Ensemble Recherche, International Contemporary Ensemble (ICE), miembros de Anubis Quartet, MAVerick Ensemble, Latino Music Festival of Chicago y Ensemble Dal Niente, entre otros. Su música también ha sido interpretada por artistas como Ostravská Banda, Donatienne Michel-Dansaq, Pierre-Stéphane Meugé, Marino Formenti, Claire Chase, Eric Lamb, Gan Lev y Marcuss Weiss.

Galardones, instructores, festivales y trabajo actual

Ha sido galardonado con el Premio Cacavas, el Premio William T. Faricy y el Premio William Karlins, todos de la Universidad Northwestern, donde obtuvo su doctorado en composición. Allí estudió con Hans Thomalla, Jay Alan Yim y Aaron Cassidy. Los instructores anteriores incluyen a Alejandro Cardona en su Costa Rica natal y Orlando García en Miami. En las clases magistrales, ha trabajado con Richard Barrett, Oliver Knussen, Chaya Czernowin y Kaija Saariaho, entre otros. Ha asistido a prestigiosos festivales internacionales de música nueva, incluidos los 45º y 46º Cursos de Verano para Música Nueva en Darmstadt, Ostrava Days 2009 y Center Acanthes 2011. Pablo Chin es instructor de Composición de Música Electrónica en la Universidad de Drew en Nueva Jersey, y es cofundador y director artístico de la Consorte Fonema. En 2017, Chin lanzó un álbum de retratos bajo la etiqueta New Focus Recordings con sus obras para flauta.

Ficción musical: fusión de la obra pictórica de Roberto Matta y la voz de Chavela Vargas.

El compositor Pablo Santiago Chin, explica los pormenores de su obra: “Si Chavela met Matta propone una situación musical ficticia en la que los contornos visuales de la obra del pintor chileno Roberto Matta, se funden con la voz a cappella de Chavela Vargas, nacida en Costa Rica e ícono de la cultura Mexicana. Grabaciones de Vargas y de distintas progresiones de acordes fueron transformadas a través de una aplicación por computadora de síntesis granular. Siguiendo los contornos de la obra de Matta al tiempo que las grabaciones sonaban en la aplicación, éstas se ralentizaban, aceleraban, congelaban, se revertían, y subían o bajaban las alturas. Luego, los audios resultantes fueron transcritos a notación musical y adaptados a las posibilidades de cada instrumento o combinación instrumental. La obra, entonces, presenta tres perspectivas sobre la convergencia creación visual y sonora: el personaje transformado de Chavela Vargas, un acompañamiento de piano y percusión cual si fueran bongós y guitarra de fondo, pero en un mundo alternativo, y breves reflexiones sobre el trío anterior, tocadas por un octeto de vientos y cuerdas”.

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Luis Adolfo Víquez | Director de orquesta invitado

Inicio y desarrollo de una carrera brillante

Luis Adolfo Víquez Córdoba, costarricense, clarinetista y director de orquesta, nace en 1988. Fue seleccionado como clarinetista concertino de la Orquesta Latinoamericana de Vientos (2009) en Colombia, y como miembro de la Orquesta Mundial de Vientos Taiwán (2011). Es egresado de la Licenciatura en Música con énfasis en clarinete de la Universidad de Costa Rica y, más tarde, obtuvo una maestría doble en Clarinete y Dirección de Bandas en Truman State University (USA).

Laboró como profesor de cursos teóricos, clarinete, y ha sido director de bandas en las escuelas municipales de música de Cartago y Paraíso. Víquez ha sido miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, la Orquesta Municipal de Cartago, la Southeast Iowa Symphony y la Orquesta Sinfónica de Heredia, en la cual se desempeñó como clarinetista principal en varias de sus producciones discográficas y participó como solista invitado para las temporadas 2012 y 2013.

Internacionalmente, Víquez ha brindado recitales y conciertos en Colombia, Guatemala, Honduras, Panamá y los Estados Unidos, entre otros países. Ha sido ganador del Robert Fountain Memorial Award, la Truman Gold Medal Concerto Competition, la MissourI MMTA State Competition, la Medalla de Oro Truman 2013, el Premio Memorial de la Fuente Robert 2014, y recibió el Premio al mejor director en la Competencia Nacional de Banda de Costa Rica (2011), y en la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de Costa Rica, la Medalla de Honor en 2009, entre otros galardones.

Madurez profesional de un joven músico con profusa trayectoria

Luis Adolfo Víquez disfruta de una carrera que demuestra gran versatilidad, tanto como clarinetista solo, como orquestal, de  ópera y como director de banda de vientos. El Dr. Víquez se unió a la Facultad de Música de la Universidad de Dakota del Sur (USD) en 2016, como director de actividades orquestales y profesor asistente de clarinete, donde también supervisa el programa de posgrado en dirección de orquesta, y realiza la producción anual de ópera.

También se ha desempeñado como director de la Banda de Conciertos de la Universidad de Dakota del Sur, y ha impartido cursos de orquestación, literatura musical instrumental, teoría musical y habilidades auditivas. Se presenta con la South Dakota Chamber Winds y con Víquez-Wadley Dúo.

El Dr. Víquez ha actuado y dirigido extensamente a lo largo y ancho de los Estados Unidos, Costa Rica, Inglaterra, Panamá, Colombia, Guatemala, Honduras y Taiwán. Como director invitado, ha dirigido las orquestas del Conservatorio de Música y Danza de la Universidad de Missouri, la Orquesta Sinfónica de Cartago (Costa Rica), el Ensamble de Cámara del Medio Oeste de Kansas City, la Banda Sinfónica Nacional  de Cartago (Costa Rica), la Banda de Conciertos de Heredia (Costa Rica), la Orquesta Sinfónica de Truman, la Sinfonía de Viento y Banda de Conciertos de la Universidad Estatal Truman, la Banda Nacional de Conciertos de Puntarenas (Costa Rica) y la Banda Sinfónica Nacional de San José, Costa Rica.

Apariciones en afamados montajes operísticos

Ha sido destacado conductor en la Conferencia de la Asociación Nacional de Maestros de Música 2013 en Anaheim, California y, asimismo, actuó como solista invitado en la Conferencia de Educadores de Música de Missouri 2016, y como artista invitado en la Conferencia Nacional de Compositores NACUSA 2016 en Knoxville, estado de Tennessee. Las apariciones en ópera incluyen The Old Maid and the Thief, de G. Menotti, con el Truman Opera Theatre, en 2013; Die Zauberflote, de W.A. Mozart; The Turn the Screw, de B. Britten, con el UMKC Opera Theatre, en 2015 y 2016; en  Die Fledermaus (El murciélago),  de R. Strauss, (2017), y en The Consul (2018) con la Ópera de la Universidad de Dakota del Sur, obra de G. Menotti,

Luis Víquez tiene una gran demanda como examinador  y juez, presentando talleres de conducción instrumental y clases magistrales de clarinete a nivel regional e internacional. Con frecuencia aparece como clínico y director honorario con las orquestas nacionales y la Dirección Nacional de Bandas del Ministerio de Cultura de Costa Rica, y el Conservatorio Nacional de Música de Honduras. Viquez ha sido el clarinetista principal de la Orquesta Sinfónica de Heredia (Costa Rica), habiendo grabado en cuatro de sus producciones discográficas, y ha sido presentado como solista invitado para la temporada 2012 con el Concierto Clarinet K. 622, de Mozart. En 2013, fue invitado nuevamente a presentar un concierto de relanzamiento del primer concierto de viento jamás escrito en Costa Rica: el Concierto para clarinete y orquesta, de Benjamín Gutiérrez. En 2009, fue seleccionado como el clarinetista principal de la Orquesta de Viento Juvenil Latinoamericana (Manizales, Colombia), y fue uno de los cuatro músicos latinoamericanos  seleccionados para actuar en la World Youth Wind Orchestra (2011-Ciudad de Chiayi, Taiwán).

Labores desempeñadas antes de llegar a los Estados Unidos

Publicaciones académicas en prestigiosos medios

Antes de llegar a los Estados Unidos, Luis Víquez se desempeñó como profesor de música en las escuelas municipales de música de Cartago y Paraíso, y actuó como clarinetista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica y de la Orquesta Municipal de Cartago. Como académico, ha publicado artículos, tanto en inglés como en español, sobre procedimientos de ensayo de música instrumental, pedagogía de clarinete y repertorio sinfónico latinoamericano en la Asociación de Directores de Orquesta del Journal of the College, la Revista WASBE World, la Revista Electrónica «La Retreta «, la Revista Educación de la Universidad de Costa Rica, y la Revista de la Asociación Mundial de Bandas Sinfónicas y Conjuntos, y es coautor de un libro sobre el estilo musical del compositor costarricense Benjamín Gutiérrez, publicado por la Editorial de la Universidad de Costa Rica (EUCR), en marzo de 2016.

Apreciables atestados de un inquieto músico

Tiene títulos de la Universidad de Costa Rica (BM Clarinet Performance), la Universidad Estatal Truman (MA Clarinet Performance – MA Wind Band Conducting), el Conservatorio de Música y Danza de la Universidad de Missouri-Kansas City ( DMA en dirección de orquesta y ópera), y ha completado estudios superiores en dirección en el Royal Northern College of Music en Manchester, Reino Unido.

MÚSICOS
Músicos participantes en el IV programa «Costa Rica desde afuera»

Director Invitado: Luis Adolfo Víquez

 

Violín Erasmo Solerti
Violín II Johan Chapellin
Viola Samuel Ramírez
Violoncello Olman Ramírez
Contrabajo Jose Pablo Solís
Flauta Mario Velazco
Clarinete Sergio Delgado
Oboe Roslyn Cerdas
Fagot María de Jesús Fernández
Saxofón soprano y alto Mónica Leandro Murillo
Saxofón tenor y barítono Israel Castro
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Enrique Lizano
Corno Mauricio Villalobos
Piano Sharon Villegas
Soprano Marcela Alfaro
Percusión Andrés Barboza
Percusión Dennis Arce
V Programa 2018

V Programa 2018

OSH | 2018 – LATITUDES SONORAS

V PROGRAMA
Eddie Mora | Director titular
28 de julio, 8:00 pm | Parroquia Nuestra Señora Inmaculada de Heredia
29 de julio, 11:00 am |  Teatro Eugene O´Neill

  • Giya Kancheli (1935 | Georgia)
    V&V para violín, tape y cuerdas*
    Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)
  • Shigeru Umebayashi (1951 | Japón)
    In the mood for love
  • Takashi Yoshimatsu (1953 | Japón)
    And the birds are still…
  • Eddie Mora (1955 | Costa Rica)
    Ritual urbano
    Solistas: Ensamble de percusión UNED

*Estreno nacional 

NOTAS AL PROGRAMA

OSH | 2018 – Latitudes Sonoras

V PROGRAMA


Eddie Mora | Director titular
28 de julio, 8:00 pm | Parroquia Inmaculada Concepción de Heredia
29 de julio, 11:00 am |  Teatro Eugene O´Neill

  • Giya Kancheli (1935 | Georgia)
    V&V para violín, tape y cuerdas* (1994)
    Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)
  • Shigeru Umebayashi (1951 | Japón)
    In the mood for love (Música de película: In the Mood for Love, dir. Wong Kar-wai)
  • Takashi Yoshimatsu (1953 | Japón)
    And the birds are still. Opus 72 / Adagio
  • Eddie Mora (1955 | Costa Rica)
    Ritual urbano
    Solistas: Ensamble de percusión UNED

*Estreno nacional

Giya Kancheli (1935 | Georgia)
V&V para violín, cinta y cuerdas* (1994)
Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)

Reconocido por su música incidental y sinfónica

Giya Kancheli nace en Tiflis, Georgia, el 10 de agosto de 1935. Actualmente, reside en Bélgica. Realiza sus estudios entre 1959 y 1963 en el Conservatorio Nacional de Georgia, en la ciudad de Tiflis. En su país natal adquiere reconocida fama por su música incidental para teatro. De hecho, en 1971, se convierte en director musical del Teatro Rustaveli de la capital. En 1976 recibe un premio nacional por su Cuarta Sinfonía, que se estrena en enero de 1978 en los Estados Unidos, por Yuri Temirkánov y la Orquesta de Filadelfia. A partir de ese momento, sus obras son interpretadas por músicos de la talla de Gidon Kremer, Mstislav Rostropovich, Dennis Russell Davies, Jansug Kakhidze, Yuri Bachmet, Kim Kashkashian y el Kronos Quartet.

Desde 1991 Kancheli ha vivido en Europa Occidental: primero en Berlín, y desde 1995 en Amberes, Bélgica, donde fue compositor residente de la Royal Flemish Philharmonic. Kancheli ha compuesto la música de más de cincuenta películas, la mayoría de la época soviética, y es precisamente a esas obras que debe la gran fama de que goza en su patria y en Rusia. Compone la primera de sus siete sinfonías en 1967.

Kancheli: estilo simple, más bien, minimalista

Su obra es a menudo tonal, simple, a veces, inclusive, minimalista, con influencias de compositores modernos como Béla Bartók. Conocido principalmente por sus siete sinfonías, ha compuesto también diversas obras para orquesta, una ópera y música de cámara.

Primeras cinco películas a las que les compuso la banda sonora

  • 1964 — Children of the sea
  • 1965 — Gold (Animated film)
  • 1967 — Melancholy romance
  • 1968 — Extraordinary Exhibition
  • 1968 — Don’t Grieve

Hasta 2012, últimas cinco bandas sonoras

  • 2004 — National Bomb
  • 2009 — Happiness
  • 2010 — Felicita
  • 2010 — After the mountains
  • 2012 — Ku! Kin-dza-dza (Animated film)

 Obras tempranas

  • Concierto para orquesta (1961)
  • Quinteto de vientos de madera (1961)
  • Largo y Allegro (1963)
  • Sinfonía n.° 1 (1967)

 Música orquestal  /  Sinfonías

  • Sinfonía n.° 2, “Canciones” (1970)
  • Sinfonía n.° 3 (1973)
  • Sinfonía n.° 4, “A la memoria de Miguel Ángel” (Michelangelo) (1974)
  • Sinfonía n.° 5, “A la memoria de mis padres«(1977)
  • Sinfonía n.° 6 (1978–1980)
  • Sinfonía n.° 7, “Epilogo” (1986)

Otras obras orquestales

  • Otro paso… (Noch Einen Schritt…)(1992)
  • Magnum Ignotum (1994)
  • V & V (1995)
  • Vals Boston (1996)
  • Sio (1998)
  • Rokwa (1999)
  • Ergo (2000)
  • Zona de guerra (2002)
  • Crepúsculo (2004)
  • Oración silenciosa (2007)
  • Mu.Zu (I don’t know, 2015)

Música de cámara

  • Oraciones matutinas para orquesta de cámara y cinta (1990; primer trabajo de un ciclo en cuatro partes, titulado Una vida sin navidad)
  • Oraciones del mediodía para soprano clarinete y orquesta de cámara. (1990; segundo trabajo de un ciclo de en cuatro partes, titulado Una vida sin Navidad)
  • Oraciones nocturnas para cuarteto de cuerdas (1992–1995; cuarto trabajo de un ciclo en cuatro partes, titulado Una vida sin Navidad)
  • Vals Bostonpara piano y cuerdas (1996)
  • En lugar de un tango para violín, bandoneón, piano y contrabajo (1996)
  • Siopara cuerdas, piano y percusión (1998)
  • Quinteto para vientos de madera (flauta, oboe, clarinete, corno y fagot ) (2013)

Música coral y ópera

  • Música para la vida, ópera en dos actos (1982–1984)
  • Luz de melancolía, música para orquesta, coro infantil y dos niños sopranos (40 aniversario de la victoria sobre el fascismo ) (1984)
  • Salmo 23 para soprano y orquesta de cámara (1993)
  • Styx para viola, coro mixto y orquesta (1999)
  • «Dixi» para coro mixto y orquesta (2009)

 

Shigeru Umebayashi (1951 | Japón)
In the mood for love (Con ánimo para amar o Deseando amar)
Música de película, dirigida por  Wong Kar-wai

Del concierto rockero a las salas de cine

Shigeru Umebayashi es un destacado compositor japonés, nacido el 19 de febrero de 1951, en Kitakyushu, Fukuoka. Fue el líder de la famosa banda japonesa de rock new-wave EX. Cuando se disolvió la banda en 1985, empezó a escribir música para el cine. En ese mismo año recibió varios premios musicales por Sorekara y Tomoyo Shizukani Nemure, como el Music Award en Maiichi Film Contest, el Japanese Academic Music Award, así como otros premios en los Festivales de Cine de Yokohama y Osaka.

Hasta el momento, ha compuesto más de cuarenta bandas sonoras japonesas y chinas, siendo quizá más conocido en occidente por su colaboración con directores como Wong Kar-wai, In the Mood for Love (2001), 2046 (2004), My Blueberry Nights (2007); y Zhang Yimou, House of Flying Daggers (La casa de las dagas voladoras-2004). Shigeru Umebayashi es también el compositor de la música del primer musical serbio, Charleston & Vendetta (2008).

Música para el sétimo arte

1984: Itsuka Darekaga Korosareru
1985: Tomoyo Shizukani NemureSorekara
1986: SorobanzukuShinshi Domei
1987: Kyohu no Yacchan
1988; Getting Blue in Color
1990: Hong Kong ParadiseTekken
1991: YumejiOteGoaisatsu
1992: Arihureta Ai ni Kansuru ChosaByoin he Iko 2 Yamai ha KikaraNemuranai Machi Shinjuku Zame
1994: Izakaya Yurei
1995; Zero Woman – Boxer JoeKitanai YatsuHashirana Akan Yoake MadeThe Christ of Nanjing
1996: Shin Gokudo KishaIzakaya Yurei 2
1997: Ichigo DomeiIsana no UmiWatashitachi ga Sukidatta KotoG4 Option Zero
1998: FuyajoBelle Epoch
2000: 2000 A.D.ShojoIn the Mood for Love (Deseando amar)
2001: Midnight FlyHikari no AmeOnmyoji
2003: Onmyoji IIFloating Land Scape
2004: House of Flying Daggers (La casa de las dagas voladoras)2046Hibi
2006: FearlessDaisyMare NeroCurse of the Golden Flower (La maldición de la flor dorada)
2007: Hannibal, el origen del malThe World UnseenMy Blueberry Nights
2008: A Simple Love StoryCharleston & VendettaAbsurdistanIncendiaryReal Shaolin
2009: A Single Man
2015: La novia

Takashi Yoshimatsu (1953 | Japón)
And the birds are still. Opus 72 / Adagio
Solista: Erasmo Solerti (Costa Rica)

 Autodidacta amante de la música de Pink Floyd

Takashi Yoshimatsu nace el 18 de marzo de 1953. Compositor japonés de música clásica contemporánea. Actualmente, es mejor conocido por crear la música para la nueva versión del animado japonés Astroboy. Nació en Tokio, Japón. Como Tōru Takemitsu, no recibió educación formal en la música, así que se le considera un compositor autodidacta. Dejó la Facultad de Tecnología de la Universidad de Keiō, en 1972, para unirse a una banda de amateurs llamada «NOA» como tecladista, periodo en el cual emulaba la música de Pink Floyd. Para entonces, se interesaba mucho en el jazz, en el rock progresivo, y en las nuevas posibilidades musicales abiertas, gracias a la música electrónica.

Se decanta por la música académica con sonidos jazzísticos y rockeros

Fue un fan de los Walker Brothers y los Ventures cuando tenía trece años, pero las sinfonías de Beethoven y Chaikovski lo fascinaron a los catorce. Desde entonces, empezó a componer piezas clásica hasta hacer su renombre con la obra serialista Threnody for Toki, en el año 1981. Poco tiempo después, se desencantó por la música atonal, y entonces empezó a componer en un estilo neorromántico libre con fuertes influencias del jazz, del rock y de la música clásica japonesa.

Hasta el 2004, Yoshimatsu había compuesto cinco sinfonías, cinco conciertos (uno para cada uno de estos instrumentos: piano, violoncelo, guitarra, trombón y saxofón), algunas sonatas, y algunas piezas más cortas para ensambles u orquestas de todo tipo. Sus suites Atom Hearts Club para orquesta de cuerdas, hacen un homenaje explícito a Los Beatles, Pink Floyd y Emerson, Lake and Palmer.

Algunas composiciones de Takashi Yoshimatsu

  • Threnody to Toki para piano y orquesta de cuerdas, opus12
  • Chikap para orquesta (1981 rev.2003) Opus 14a
  • Concierto para guitarra, «Pegasus Effect», opus 21 (1993)
  • La era de las aves para orquesta, opus 25 (1986)
  • Sinfonía n.°1 ,»Kamui-Chikap», opus 40 (1988-1990)
  • Sinfonía n.°2, «At terra» , opus 43 (1991)
  • Concierto para trombón, «Orion Machine» , opus 55 (1993)
  • Concierto para saxofón, «Cyber-Bird», opus 59 (1994)
  • Oda a las aves y al arcoíris, opus 60 (1994)
  • Concierto para piano «Memo-Flora«, opus 67
  • Atom Hearts Club-Suite para orquesta de cuerdas, °.1, opus 70a (1997-2000)
  • Sinfonía n.°3, opus75 (1998)
  • Atom Hearts Club -Suite para orquesta de cuerdas,°.2, opus 79a (1999-2000)
  • Sinfonía n.°4, opus 82 (2000)
  • Preludio a la celebración de las aves, opus 83 (2000)
  • Sinfonía n.°5, opus 87 (2001)
  • Concierto para violoncelo, «Centaurus Unit» , opus 91 (2003)

 

Eddie Mora (1965 | Costa Rica)
Ritual urbano
Solistas: Ensamble de percusión UNED

Lauros y producciones señeras de un maestro

El compositor y director de orquesta, Eddie Mora Bermúdez, es uno de los músicos más activos y relevantes de Latinoamérica. Ganador del Grammy Latino 2017 como director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en la categoría “Mejor Álbum de Música Clásica“. Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), con la cual ha grabado varios discos compactos: Ecos del silencio (2018), Fuego (2016), Abstracto (2016), Voces (2015), Heredia (2014), Tiempos (2013), Rompiendo moldes (2012), Retratos (2012) y Caminos (2011).

Director Residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en el período  2014 – 2015. Con esta agrupación sinfónica grabó Música de compositores costarricenses – Vol. I  y Vol. II – producciones nominadas a los Grammy Latino 2014 y 2016 como mejor álbum de música clásica. Con el segundo obtuvo el premio en dicha categoría. Se suma a esta colección el álbum doble Benjamín Gutiérrez, su música.

Miembro de Número del Colegio de Compositores de Música de Arte, fundador del Instituto de Investigaciones en Arte (IIARTE) en la Facultad de Bellas Artes y del Seminario de Composición Musical (SCM) en la Escuela de Artes Musicales, en donde ejerce la docencia. Se desempeñó como Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica (2007 – 2015).

Como compositor, ha sido reconocido en varias ocasiones con el Premio Nacional en Composición Aquileo J. Echeverría, Premio ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) de Costa Rica y Premio Musical Áncora (La Nación).

Festivales y producción discográfica

Mora ha participado en diferentes festivales de música contemporánea, entre ellos el V Festival Leo Brouwer, el Otoño Moscovita en Rusia, el Festival de la Habana, el I Taller Latinoamericano de Composición (UNEAC–Casa de las Américas/ Cuba), invitado especial del XXXI Foro de Música Nueva–Manuel Enríquez en México, el CDMC en Madrid, el Festival Latinoamericano de Música en Venezuela, I Congreso Puertorriqueño de Creación Musical, en la Fiesta Iberoamericana de las Artes (Puerto Rico) y en el V Festival de Música Contemporánea de Morelia.

Parte de su obra ha sido publicada por la Editorial Periferia (Barcelona–España), la Revista Casa de las Américas (Cuba) y la Editorial de la Universidad de Costa Rica. Varios discos compactos compilan parte de su catálogo, en donde se registran algunas de sus obras más tempranas hasta las escritas recientemente. Estos son: Plegaria (2016), Desde la tierra que habito (2015), Bosque adentro (2014), Mujeres (2012), Cuartetos de cuerda (2012), Premieres (2010), Música de cámara (2009), Música incidental (2008), Música para cuerdas (2007), Música de Eddie Mora (2001), Diálogos (1998), así como un DVD con la producción interdisciplinaria Amighetti, en donde dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.

En el 2009, grabó con la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa una de sus obras para el proyecto discográfico del sello español Verso, que editó en 2010 con un disco monográfico titulado Eddie Mora–Música de Cámara. En el 2012, el sello discográfico Quartz Music de Inglaterra publicó un segundo disco monográfico, con sus tres cuartetos de cuerda interpretados por el Cuarteto latinoamericano, Sula´ con la Orquesta Sinfónica de Heredia y Bocetos a Yolanda con el Ensamble Contemporáneo Universitario.

En fin, su catálogo reúne obras para el formato sinfónico, de cámara, instrumental solo e incidental. Algunas de sus composiciones han sido comisionadas por la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica y otros eminentes ensambles dentro y fuera del país.

Eddie Mora en el podio  y batuta en mano

En calidad de director ha participado con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa (Moscú), la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA), la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG) y la Orquesta Sinfónica de Oaxaca (OSO- México).

En la actualidad es director titular de la Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), proyecto musical único en la zona, el cual dedica su programación a la música escrita en los siglos XX y XXI, otorgando un especial énfasis a la creación musical latinoamericana. También ejerce la docencia en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.

Eddie Mora es graduado del Conservatorio Chaikovski de Moscú, y oriundo de Desamparados  (S.J., C.R). Inició sus estudios musicales en el Conservatorio de Castella y en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.

Ritual Urbano (2016)

Ritual urbano fue concebida en el año 2016, especialmente escrita para ser estrenada por el Ensamble de Percusión UNED y la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en el marco del XI concierto de la temporada.

Eddie Mora, compositor de la obra, se refiere a la estructura y sentido de Ritual urbano.

Aspectos estructurales de la obra. La conformación de la orquesta tiene a cuatro solistas de percusión y bajo eléctrico, que son acompañados de forma activa por el piano, el arpa y la sección de cuerdas.

Escrita en un solo movimiento, la pieza se divide en seis secciones, fácilmente reconocibles, que se distribuyen de la siguiente manera: A | B | C | B1 | D | A1

Las secciones A y A1 forman un arco en la totalidad de la obra, ya que se desarrollan lentamente. Los eventos musicales aparecen y desaparecen con claridad en el contexto de la obra como prólogo y epílogo.

B y B1 son fracciones rápidas, que se definen en un carácter brioso por medio del ritmo y de los compases irregulares. Las dos partes comparten material temático.

Lo que podría considerarse como el desarrollo de la obra se concentra en la sección C, que incorpora una mayor cantidad de instrumentos afrocaribeños, y que en su esencia rítmica, dan mucho más peso al cuerpo orquestal. En este momento, la obra toma más velocidad y contrapone varias capas sonoras. Es aquí, cuando aparece un momento para improvisar, culminando con un solo de timbales que nos devuelve al estado anímico de B1.

Resta solo ubicar en este mapa musical la sección D. La principal función de esta parte es la conducirnos hacia el final de la obra, empujando el material sonoro con fuerza y perseverancia.

El sentido del opus, según Mora

El nombre de la pieza Ritual urbano retrata mi intención como compositor en este opus. Es un paseo nocturno por San José de noche, que inicia a las 11 p.m. y termina con las primeras luces de la madrugada. Los momentos más oscuros de la noche son los más bulliciosos, alegres a veces, un tanto sórdidos por instantes. El caos nocturno está en la sección central de la pieza, precisamente, donde los músicos improvisan sobre un material nada complaciente.

www.eddiemora.com

ENSAMBLE DE PERCUSIÓN COSTA RICA-UNED
Universidad Estatal a Distancia

Premio Nacional de Música 2009 – Mejor grupo de cámara

El Ensamble de percusión Costa Rica-UNED es una de las agrupaciones más importantes de música de cámara en Costa Rica. Desde su fundación en 1993 por el maestro Bismarck Fernández, ha tenido como objetivo desarrollar un lenguaje de composición e interpretación nunca explorado por ningún otro ensamble similar en Latinoamérica.

El Ensamble se ha presentado en las más prestigiosas salas del país. Cabe destacar su participación en la celebración del centenario del Teatro Nacional, máximo coliseo de la cultura costarricense.

Dentro de sus logros está la realización del disco compacto Marimbando, que contiene exclusivamente, música de compositores costarricenses, y el cual, en el año 2001 recibió, por parte de la Asociación de Compositores  de Costa Rica, el Premio Nacional de Música Alternativa y, asimismo, el Premio a la Mejor Producción del Año.

A escala internacional, se ha presentado en el Palacio de Linares en Madrid, España (1993); y en el festival Somos Latinoamericanos, en Santiago de Chile (1997), donde obtuvo excelentes críticas. Por tal motivo, fue necesario llevar al grupo fuera del marco del festival, al prestigioso Teatro de la Universidad de Chile.

En marzo del año 2002, el Ensamble realizó un concierto en la ciudad de Ámsterdam, Holanda, dentro de la celebración del 150 aniversario de las relaciones diplomáticas entre Costa Rica y los países bajos. Además, entre el 24 de mayo y el 7 de junio del mismo año, representó a Costa Rica en el Seoul Drum Festival en Corea, evento oficial de FIFA, con motivo de la realización del Campeonato Mundial de Fútbol.

En 2005 fue el grupo escogido para participar junto con la Orquesta Sinfónica Nacional en la gira por Japón, donde cosecharon apreciables conceptos del público japonés. Desde el año 2008, es el grupo residente de la Universidad Estatal a Distancia (UNED), institución con la que organizó el primer Festival Internacional de Ensambles de Percusión con grupos participantes de la Universidad de Minessota, Universidad del Norte de Illinois y el Conservatorio Simón Bolívar de Venezuela.

Asimismo, el Ensamble fue invitado como el único grupo internacional para cerrar el Festival “Bogotá cada vez más clásica” en Colombia, en el 2006. En enero del 2010, la agrupación recibió el Premio Nacional de Música, otorgado por el Ministerio de Cultura y Juventud como máximo galardón del gobierno costarricense. Este premio fue compartido. También en el 2010, el Ensamble participó en el Festival Internacional de Marimba, organizado por la Universidad de Minessota, en las ciudades de Minessota y Saint Paul.

El ensamble universitario cuenta con seis miembros, todos profesionales de gran experiencia en el ámbito musical, dentro de los cuales se encuentran cuatro miembros de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Dada la versatilidad de sus integrantes, dentro de su repertorio cuenta con obras para percusión clásica, música latinoamericana, jazz y música costarricense.

Adscrito al Programa de Promoción Cultural y Recreativa, de la Dirección de Extensión Universitaria, Ensamble de Percusión Costa Rica-UNED está conformado por Marco Antonio “Chiqui” Ortiz Monestel, William Esteban Ramos Calvo, Bismarck Fernández Velásquez, Ricardo Hernández Velásquez, Alejandro Molina Salas y Ricardo Alvarado Hernández.

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SOLISTA EN EL VIOLÍN

Erasmo Solerti

Nacido en la Fábrica de Sueños, formado en el Campus Rodrigo Facio

Erasmo Solerti nació en San José, Costa Rica, en 1981. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio de Castella. Posteriormente, cursa estudios en la Escuela de Artes Musicales de la UCR. En el 2004, obtuvo su título de Licenciado en Música con énfasis en Violín, bajo la tutela del maestro Eddie Mora.

Joven violinista de gran proyección nacional e internacional. En diciembre de 2007, estrenó en Cornell University, de la ciudad de Nueva York,  la obra Silencio V para violín solista, ensamble de vientos y percusión, del compositor Eddie Mora, bajo la dirección de Cynthia Johnston y con el acompañamiento del CU Winds.

En varias ocasiones se ha distinguido como alumno de honor de Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, y fue ganador del Concurso Jóvenes Solistas 2003 de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN). Solerti fue alumno becado por tres años de la Youth Symphony Orchestra of the Americas(YOA), con la cual participó en las giras internacionales Suramérica 2005, Europa 2006 y Suramérica en 2008.

Bajo la batuta de Abbado, Dudamel, Domingo, entre otros maestros
Miembro de varias orquestas, docente y productor radial

 Ha tenido oportunidad de tocar bajo la batuta de renombrados directores como Claudio Abbado, Ricardo del Carmen, Plácido Domingo, Gustavo Dudamel, Ferenc Gabor, Laszto Heltay, Irwin Hoffman, Isaac Karabtchevski, Chosei Komatsu, John Nelson, Carlos Prieto, Benjamin Sander y Barbara Scowcoft. Ha tocado en clases magistrales para violinistas como Saúl Bitrán, Zahar Bron, Agustín Cullel, Jan Dobrzelewski, Gela Dubrova, Dylana Jenson, Yair Kless, Leon Spierer y Ludmila Vernigora.

Activo miembro y solista de las orquestas del Conservatorio de Castella, Universidad de Costa Rica, Orquesta Sinfónica Juvenil y la Orquesta Sinfónica Nacional, y se desempeñó por tres años consecutivos como concertino de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Actualmente, se desempeña como profesor de violín y viola en la Escuela de Artes Musicales, y es el actual concertino de la Orquesta Municipal de Heredia. En Radio Universidad de Costa Rica produce el programa En primera fila y un segmento en el que caracteriza y explica la historia de ciertos instrumentos musicales.

MÚSICOS
Músicos participantes en el V programa «Ritual Sonoro»

Director Titular: Eddie Mora

 

Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Johan Chapellín
Violín I Mauricio Campos
Violín l Carlos Vargas
Violín I Leonardo Perucci
Violin I Andrés Corrales
Violín I Guillermo Salas
Violín II Mariana Salas
Violín II Cristian Cruz
Violín II Azeneth Loáisiga
Violín II Andrés Mendieta
Violin II Róger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violín II Jeremías Fajardo
Violín II Kevin Henríquez
Violas Samuel Ramirez
Violas Marisel Méndez
Violas Esteban Madriz
Violas Luisana Padilla
Violas Mario Sequeira
Violas Elisa Hernández
Violas Andrei Montero
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Beatriz Melendez
Violoncellos Gerald Mora
Violoncellos Ileana Rogel
Violoncellos Guillermo Quirós
Violoncellos Gabriel Solano
Contrabajos Jose Pablo Solís
Contrabajos Pedro García
Contrabajos Jose Saavedra
Contrabajos Alberto Moreno
Piano Carolina Ramírez
Arpa Mariela Flores
Percusión UNED Alejandro Molina Salas
Percusión UNED William Esteban Ramos Calvo
Percusión UNED Ricardo Alvarado Hernández
Percusión UNED Ricardo Hernández Velásquez
Percusión UNED Bismarck Fernández Vázquez
Bajo electrico Marco Antonio Ortiz Monestel
VI Programa 2018

VI Programa 2018

OSH | 2018 – LATITUDES SONORAS

VI PROGRAMA
Eddie Mora | Director titular
15  de diciembre, 8:00 pm | Parroquia Nuestra Señora Inmaculada de Heredia
16 de diciembre, 11:00 am | Teatro Eugene O´Neill

Repertorio

  1. Igor Stravinski (1882-1971 |Rusia)

Petrushka, música de ballet

  1. Las melodías heredianas para marimba y orquesta

(Arreglo musical de Vladislav Soifer) 

  1. Música de salón del siglo XX 

(Arreglo musical de Vladislav Soifer)

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

PROGRAMA  |  COMPOSITORES Y OBRAS 

  1. Igor Stravinski (1882-1971 |Rusia)

Petrushka, música de ballet 

POLITONALISMO, RITMO ABRUPTO Y AGRESIVA ORQUESTACIÓN

Cabeza de un nuevo estilo musical 

Igor Fiódorovich Stravinski nace en Rusia, en 1882, y fallece en Nueva York, EE.UU., en 1971.  Nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinski, La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos. 

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913, Stravinski se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX. 

Con El pájaro de fuego inicia su vuelo de colorido musical 

Alumno de Nikolái Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinski, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental. 

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. 

Su estilo experimentó, entonces, un giro que desconcertó a sus propios seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio a conocer un nuevo ballet, Pulcinella, recreación, a primera vista respetuosa, de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista Pergolesi. 

Neoclasicismo como relectura de elementos musicales del pasado 

Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados, como Bach (Concierto en re), Chaikovski (El beso del hada), Händel (Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino), y con obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète.

En ellas, Stravinski abandonó las armonías disonantes y la brillante orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más severo y objetivo -el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos-, estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su aproximación al pasado. 

Igor Stravisnki dodecafónico

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinski volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque, eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrumThreniMonumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Nueva York, Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia. 

ACERCA DE PETRUSHKA

Estreno, orquestación y compañía de ballet 

Igor Stravinski compuso Petrushka entre agosto de 1910 y el 26 de mayo de 1911. La primera interpretación del ballet se realizó por medio de los Ballets Rusos de Serguéi Diaghilev, en el Teatro del Châtelet, bajo la dirección de Pierre Monteux, en París, el 13 de junio de 1911. Stravisnki hizo una simplificación a la orquestación en 1946; no obstante, la partitura que se interpreta por estos días es la original de 1911. Esta primera consiste en cuatro flautas traversas y dos piccolos, cuatro oboes y cuatro cornos ingleses, cuatro clarinetes y cuatro clarinetes bajos, cuatro fagotes y cuatro contrafagotes, cuatro cornos franceses, cuatro trompetas, tres trombones y una tuba, timbales, triángulo, platillos, bombo, pandereta, redoblante, gong, celesta, xilófono, dos arpas, piano y cuerdas. El tiempo de interpretación es de aproximadamente treinta y cuatro minutos.   

ANTECEDENTES DE LA COMPOSICIÓN 

El pájaro de fuego fue para Stravinski su primer gran éxito, haciéndolo famoso. Casi literalmente en una sola noche, a la edad de veintiocho años.  Petrushka es la más difícil de las creaciones artísticas posteriores. El pájaro de fuego no solo hace a Stravinski estar en boca de París, por entonces, la capital mundial del arte, ya que, capturó la atención de grandes figuras en la gran ciudad, tal es el caso de Debussy y Proust, y tuvo gran reacción en Sergéi Diaghilev, quien tomó el riesgo de contratar al joven, un compositor relativamente desconocido para escribir la música de los Ballets Rusos en la temporada de 1910. Naturalmente, ambos caballeros iban en busca de nuevas sensaciones para el siguiente año.   

Stravinski ya tenía una idea. Después de que finalizó la orquestación de El pájaro de fuego, soñó con un solemne ritual pagano: ancianos sabios, sentados en círculo, mirando a una chica danzando su propia danza de la muerte. Ellos están sacrificándola para sosegar al dios de la primavera. Estas poderosas imágenes sugirieron la música a Stravinski, y casi de inmediato realizó un boceto (manuscrito) de la obra. Desde sus inicios, la mayor parte de la música iniciática de Stravisnki fue inspirada por imágenes visuales. En un inicio, pensó esto como una sinfonía, pero cuando tocó partes en el piano para Diaghilev al inicio del verano, el empresario supo inmediatamente que esta era música para danza. Con Diaghilev apresurándolo, el compositor continuó trabajando en la partitura que, eventualmente, llegaría a ser la sensación más grande: La consagración de la primavera (La consagración de la primavera). Sin embargo, mientras tanto, Stravinski se apartó.   

Cuando Diaghhilev visitó a Stravinski en Suiza, hacia el final del verano, quedó estupefacto al descubrir que el compositor había iniciado, en cambio, un trabajo completamente diferente. Como Stravinski recordó, Diaghilev quedó atónito cuando, distinto a lo que esperaba, escuchó los bosquejos de La consagración de la primavera; le toqué la pieza que justamente componía y que, más tarde, llegaría a ser la escena segunda de Petrushka

Para la segunda mitad del año, uno de los hitos en las partituras de Stravinski había comenzado, no como una música para danza, sino como una partitura sinfónica abstracta sin título. Pero a diferencia de La consagración de la primavera, Petrushka fue llevada como bocetos en escena sin interrupciones severas. Lo que comenzó como un desvío de La consagración de la primavera, ahora se convierte en el proyecto principal del año, y al mismo tiempo, en la partitura con que Stravinski halló su voz modernista, la voz que hizo posible La consagración de la primavera.  Musicalmente, tiene un inicio suficiente como para mostrar inocencia, casi como una especie de calentamiento para La consagración de la primavera. «Encontré mi propio refrescamiento, dijo más tarde Stravinski, «por componer una pieza orquestal en la que el piano tocaría la parte más importante». La narrativa –guion- y el título llegan más tarde, a pesar de que el autor admitió que «componiendo la música tengo en mente distintas imágenes de una marioneta, de repente dotada de vida». (Petrushka es la versión rusa mitad humano de las marionetas Judy y Punch). 

Nota adicional: es lo que en el ámbito latino equivaldría a Pulcinella. 

Como con La consagración de la primavera, fue Diaghilev quien, inmediatamente, vio el deslumbrante potencial de la música de Stravinski para otro ballet clásico.   

[Diaghilev] estuvo muy satisfecho con el hecho de que no lo dejaría solo y empezó a persuadirme para desarrollar el tema de las marionetas sufrientes y hacerlo todo en un ballet.  Cuando él permaneció en Suiza trabajamos juntos las líneas generales del tema y el argumento de acuerdo con ideas que le sugerí…Comencé de una vez a componer la primera escena del ballet. 

Hubo algunos detalles por trabajar, incluyendo los honorarios de Stravinski (1000 rublos) y la selección del pintor Alexander Benois para que le diera brillo (belleza) el escenario y aportara el vestuario y los decorados. Michel Fokine pronto fue anunciado como el coreógrafo y Pierre Monteux contratado como el director de la premier. Con esta extraordinaria conformación del equipo, Stravinski y Diaghilev ya tuvieron la nómina del espectáculo, sobrepasando así el éxito de El pájaro de fuego.  Al margen de la brocha envenenada con nicotina en febrero de 1911, trabaja progresando sin contratiempos. Los bailarines y los músicos, ignorantes del terror de La consagración de la primavera, aún no más [viendo] un  montón de bosquejos, encontraron la complejidad de la partitura de Stravinski casi inmanejable. 

EXITOSO ESTRENO CON NIJINSKI

Guion escénico en cuatro secciones 

Sin embargo, la noche del estreno fue un gran triunfo, coronado por el brillante baile de Vaslav Nijinski en el rol principal. Impetuoso, atrevido, excitante y provocativo, Petrushka fue otro éxito nocturnal con el público. Por los siguientes dos años, hasta la legendaria premier de La consagración de la primavera encendió los escenarios parisinos con una refrescante controversia, Petrushka fue la última palabra en el modernismo musical. 

El argumento (guion) consta de cuatro escenas. La primera y la última se realizan en lugares públicos, tienen lugar en la Plaza del Palacio de San Petersburgo, en el año 1830; las de en medio (2 y 3) se escenifican en espacios privados y enfatizan en los caracteres individuales. Petrushka abre con una escena de una ocupada muchedumbre, un caleidoscópico panorama de bailarines callejeros, percusionistas, un mago tocando una flauta, un músico callejero con su zanfona (instrumento de cuerda pequeño de la familia de los cordófonos frotados) y tres marionetas: Petrushka, una bailarina y un moro. Stravinski mueve y mezcla los elementos como si fuera un moderno director de cine: pasajes musicales son cortados y pegados, patrones rítmicos son empujados uno contra otro. Finalmente, el solo de flauta encanta a las tres marionetas para darles vida y se unen en una brillante danza rusa. 

Las dos escenas de en medio (2 y 3) son más íntimas, dependen menos de la orquesta y construyen un nivel más modesto de importancia. En la primera de las escenas el foco recae en Petrushka, a solas en su habitación, reflexionando acerca de su grotesca apariencia y la desesperanza, debido a la incapacidad para ganar el amor de la bailarina. Esta es la música que Stravinski tocó primero a Diaghilev en el piano, que exaspera la paciencia de la orquesta con una diabólica cascada de arpegios. La orquesta contraataca con una amenazante ráfaga de trompetas. El resultado es un terrible ruido (algarabía sonora) que alcanza su clímax y termina con un triste y quejumbroso colapso de la pobre marioneta. 

Cuando comenzó (bosquejó) la primera escena de Petrushka, Stravinski fue poseído por la imagen de un músico rodando por las teclas blancas y negras del piano, con dos propósitos, que lo condujo a la idea de efectos bitonales hechos con la combinación de notas blancas en arpegios de do mayor, con notas negras en arpegios de fa mayor. Esta doble sonoridad domina la escena de Petrushka (la primera música que escribió) y mientras el trabajo progresaba, llegó a representar los dos lados conflictivos de su carácter (el de Petrushka), el humano versus la marioneta. En la escena del moro construye un romántico encuentro con la bailarina, ella entra con un deslumbrante solo de trompeta. Los amantes bailan valses “prestados”, sin que sea una evidente apología de Joseph Lanner, quien fuera amigo de Johann Strauss, padre. Son interrumpidos por el celoso Petrushka. El final es otra creciente escena de una muchedumbre. Caracterizada por una cálida variedad musical que se empuja una contra otra. Petrushka entra siendo perseguido por el Moro, quien lo ataca con su sable. Cae y la creciente multitud guarda silencio. Pero cuando llaman al mago, demuestra que Petrushka es meramente una marioneta (de trapo) rellena de aserrín. La plaza queda desierta. Entonces, el mago arrastra la marioneta, ve el fantasma de Petruska en el tejado del escenario (haciéndole el gesto de burla con el dedo pulgar en la nariz). Este, de acuerdo con Stravinski, es el Petrushka verdadero, y su aparente final, hace que juegue como el Petrushka anterior (muñeco o marioneta). 

Texto original en inglés de Phillip Huscher para la Orquesta Sinfónica de Chicago.   

  1. Varios Autores (Costa Rica)

Música de salón de Costa Rica (2015)

Años 20-siglo XX

Autores: desconocidos

Arreglo: Vladislav Soyfer (Rusia) 

ANTECEDENTES DE LA MÚSICA DE SALÓN EN COSTA RICA

Contexto económico, social y cultural 

La investigadora y profesora María Clara Vargas Cullel, de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, en su libro De las fanfarrias a las salas de conciertoMúsica en Costa Rica (1840-1940), edición del año 2004, señala respecto de la música de salón: 

Los cambios económicos y sociales que se habían iniciado en la década de 1840, tuvieron su expresión más evidente en los centros urbanos y, sobre todo, en la ciudad de San José, a finales del siglo XIX. Nuevos servicios, mejora en el sistema de transportes, así como la construcción de numerosos edificios, calles, parques, monumentos y barrios, fueron algunos de esos cambios que transformaron el orden urbano y arquitectónico de la ciudad. También un aumento considerable de centros de entretenimiento y de sociabilidad, tanto para los sectores populares como para la élite. Esta sociabilidad se promovió formalmente por medio de clubes, centros, sociedades artísticas, sociedades de beneficencia, sociedades de socorro mutuo e, informalmente, en actividades como veladas conciertos, representaciones escénicas, bailes, cenas, picnics, excursiones, paseos y actividades deportivas. Muchas de estas actividades se realizaron en espacios nuevos como los teatros, hoteles, restaurantes, los que cada vez fueron más numerosos- A medida que la sociabilidad se incrementó, la necesidad de música también aumentó. 

Las orquestas de salón

Función social en bailes y actividades sociales 

En el mismo libro, De las fanfarrias a las salas de conciertoMúsica en Costa Rica (1840-1940), María Clara Vargas, actual decana de la Facultad de Bellas Artes de la UCR, manifiesta en torno de las orquestas de salón: 

Desde mediados del siglo XIX, las bandas, grupos improvisados integrados mayoritariamente por miembros de las bandas, o simplemente un pianista, eran los encargados de amenizar bailes y otras actividades sociales que requerían apoyo musical. A finales de la década de 1880, debido al aumento de músicos, de las actividades sociales y a nuevas disposiciones gubernamentales que desanimaban a los músicos militares a participar en toques particulares, se empezaron a organizar nuevas agrupaciones musicales. Estos nuevos grupos, llamados “orquestas de salón”, tenían entre cinco y diez integrantes, aunque en ocasiones especiales, llegaron a tener hasta treinta músicos. Eran grupos con un director, y ofrecían sus servicios para amenizar bailes matrimonios, paseos, picnics, serenatas, almuerzos, cenas, fiestas campestres, fiestas deportivas y celebraciones religiosas. A diferencia de los grupos aficionados, los cuales tocaban para entretenerse, estos nuevos grupos lo hacían para complementar su salario de profesor de música o de músico de banda. 

  1. Varios Autores (Costa Rica)

Melodías Heredianas, para marimba y orquesta (2016)

Arreglo: Vladislav Soyfer (Rusia)

Solista: Dennis Arce Matamoros 

Reseña biográfica

Dennis Arce Matamoros | Marimbista 

Primeros pasos en la música 

Nacido en Costa Rica, Dennis Arce Matamoros se inicia en la música a la edad de siete años, y a los catorce en percusión. Estudió en el Instituto Nacional de Música, donde fue alumno de los profesores Alejandro Molina y Bismarck Fernández. Ha ido desarrollando una carrera como solista a través de los años, especialmente con la marimba. Fue ganador del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en los años 2011 y 2015. En el año 2017 tuvo la oportunidad de tocar como solista el Concierto para marimba y orquesta, del compositor costarricense Luis Diego Herra, en la gira centroamericana de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Costa Rica, bajo la batuta del reconocido director Irwin Hoffman, en países como Nicaragua, Honduras, Guatemala y El Salvador. Además, ha tenido la oportunidad de asistir a seminarios en Alemania, Bélgica, Holanda y Estados Unidos. Actualmente es profesor de percusión en el Instituto Nacional de Música de Costa Rica. 

Integrante de varias orquestas y un ensamble 

Como músico de ensamble ha tenido la oportunidad de tocar con la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Costa Rica y la Orquesta Sinfónica Municipal de Cartago. Actualmente es músico de la Orquesta Sinfónica de Heredia, proyecto que se destaca por la difusión e interpretación de música contemporánea, y de la Banda de Conciertos de San José, del Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ). Asimismo, forma parte del Ensamble Eco, encargado, también, de la difusión de la música contemporánea. En el año 2017 asiste al International Katarzyna Mycka Marimba Academy”, en Arcata, California. Dennis Arce ha recibido clases de actualización con Katarzyna Mycka, Marta Klimasara, Ludwig Albert, Olaf Tzchoppe, Pascal Pons, Sergio Quesada, Chris Hanning, John Kilkenny, Fernando Meza y Sergio Quesada. 

MÚSICOS
Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del I programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Artistas invitados:

  • Cuauhtémoc Rivera (violín I México)
  • Andreas Neufeld (violín I Alemania)
  • Yolanda Martínez (piano I Cuba)
  • Leonardo Gell (cémbalo, piano I Cuba)
Instrumento Nombre
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Caterina Tellini
Violín I Azeneth Lozaíga
Violín I Cristian Cruz
Violín I Johan Chapellín
Violín I Sara Miranda
Violín I Andrés Mendieta
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violín II Carlos Vargas
Violín II Andrés Corrales
Violín II Daniela Garner
Violín II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Amado Domínguez
Violas Mario Sequeira
Violas Luisana Padilla
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Violoncellos Olman Ramírez
Contrabajos Jose Pablo Solís
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos José Saavedra
Flauta Mario Velasco
oboe y corno inglés Roslyn Cerdas
Clarinete I Sergio Delgado
Clarinete II Daniel Porras
Contrafagot y Fagot Luis Diego Cruz
Corno francés Esteban Murillo
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Lizano
Tuba Andrés Porras
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Percusión Josué Jiménez
Percusión Dennis Arce
Piano Leo Gell
Órgano/ Celesta Kevin Sequeira
Cémbalo Yolanda Martínez
Bajo eléctrico Pedro García
Guitarra eléctrica  Alejandro Gómez
I Programa 2017

I Programa 2017

I Programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

I INTERNACIONAL FESTIVAL OSH  | COSTA RICA

I Programa

18 de febrero, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

19 de febrero 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Cuauhtémoc Rivera (violín | México), Andreas Neufeld (violín | Alemania), Yolanda Martínez (piano | Cuba)

Alfred Schnittke (Rusia | 1934 – 1998)

  • Concerto grosso N. 1**
  • Suite Gogol **

**estreno nacional

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

Dedicatoria al maestro Benjamín Gutiérrez

I programa | I Festival Internacional OSH

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

PROGRAMA DEDICADO A ALFRED SCHNITTKE

Genio arremetido desde su propia tierra

Alfred Gárievich Schnittke nació el 24 de noviembre de 1934 en Engels, en la República Germánica del Volga, en aquel tiempo una autonomía dentro de la Unión Soviética. El padre del compositor, Harry Schnittke, era un judío nacido en 1914 en Frankfurt. Se trasladó a la Unión Soviética en 1927, casándose después con Maria Vogel, nacida en la República Germánica del Volga. Harry trabajó como periodista y traductor del ruso al alemán.

La República Germánica del Volga fue fundada en 1924, agrupando una minoría de emigrantes alemanes que se había establecido a orillas del Volga. Su capital era Pokrovsk hasta que en 1931 se le cambió el nombre por Engels, en honor al filósofo alemán Friedrich Engels.  La invasión alemana marcó el final de la República. En 1941 Stalin abolía la región autónoma, declarando como enemigos del Estado a todos los alemanes. Ordenó la deportación de los alemanes del Volga a Kazajistán y a Siberia.

Por motivos laborales, la familia se traslada a Viena en 1946. Allí empieza el amor por la música del joven Alfred, empezando así sus estudios musicales. Tomará como compositores de referencia a Mozart y Schubert.

La familia se traslada a Moscú en 1948. Ingresa en el Colegio de Música de la Revolución de Octubre, estudiando allí desde 1949 hasta 1953. Después termina sus estudios en el Conservatorio de Moscú en 1961, graduándose en composición. Entre sus maestros se encuentran Nikolai Rakov en instrumentación y Evgeny Golubev en contrapunto y composición. En el mes de marzo de 1956 se casa con Galina Koltsina, una musicóloga compañera suya del Conservatorio. Este matrimonio solo duró tres años. Desde 1962 hasta 1972, imparte clases en el conservatorio moscovita.

Tras varios viajes a Europa y EE. UU., Schnittke abandonó su tierra natal en 1989, al ser invitado para dar clase de composición en Hamburgo. Dos años después, le era concedido uno de los galardones de la última edición de los Premios Lenin, aunque lo rechazó, renegando por completo de la deriva musical soviética. Pocos meses después, la URSS se desintegraba.

No obstante, hasta comienzos de los ochenta, Schnittke estuvo muy implicado en esa línea musical. Ingresó en la Unión de Compositores de la URSS en 1961, se convirtió en uno de los más prominentes compositores de bandas sonoras del cine soviético y junto con Rodión Shchedrín sentó las bases de una modernidad aceptable dentro de la política cultural soviética. Aunque hasta mediados de los ochenta su música fue vista con reticencias de la secretaría de la Unión de Compositores, sus obras se estrenaron con puntualidad, y solo el estreno de su excéntrica Sinfonía n.º1 comportó un escándalo. A los ojos de la vanguardia europea, Schnittke pronto se convirtió en el portavoz de la última generación de compositores soviéticos.

Sin embargo, se llegó a producir una serie de ataques contra él a lo largo de los setenta. En 1974, Tijon Jrénnikov, secretario general de la Unión de Compositores desde el estalinismo, afirma que Schnittke carece de cualquier talento y debería dejar de componer. Días después se prohíbe una interpretación moscovita de su polémica Sinfonía n.º 1. En 1977, la secretaría de Jrénnikov hizo correr el rumor de que el compositor  había desertado. En 1979, Pravda publica un artículo («Planificando una atrocidad») en que se condena una producción de la ópera de Chaikovski La dama de picas en la que Schnittke está implicado.

Entre sus influencias musicales cabe destacar la de Dmitri Shostakóvich, con quien mantuvo una relación tortuosa, así como las de Sergéi Prokófiev y la vanguardia europea de la primera mitad del siglo, cuya música pudo estudiar a partir de mediados de los cincuenta. Fruto de ese estudio Schnittke pasa a componer de acuerdo con estructuras seriales; pero, a partir de comienzos de los setenta, simplificará su estilo, componiendo en un estilizado poliestilismo (término usado habitualmente para él). Alfred Schnittke fallece el 3 de agosto de 1998, en Hamburgo, Alemania.

Alfred Schnittke (Unión Soviética/Alemania – 1934/1998)

Concerto Grosso n.° 1

Estreno nacional

El Concerto Grosso n.°. 1 para dos violines, clavichémbalo, piano preparado y orquesta de cuerdas, es el primero de seis concerti grossi creados por el compositor soviético Alfred Schnittke. Escrito entre 1976 y 1977, fue estrenado el 21 de marzo del mismo año de su conclusión por Gidon Kremery Tatiana Grindenko en los violines, para quienes fue concebida la obra; además, participaron Yuri Smirnov en los teclados y la Orquesta de Cámara de Leningrado, conducida por Eri Klas. El mismo autor interpretó ambos teclados en una gira por Unión Soviética y Austria. Es uno de los trabajos más representativos del poliestilismo de Schnittke, quien la definió comoel juego de tres esferas: la barroca, la moderna y la banal, fusionando sus técnicas y estéticas en una estructura cohesiva. Su duración es de 28 minutos, aproximadamente, y consta de seis movimientos:

  1. Preludio: Andante
    II. Toccata: Allegro
    III. Recitativo: Lento
    IV. Cadenza
    V. Rondó: Agitato
    VI. Posludio: Andante – Allegro – Andante

Aunque el título evoca claramente al barroco, la partitura no es un pastiche, excepto por su alusión a ciertos aspectos estilísticos del pasado, y sus motivos seudoclásicos pueden ser vistos como un modernismo disfrazado. Sus movimientos se interpretan sin quiebres y conforman una secuencia. Un aspecto singular de esta obra es que todos los movimientos contienen citas revisadas de algunas partituras de Schnittke para el cine como Pedro el GrandeLa mariposa y El incremento. Sin embargo, estas citas se utilizan dentro de un contexto musical abstracto y no sugieren contenidos programáticos o extramusicales.

En 1988 el compositor arregló el trabajo para flauta y oboe en vez de los violines solistas.

Alfred Schnittke (Unión Soviética/Alemania – 1934/1998)

Suite Gogol

Estreno nacional

No sería un insulto parafrasear a Mark Twain y decir que la Suite Gogol, de Alfred Schnittke, es mejor de lo que suena. Para que esto sea así concebido, hay que recordar la implícita carencia de un estatus central que el mismo Schnittke le otorga a la música, la cual solo ha recibido compilación y publicación por parte del amigo del compositor, Gennady Rozhdestvensky. Suite Gogol no es un trabajo maestro, antes bien, es una caprichosa colección de piezas de carácter, escritas rápidamente para ser interpretadas en una producción teatral experimental, y sin pretensiones, más que para servir al propósito.

Es mejor de lo que suena, ya que esto es demostrable con claridad en A-1, donde se da una peculiar virtud de la música en general de Schnittke: sus mejores cualidades, a menudo, están extrañamente divorciadas de la calidad. Muchas de sus partituras –si no esta- están verdaderamente llenas de abundantes detalles, formalmente brillantes y precisos en la construcción. Sin embargo, hasta las más desordenadas (confusas) o crudas de sus obras, están cargadas con una certera precisión de identidad – lo que Santo Tomás de Aquino llamó quidditas, y que terminó definiendo dentro de la escolástica medieval como ‘esencia’, ‘naturaleza’-. Esto, especialmente se evidencia en el tercer movimiento de su Suite GogolVals: un camino que va más allá de la “taimada simplicidad”. Estos siete minutos de baile nunca pasan más allá de un tipo de crudeza y una modesta restricción. Su variedad, sus timbres no homogéneos, sus desgarbadas  y continuas “notas erróneas”, todo indica la harapienta pobreza de la música. Empero, de este pauperismo surge un aura sobrenatural, como el brillo de una moneda desfigurada, atrapada entre la riqueza y el mero metal. Similarmente, este vals vacila entre la música y los meros tonos, y su libertad titubea en una irreemplazable e invaluable ambivalencia.

Por último, no es en absoluto una coincidencia que Schnittke escribiera esta suite para una puesta en escena del escritor ruso Gogol, quien perfeccionó una forma perfectamente extraña de ambivalencia expresiva, un trabajo de empobrecidos recursos (rancios burócratas protagonistas, prosa falsa, estilo absurdo y anti argumento), dentro de la riqueza artística de la literatura. A través del tono de este arquetipo ruso, el “yurodive” o “santo idiota”, Gogol logró reunir estados mentales imposibles con una lógica tan extraña como impresionante.

Las partes que componen la Suite Gogol, de Alfred Schnittke, son:

  1. Overture
    II. Chichikov’s Childhood  (La infancia de Chichikov)
    III. Portrait  (Retrato)
    IV. The Greatcoat Polka (Polca del gabán)
    V. Ferdinand
    VI. The Clerks (Los vendedores)
    VII. The Ball (La pelota)
    VIII. Finale: The Testimony  (Final: El testimonio)

SOLISTAS INVITADOS EN EL VIOLÍN

Cuauhtémoc Rivera Guzmán: primer violinista mexicano graduado en el Conservatorio Chaikovski de Moscú y Medalla Mozart 1999

Acerca de Cuauhtémoc Rivera, el diario El Universal de México reseñó: “Cuauthémoc Rivera Guzmán proviene de una familia de amantes del violín. Sus padres fueron médicos de profesión y aficionados a la música. A los cinco años ya le arrancaba notas al violín. Luego de tomar clases con maestros como Vladimir Vulfman, a los diecisiete años obtuvo una beca del INBA para estudiar en el Conservatorio Chaikosvski de Moscú. Ahí permaneció durante ocho años. En 1989, con veinticuatro años, Cuauthémoc Rivera regresó a nuestro país convertido en el primer violinista mexicano egresado con altas distinciones del renombrado Conservatorio Chaikovski. Hoy es uno de los solistas más requeridos en los escenarios del país. Ha tocado prácticamente con todas las orquestas de México”.

Sus maestros fueron Vladimir Vulfman, Zoria Shijmurzaeva, Guela Dubrova y  Nadezhda Beshkina.Su actividad como solista se ha concentrado en la difusión del repertorio  contemporáneo, habiendo estrenado en México obras de autores como Alfred Schnittke,  Wolfgan Rihm, Philip Glass, György Kurtag y Sofia Gubaidulina. Asimismo, ha estrenado numerosas obras de autores mexicanos, muchas de ellas dedicadas a él, de los compositores Mario Stern, Ulises Ramírez, Federico Ibarra, Héctor Quintanar, René Torres, Roberto Medina, Enrique González Medina y Alejandro Romero. El repertorio tradicional ocupa también una buena parte de su actividad musical.

Ha desarrollado una intensa actividad concertística en todos los escenarios musicales de importancia de México, y ha tocado como solista con la Filarmónica de Lima, orquestas sinfónicas nacionales de Ecuador y Guatemala, Filarmónica de Orlando, Florida; Filarmónica de Bogotá y de la Universidad de Caldas en Colombia, además, en la Sinfónica de Bari, en Italia y la Sinfónica de Heredia, en Costa Rica.

Destaca su participación en importantes festivales internacionales y foros como el Cervantino, Música Nova de Sao Paulo, de Música de Cámara en El Paso, Texas; de Mayo en Guadalajara, Jalisco; y, del Teatro Experimental de La Plata en Argentina, por mencionar algunos. Ha recibido diversos reconocimientos como el de la Unión Mexicana de Críticos de Teatro y Música y la Medalla Mozart al mérito musical.

Docente en la Escuela Superior de Música del INBA en donde coordinó la Cátedra de violín.  En agosto de 2007 fue designado como director de dicha institución, cargo para el cual fue ratificado  para el período 2012-2016. Adicionalmente, imparte cursos y clases maestras en las principales instituciones musicales de México y América Latina.

Andreas Neufeld: De la Berliner Philharmonie a tierras centroamericanas

Andreas Neufeld nació en 1976, en Krasnodar, Rusia. Fue miembro de la Orquesta Filarmónica de Berlín en el periodo de 1998–2009. Inició sus estudios de violín a la edad de cinco años en la Escuela de Música de Dnepropetrovsk. En 1992 ingresa al Conservatorio de Mannheim, Alemania, y estudia con Roman Nodel. En este mismo año obtuvo el primer lugar  en la competencia nacional de Niedersachsen y, en 1996, obtuvo el segundo lugar en la competencia Internacional Luis Spohr. En el año 2000 obtuvo su título como solista. Concertino de la Orquesta de la Radio de Berlín. Miembro de la Camerata Filarmónica de Berlín, de la Camerata Viena- Berlin, conformada por integrantes de las filarmónicas de Viena y Berlín, entre otras.

Como maestro ha impartido clases magistrales en Japón, Italia y Costa Rica; asimismo, ha sido profesor en diferentes festivales de orquesta juveniles alrededor del mundo. Actualmente se desempeña como maestro en diversas escuelas de música de Centroamérica, para jóvenes.

MÚSICOS

Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del I programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Artistas invitados:

  • Cuauhtémoc Rivera (violín I México)
  • Andreas Neufeld (violín I Alemania)
  • Yolanda Martínez (piano I Cuba)
  • Leonardo Gell (cémbalo, piano I Cuba)
Instrumento Nombre
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Caterina Tellini
Violín I Azeneth Lozaíga
Violín I Cristian Cruz
Violín I Johan Chapellín
Violín I Sara Miranda
Violín I Andrés Mendieta
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violín II Carlos Vargas
Violín II Andrés Corrales
Violín II Daniela Garner
Violín II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Amado Domínguez
Violas Mario Sequeira
Violas Luisana Padilla
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Violoncellos Olman Ramírez
Contrabajos Jose Pablo Solís
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos José Saavedra
Flauta Mario Velasco
oboe y corno inglés Roslyn Cerdas
Clarinete I Sergio Delgado
Clarinete II Daniel Porras
Contrafagot y Fagot Luis Diego Cruz
Corno francés Esteban Murillo
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Lizano
Tuba Andrés Porras
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Percusión Josué Jiménez
Percusión Dennis Arce
Piano Leo Gell
Órgano/ Celesta Kevin Sequeira
Cémbalo Yolanda Martínez
Bajo eléctrico Pedro García
Guitarra eléctrica  Alejandro Gómez
II programa 2017

II programa 2017

II programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

I INTERNACIONAL FESTIVAL OSH  | COSTA RICA

II Programa

25 de febrero, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

26 de febrero 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Walter Morales (piano I  Costa Rica)

Silvestre Revueltas (México | 1899 – 1940)

  • 8 por radio
  • Colorines**

Aaron Copland (Estados Unidos | 1900 – 1990)

  • Appalachian Spring (13 instrumentos)

Paul Hindemith (Alemania | 1895 – 1963)

  • Kammermusik No. 1**

**estreno nacional

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

Dedicatoria al maestro Benjamín Gutiérrez

II programa | I Festival Internacional OSH

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

Artista invitado: Walter Morales | Piano-Costa Rica

PROGRAMA

Aaron Copland (Estados Unidos | (1900-1990)

Primavera en los Apalaches (Appalachian Spring-13 instrumentos)

Estreno nacional

Aaron Copland: varios estilos determinan su carácter musical

Compositor estadounidense y figura destacada en la música del siglo XX de su país. Aaron Copland nació en Nueva York el 14 de noviembre de 1900, donde estudió con su compatriota Rubin Goldmark. También fue discípulo de Paul Vidal y de la profesora francesa Nadia Boulanger, en París. Aunque sus primeras obras están influidas en gran medida por los impresionistas franceses, y manifiestan la huella de Igor Stravinski, pronto comenzó a desarrollar su propio estilo. Tras experimentar con ritmos de jazz en obras como Music for the Theatre y el Concierto para piano, Copland se basó en un estilo más austero y disonante. Obras de concierto como las Variaciones para piano y Statements constan de ritmos nerviosos e irregulares, melodías esquinadas y armonías en extremo disonantes. A estos años corresponden también el trío Vitebst y la Oda sinfónica. A mediados de los años treinta retomó un estilo más sencillo, melódico y lírico, con frecuencia basado en elementos de la música folclórica de su país. Varias obras pertenecientes a este periodo narran distintos temas estadounidenses; en Lincoln Portrait (Retrato de Lincoln para orquesta y narrador), y en los ballets Billy the KidRodeo y Appalachian Spring (Primavera en los Apalaches, ganadora de un Premio Pulitzer en 1945), utiliza melodías del folclore, estilos y ritmos que captan la esencia de los primeros habitantes de su país. También adaptó música popular mexicana para Salón México. Otras obras orquestales son la Sinfonía para órgano y orquesta, una Oda sinfónica y la Sinfonía n.° 3, que incorpora la obra Fanfare for the Common Man (Fanfarria para el hombre común). También pertenece a este periodo la ópera para estudiantes The Second Hurricane (El segundo huracán, de 1937).

Su música para el cinematógrafo y otros géneros

Su música para cine incluye las bandas sonoras de La fuerza bruta (1939, de Lewis Milestone), Sinfonía de la vida (1947, de Sam Wood) y La heredera (1949, de William Wyler, que ganó un Óscar a la mejor banda sonora). Durante los años cincuenta volvió a su austeridad original. En la compleja y virtuosísticaFantasía para piano y en obras orquestales como Connotations (encargada para la inauguración del Lincoln Center de Nueva York) e Inscape, utilizó el método dodecafónico de composición. Proclamation, obra para piano orquestada por Phillip Ramey, se estrenó en 1985 en un concierto conmemorativo del 85 cumpleaños del compositor.

El formador y escritor

Copland fue profesor del Berkshire Music Center entre 1940 y 1965 y luchó por promover la música de compositores contemporáneos. Escribió libros comoWhat to Listen for in MusicOur New Music, que reeditó con el título The New MusicMusic and Imagination, y Copland on Music. Un 2 de diciembre de 1990, se apaga la llama creadora de este insigne compositor estadounidense de música académica y cinematográfica.

Cronología de hechos importantes

1900: Nació el 14 de noviembre en el barrio de Brooklyn.

1921-1923: Estudió en Francia.

1924: Regresó a su país con el encargo de componer una obra.

1925: Estreno de la Sinfonía para órgano y orquesta por la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la dirección de Walter Damrosch.

1927: La Orquesta Sinfónica de Boston estrenó su Concierto para piano y orquesta.

1928-1931: Organizó con la colaboración de R. Sessions una serie de conciertos dedicados a los músicos americanos.

1929: Compitió en el concurso de composición de RCA Víctor con su Sinfonía de Danza.

1932: La Orquesta Sinfónica de Boston estrenó su Oda Sinfónica.

1942: El Ballet Ruso de Monte Carlo estrenó su ballet Rodeo.

1948: Benny Goodman y la NBC Symphony estrenaron su Concierto para clarinete.

Algunas de sus obras más representativas

1925-1933Música para el Teatro, suite para pequeña orquesta y piano; Oda SinfónicaVitebsk (violín, chelo y piano), y Variaciones para piano.

1933-1938Sinfonía breveStatementsSalón MéxicoMúsica para radioBilly the Kid (ballet).

1939-1944: Música para las películas De ratones y de hombresNuestro pueblo y Estrella del norte, y otras obras como Primavera en los Apalaches y Retrato de Lincoln (narrador y orquesta).

1945-1967 : Concierto para clarineteSinfonía n.° 3Cuarteto para pianoIn the Beginning (coro mixto), Doce poemas de Emily Dickinson.

Primavera en los Apalaches

Primavera en los Apalaches, de Aaron Copland, fue compuesta entre 1943 y 1944 como ballet para Martha Graham, quien lo estrenó con su compañía en la Biblioteca del Congreso de Washington el 30 de octubre de 1944.

Aaron Copland describe su obra

Primavera en los Apalaches, por lo general, se considera inspirada en el folclor. Pero la tonada de los Shakers: “es el don de ser simple”, es el único material foclórico que verdaderamente he citado en la pieza. Ritmos y melodías que sugieren un cierto ambiente norteamericano…y el uso de temas folclóricos específicos no son, después de todo, la misma cosa. Como se sabe, me llevó casi un año terminar Primavera en los Apalaches y originariamente estaba orquestada para tan solo trece intérpretes. Recuerdo que pensaba que era una locura dedicarle todo ese tiempo, porque sabía la corta vida que tienen la mayoría de los ballets y sus partituras, pero la suite para orquesta sinfónica que extraje fue premiada con el Premio Pulitzer en 1945 y cobró vida propia. Realmente, tuvo mucho que ver con llevar mi nombre a un público más amplio”. Tal es el concepto de Copland y su música del ballet  Primavera en los Apalaches.

Acerca del sentido del ballet

De acuerdo con Martha Graham, para quien fue compuesto, el ballet se refiere a “una celebración de pioneros, en la primavera, alrededor de una granja recién construida en las colinas de Pensilvania en la primera mitad del siglo pasado. La recién casada y el joven granjero, que es su marido, personifican las emociones, alegres e inquietas, a las que invita su nueva relación doméstica. Un viejo vecino sugiere, de vez en cuando, la sólida confianza en la experiencia. Un predicador y sus seguidores recuerdan a los fundadores del nuevo hogar los extraños y terribles aspectos del destino humano. Al final dejan a la nueva pareja tranquila y segura en su nueva casa”.

Paul Hindemith (Alemania | 1895-1963)

Música de cámara n.° 1 (Kammermusik)

Estreno nacional

Desde los trece años manifiesta su carácter musical

Compositor y violinista alemán, nacionalizado estadounidense. Una de las figuras más importantes de la música del siglo XX y un influyente profesor. Nació en Hanau (Hesse), el 16 de noviembre de 1895, y falleció el 28 de diciembre de 1963, en Fráncfort del Meno. Estudió en el Conservatorio de Hock, Frankfurt. A los trece años, mientras estudiaba en dicho centro, trabajó en orquestas de baile, teatros y cines. Entre 1915 y 1923 fue concertino y, más tarde, director de la orquesta de la Ópera de Fráncfort. En 1921 fue uno de los creadores del famoso Cuarteto Amar-Hindemith (grupo que había creado el húngaro de ascendencia turca, Licco Amaren). En esta agrupación se hizo cargo de la viola.

Prohibiciones a su música y métodos de composición

Durante los años veinte, Hindemith se consagró como compositor. Primero se le consideraba un sucesor de Richard Strauss, y después se le vinculó al ultramodernismo. En 1927 fue nombrado profesor de composición del Berlin Hochschule für Musik. En 1929 actuó como solista en el estreno del Concierto para viola, de William Walton, en Londres. En 1936, a pesar del apoyo que obtuvo del director Wilhelm Fürtwangler, Hitler prohibió sus obras debido a su «extremado modernismo». Tampoco se avenía al gusto de los nazis el fuerte sentido irónico de obras como la ópera Noticias del día. Poco más tarde, Hindemith se trasladó a Turquía para reorganizar el programa de estudios musicales del país. En 1940 viajó a los Estados Unidos e impartió clases en la Universidad de Yale hasta 1953, año en el que regresó a Europa para enseñar en la Universidad de Zúrich. En 1946 adquirió la nacionalidad estadounidense. Al igual que sus contemporáneos, Hindemith se encontró con el vacío que había dejado la disolución de las estructuras musicales tradicionales, basadas en la armonía tonal. A pesar de que algunas de sus primeras composiciones acusan la influencia del sistema atonal, la mayor parte de su obra no se inscribe en esa dirección. Desarrolló su propio método respecto al tratamiento de la armonía y la tonalidad, basado en una jerarquía entre la tensión (disonancia) y la relajación (consonancia).

Óperas, música orquestal y de cámara

Entre sus óperas, su obra maestra es Matías el pintor, basada en el vida del pintor alemán Matthias Grünewald. Asimismo, una sinfonía inspirada en temas pertenecientes a esta ópera es una de sus obras orquestales más conocidas. Compuso las óperas Cardillac, sobre textos de F. Lion, estrenada en Dresde en 1926; Die Harmonie der Welt (La armonía del universo, 1957), inspirada en la vida de Kepler y La prolongada cena de Navidad (1962). En 1938 había publicado el ballet Nobilissima visione sobre San Francisco de Asís. En 1956 estrenó en Buenos Aires su obra brevísima Hin und zurück (Ida y vuelta). También compuso varias sinfonías, sonatas, conciertos, música de cámara, piezas vocales y obras para viola.

Paul Hindemith, Bertolt Brecht y el contacto con el pueblo

Fue defensor del concepto Gebrauchmusik (música para todos los usos), a través del cual trató de establecer una aproximación entre el compositor y el público, creando obras destinadas a ser interpretadas por grupos de estudiantes y aficionados. Una de estas obras es su ópera para niños Wir bauen eine Stadt (Construimos una ciudad). La llamada ‘música para usar’ corresponde, en sentido estricto, a un movimiento surgido de» la prédica de Bertolt Brecht que sostenía que los artistas debían mantener el contacto con el pueblo. A tal fin, los creadores debían encontrar su inspiración en temas de actualidad y usar un lenguaje cotidiano. Con todo esto, el propio Hindemith y Kurt Weill, de igual modo partidario de estas ideas, pretendían oponerse al ‘arte por el arte’ y destacar la influencia social de su trabajo Ludus tonalis (1943, colección de fugas que abarca todas las tonalidades), un grupo de estudios para piano, destinado al desarrollo de la técnica pianística con el que demostró sus teorías sobre el contrapunto y la organización tonal.

En torno de los Kammermusik

Paul Hindemith compone Kammermusik n.° 1, opus 24 para 12 instrumentos en el año 1921. Sus partes son:

  1.  Muy rápido y salvaje
  2.  Medio rápido
  3.  Cuarteto

Compuso los Kammermusik, siete en total, para distintos grupos de instrumentos, inspirados en los Conciertos de Brandenburgo, de Johan Sebastián Bach. Es una actitud modernista de rechazo hacia todo lo romántico, que se rebela contra la pesada tradición musical germánica, del denso cromatismo, heredada de Wagner y busca la sencillez de Bach, basada en la línea clara y transparente del contrapunto. La intención del autor no es volver al pasado para quedarse viviendo en él, y plegarse a su estilo.

Los Kammermusik se inscriben dentro del estilo de la Nueva objetividad. Paul Hindemith fue muy consecuente a lo largo de toda su carrera con los principios estéticos de la Nueva objetividad. Uno de ellos era romper con la forma tradicional de la música, cambiar los títulos e indicaciones en las partituras, y no usar el opus para numerar las obras. El término Kammermusik es una palabra genérica para designar un concierto para varios instrumentos. Hindemith compuso varias sinfonías, pero muy pocas de ellas llevan este título.

Silvestre Revueltas (México | 1899-1940)

Ocho por radio | Colorines

Estreno nacional

SILVESTRE REVUELTAS: COMPOSITOR, VIOLINISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA

Silvestre Revueltas Sánchez nació en Santiago Papasquiaro, México, en 1899, y falleció en Ciudad de México, en 1940. Compositor, violinista y director de orquesta, considerado uno de los máximos y más influyentes representantes de la corriente nacionalista. Formado como violinista y director de orquesta en su tierra natal y Estados Unidos, empezó a componer relativamente tarde, a principios de la década de 1930, posiblemente influido por el ejemplo de Carlos Chávez, de quien fue director asistente entre 1929 y 1935 en la Orquesta Sinfónica de México. En 1937 se fue a España, y participó de manera activa en la Guerra Civil Española a favor del bando republicano. Compositor autodidacta, su producción musical es muy escasa, aunque valiosa, con títulos como el balletEl renacuajo paseador y las obras orquestalesOcho por radio,Redes,Homenaje a Federico García Lorca yLa noche de los mayas. Destaca entre sus obrasSensemayá, su partitura más conocida dentro y fuera de su patria. Un profundo conocimiento de la música mexicana y la primacía absoluta del ritmo otorgan a estas páginas de Revueltas un singular atractivo.

Formación y apoyo a la Guerra Civil Española

Silvestre Revueltas fue el mayor de cuatro hermanos que cultivaron diferentes disciplinas artísticas. Desde muy joven manifestó interés por la música. En 1913 ingresó al Conservatorio Nacional, y en 1917 viajó a Estados Unidos para perfeccionar sus estudios de violín. En los años veinte y treinta difundió la música de concierto en toda la República Mexicana, ocupó la subdirección de la recién creada Orquesta Sinfónica Nacional (1928-1935) y dirigió la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios.

Movido por sus convicciones políticas, viajó a España, donde apoyó la causa republicana durante la Guerra Civil Española (1936-1939). De regreso a México compuso numerosas piezas sinfónicas y continuó desarrollando su labor docente. El devenir de la Guerra Civil, sin embargo, le había sumido en una profunda melancolía que no hizo sino aumentar una destructiva adicción al alcohol que acabó prematuramente con su vida.

Revueltas y el nacionalismo mexicano

Silvestre Revueltas formó parte de un grupo autores nacionalistas que buscaba la renovación de las formas, recuperando los valores de la música indígena y el pasado prehispánico, acercándose, al mismo tiempo, a los lenguajes de la vanguardia europea para, a partir de esta, obtener una auténtica expresión nacional. El más influyente fue sin duda Carlos Chávez, que agrupó a su alrededor a un buen número de seguidores. En el marco de esta corriente nacionalista, la música dionisiaca y vital de Revueltas ofrece novedades en todos los sentidos. Aprovechó todos los recursos instrumentales, dio a las cuerdas papeles percutivos y a los metales un énfasis melódico que recuerda el sonido de las bandas pueblerinas. En cuanto a la estructura de sus obras, las armonías son disonantes y los contrapuntos chocan rítmicamente.

Variedad de su catálogo

Su obra abarca desde piezas para dotaciones pequeñas, como es manifiesto enOcho por radio, hasta obras para gran orquesta, como Janitzio y Sensemayá. Para el cine elaboró partituras que han seguido interpretándose en forma independiente, comoRedes yLa noche de los mayas. Destacan, junto a las obras citadas, los poemas sinfónicosCuauhnáhuac,Esquinas,Ventanas y el balletEl renacuajo paseador. A pesar de su absoluta brevedad, que contribuye de hecho a hacerla aún más efectiva,Sensemayá, título que hace referencia a una serpiente tropical, es la obra más conocida de Silvestre Revueltas. Todos los rasgos del estilo del músico están presentes en ella, empezando por la absoluta primacía del ritmo como generador de la composición, influencia directa del Stravinsky deLa consagración de la primavera.

  • OCHO POR RADIO en la óptica de J.A. Brennan

Juan Arturo Brennan escribió para la OFUNAM, este valioso artículo acerca de la obra Ocho por radio, de Silvestre Revueltas, el cual se transcribe en su totalidad: “Cuando un artista muere prematuramente, en la cima de sus poderes creativos, su ausencia se presta casi inevitablemente a la especulación y a la hipótesis. Se intenta, sobre todo, extrapolar el trabajo realizado por el creador y proyectarlo hacia el futuro que la muerte le negó. En el caso de la obra y el compositor que son objeto de esta nota, la pregunta es muy sencilla: ¿hasta dónde pudo haber llegado Silvestre Revueltas en su desarrollo creativo si hubiera vivido los treinta o cuarenta años que le correspondían? Como en cualquier otro caso similar, no hay respuesta posible, pero se antoja particularmente interesante especular sobre lo que Revueltas pudo haber realizado como compositor de música para los medios. En el ámbito del cine, creó la sensacional partitura de Redes, y la espectacular aunque menos sólida música para La noche de los mayas, así como otros soundtracks que hasta la fecha son desconocidos en las salas de concierto. ¿Qué rumbo habría tomado la música de Revueltas en el contexto del cine mexicano más moderno? ¿Habría podido integrarse Revueltas a la creación de música para televisión? En medio de todas estas especulaciones queda como muestra, al menos, una interesante colaboración de Revueltas para el entonces joven medio radiofónico: su pieza de cámara titulada Ocho por radio”.

Continúa Brennan: “Para descifrar el enigmático título de esta breve partitura de Revueltas es necesario conocer la anécdota que hay detrás de él. O en cambio, acudir al título que suele darse en inglés a esta obra, y que es el de Eight musicians broadcasting, que traducido de regreso al español sería Ocho músicos transmitiendo. Se dice que en cierto momento de su carrera, Revueltas recibió el encargo de componer a toda prisa una obra breve para ser transmitida en un concierto radiofónico. En el momento del encargo, los músicos disponibles para el proyecto eran dos violinistas, un violoncellista, un contrabajista, un clarinetista, un fagotista, un trompetista y un percusionista. Fue así que Revueltas se adaptó a los recursos que en ese momento tenía a su disposición, y creó Ocho por radio para ese peculiar conjunto instrumental. En ocasiones, el compositor solía escribir breves textos relativos a sus obras. Estos textos, que en realidad no son estrictamente notas de programa, están concebidos y realizados con un sarcasmo y un sentido del humor típicos de la personalidad de Revueltas”.

Amplía Brennan: “Esto fue lo que escribió respecto a Ocho por radio: Ecuación algebraica sin solución posible, a menos de poseer profundos conocimientos en matemática. El autor ha intentado resolver el problema por medio de instrumentos musicales, con éxitos medianos, del que la crítica conocedora en achaques de números podrá juzgar con su habitual ecuanimidad. En un tono más formal pero menos divertido, el musicólogo Gérard Béhague apunta lo siguiente: El enigmático título de Ocho por radio, una pieza de cámara de 1933, ha sido interpretado indistintamente como ocho minutos de música para radio u ocho músicos transmitiendo. Es una de las más atractivas obras de Revueltas, una pieza que pone en evidencia su humor cínico. Las características relevantes de esta partitura son una polifonía de estilo mestizo (similar a la que se encuentra en conjuntos populares como el mariachi), figuras rítmicas folklóricas, armonías politonales y forma tripartita. A pesar de las singulares circunstancias de su composición, Ocho por radio es una obra típica del pensamiento musical de Revueltas y contiene, muy sintetizados, muchos de los elementos propios de su lenguaje. Al inicio, una llamada de trompeta inequívocamente revueltiana, y enseguida la irrupción del violín con una tonada de corte popular, muy mexicana pero no folklórica. De ahí en adelante es posible hallar un discurso musical lleno de breves y humorísticas interjecciones en los alientos, así como el discreto apoyo de la percusión. Estructuralmente, la pieza es muy sencilla. Se trata de un solo movimiento dividido en tres secciones claramente diferenciadas: allegro-lento-allegro, que apuntan lejanamente a la distribución formal del concierto barroco y a muchas otras estructuras musicales tripartitas. Pero sobre todo, destaca en Ocho por radio la energía nerviosa que suele caracterizar a la mayor parte de la producción musical de Silvestre Revueltas”.

Finaliza Brennan. “En el interesante catálogo comentado de la obra de Revueltas, realizado por Roberto Kolb y Olga Picún, se mencionan algunos datos interesantes sobre Ocho por radio. El manuscrito de la obra, que no tiene fecha ni firma, lleva una dedicatoria a Guillermo Orta y su grupo de radio. Existe, además, un manuscrito de la versión para piano de Ocho por radio, igualmente sin fecha ni firma, lo que hace imposible saber si esta versión es una reducción de la partitura instrumental, o si ésta fue elaborada a partir de la versión pianística. La obra Ocho por radio fue estrenada en concierto en el Teatro Hidalgo el 13 de octubre de 1933 por miembros de la Orquesta del Conservatorio, institución cuya dirección había asumido Revueltas en marzo de ese año, sustituyendo a su colega y amigo Carlos Chávez. Se desconoce, sin embargo, la fecha de la transmisión radiofónica original de la obra, si es que en realidad ocurrió”.

NOTA: Juan Arturo Brennan, mexicano, es compositor, crítico de música, fotógrafo, productor de televisión, locutor, y guionista de televisión y cine.

  • Poema sinfónico COLORINES

Colorines es un poema sinfónico para orquesta de cámara del compositor mexicano Silvestre Revueltas, escrito en 1932. Su composición se completó en mayo de 1932. A pesar de que Otto Mayer-Serra afirma que fue compuesta en 1933. Colorín es el nombre de un tipo de árbol, Erythrina americana  (Coral Tree), también llamado Tzompāmitl, en náhuatl. La palabra colorín significa color chillón (‘llamativo´). La música de Colorines «no sólo evoca el color profundo que estos árboles dan al paisaje, sino también, los sentimientos de las mujeres indias que llevan collares hechos de la fruta rojinegra que produce este árbol o de los niños jugando con ellos».

Al interior de la obra

Colorines , como la mayoría de las obras de movimiento único de Silvestre Revueltas, está construida en una forma ternaria de ABA, con una estructura de ritmo rápido-lento-rápido. La disposición de los tempos es una consecuencia natural del desarrollo lírico de los materiales temáticos melódicos, a medida que despliegan progresivamente la narración de la obra.

Recepción de Colorines por parte del público

A comienzos de la década de 1930 era claro que las audiencias mexicanas preferían composiciones en las que el nacionalismo estaba representado no por el elemento precolombino de la cultura mexicana, sino por la música popular mestiza. En esta época, Revueltas había desarrollado un estilo en el que, en una textura de collage, se mezclaban elementos musicales dispares del paisaje sonoro cultural de México, donde lo popular, moderno, urbano, campesino, indio, militar, callejero, el ambiente del mercado o la danza, fueron a menudo yuxtapuestos para que a menudo chocaran. Revueltas no pretendía que estos materiales coexistieran pacíficamente. Aunque la música a veces celebra la pluralidad y la vitalidad de la sociedad mexicana, hay violencia audible, conflicto de culturas, y entre estructuras sociales premodernas y modernas. Este estilo se manifestó a veces en un estilo áspero, abstracto, y modernista, y obras tales como Esquinas Ventanas (ambas de 1931) no fueron bien recibidas por el público; pero, opuestamente, los ejemplos más líricos y tonales como Colorinesfueron calurosamente alabados.

SOLISTA INVITADO

Wálter Morales Salazar, nacido en 1969, es un director de orquesta y pianista costarricense, residente en los Estados Unidos. Se desempeña como director titular de la Edgewood Symphony Orchestra, con sede en Pittsburgh, EE.UU. En el 2011 fue director titular de la Undercroft Opera y director invitado principal de la Pittsburgh Philharmonic.  Ha sido también director musical de la Opera Theater of Pittsburgh, director titular del Carnegie Mellon Contemporary Ensemble, y director adjunto del Programa de Estudios Orquestales y de la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Carnegie Mellon.  Como director invitado, ha dirigido orquestas como:  Westmoreland Symphony Orchestra, Butler Symphony Orchestra, Pittsburgh Youth Symphony Orchestra, University of Pittsburgh Symphony Orchestra, Duquesne University Orchestra, McKeesport Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, Helix New Music Ensemble y Rutgers Chamber Orchestra. Como director asistente ha colaborado con Mariss Jansons, Andrew Davis, Leonard Slatkin, Manfred Honeck, Gianandrea Noseda, David Robertson, Rafael Frühbeck de Burgos, entre otros. Wálter Morales ha grabado para los sellos Mode, Centaur, Zimbel, Quindecim y SVR Producciones.  Su primera grabación de música contemporánea, Makrokosmos III de George Crumb, Music for a Summer Evening, fue premiada en 2007 con el Diapasón de Oro, en Francia.

MÚSICOS

Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del II programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Artistas Invitados:

  • Walter Morales (piano I Costa Rica)
  • Andreas Neufeld (violín I Alemania)
Violín I Andreas Neufeld
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violas Samuel Ramírez
Violas Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Blanca Guandique
Contrabajos Jose Pablo Solís
Flautin / Flauta Mario Velasco
Oboe / corno inglés Roslyn Cerdas
Clarinete Sergio Delgado
Clarinete Daniel Porras
Fagot Luis Diego Cruz
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Lizano
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Dennis Arce
Percusión Andrés Barboza
Teclado Leo Gell
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