OSH | 2018 – LATITUDES SONORAS

IV PROGRAMA
Luis Adolfo Víquez | Director invitado
21 de julio, 8:00 pm | Parroquia de Heredia –  Inmaculada Concepción
22 de julio, 11:00 am | Teatro Eugene O´Neill

Costa Rica desde afuera

• José Mora Jiménez (1977 | Costa Rica)
3 Piezas para Ensamble (2018) **
I- Uke nage
II- Iridiscencia
III- Ecos
• Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)
Amalgama (2018) **
• Guido Sánchez Portuguez (1974 | Costa Rica)
Atavismos (2018) **
• Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)
Nonetto No.2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto
• Pablo Santiago Chin (1982 | Costa Rica)
Si Chavela met Matta (2018) **

* Estreno nacional | ** Estreno mundial

NOTAS AL PROGRAMA

OSH | 2018 – Latitudes Sonoras
IV PROGRAMA – Costa Rica desde afuera

Luis Adolfo Víquez | Director invitado
21 de julio, 8:00 pm | Parroquia Inmaculada Concepción de Heredia
22 de julio, 11:00 am | Teatro Eugene O´Neill

  • José Mora Jiménez ( 1977 | Costa Rica)

Tres piezas para ensamble (2018) **
A la Orquesta Sinfónica de Heredia
I- Uke nage
II- Iridiscencia
III- Ecos

  • Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)

Amalgama para orquesta de cámara (2018) **

  • Guido Sánchez Portuguez ( | Costa Rica)

Atavismos **

  • Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)

Nonetto n.° 2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto

  • Pablo Santiago Chin ( 1982 | Costa Rica)

Si Chavela met Matta para voz femenina con parte de cinta opcional (2018) **

* Estreno nacional | ** Estreno mundial

José Mora Jiménez ( 1977 | Costa Rica)
Tres piezas para ensamble (2018) **

De la tierra de los valles y volcanes a la tierra de los tulipanes
José Mora Jiménez nació en San José, Costa Rica, donde estudió guitarra clásica y composición en la Universidad de Costa Rica. Vive en los Países Bajos (Holanda) desde 2006. Completó sus estudios de composición en The Royal Conservatory of The Hague (Real Conservatorio de La Haya), y también obtuvo el grado de maestría en Economía y Emprendimiento Cultural en la Erasmus University Rotterdam (Universidad Erasmo de Róterdam), donde se graduó Cum Laude (con honores).
Su música ha sido publicada por Edizioni Musicali en Italia,  y por  Les Productions d’Oz en Canadá, y es regularmente interpretada en diferentes países alrededor del mundo.  En la actualidad, es un compositor muy activo de música moderna, así como de composiciones de música para videojuegos y medios digitales.

RECONOCIMIENTOS Y PREMIOS

  • Tercer premio en el Concurso de Composición del Festival Internacional de Guitarra de Rust, Austria (2017).
  • Ganador del Concurso Internacional de Composición de Timo Korhonen, Finlandia (2016).
  • Tercer premio en el Concurso Internacional de Guitarra Clásica Nilufer, Turquía (2015)
  • Mención de Honor en el Concurso de Composición Boston Guitarfest, Estados Unidos (2013).
  • Ganador del 4º concurso de composición de Calefax Reed Quintet 2011, Países Bajos (2011).
  • Ganador del concurso de composición de la asociación “Vrienden van het lied”, Países Bajos (2011).
  • Finalista en el “Premio Internacional de Música por la Excelencia en Composición” Colorado, USA / Grecia (2011).
  • Seleccionado dos veces para la serie de conciertos “15 minutos de fama” en Nueva York (2011).
  • Segundo premio en el Boston Composite Composition Competition, Estados Unidos (2009).
  • Segundo premio en el Concurso Nacional de Composición para Guitar Ensemble, Costa Rica (2002).
  • Segundo premio en el Primer Concurso Nacional de Composición para Guitarra Solista, Costa Rica (2001).

Tres alegorías, tres tiempos, una obra
Tres piezas para ensamble
A la Orquesta Sinfónica de Heredia

José Mora Jiménez, compositor de Tres piezas para ensamble, explica el origen y sentido de su composición:
I- Uke-nage
Uke-nage es un concepto utilizado en el Aikido, en donde los dos participantes entrenando se complementan el uno al otro. Uno de los participantes lanza un ataque y el otro lo recibe. La relación entre Uke y Nage no es de competencia, sino de complemento en el cual dos personas practican partes diferentes de un mismo movimiento. Originalmente, pensada como una obra para dos pianos, su potencial se ve mucho mejor realizado en la actual versión para ensamble. En esta pieza la instrumentación divide al ensamble en dos grupos en el que uno inicia el “ataque” y el otro complementa.
II- Iridiscencia
La iridiscencia es el fenómeno óptico de ciertas superficies en las cuales el tono de la luz varía de acuerdo con el ángulo desde el que se observa la superficie, dependiendo del ángulo con el que se ilumine la superficie, se verá de distintos colores. Por ejemplo, en las manchas de aceite o las burbujas de jabón. Esta obra toma este concepto como punto de partida para crear una atmosfera en la cual la armonía cambia gradualmente, y en donde los diferentes grupos instrumentales (vientos, cuerdas y vibráfono) van entrando y saliendo, sucesivamente, dando un “color” diferente a cada acorde.
III-Ecos
En esta obra hay un motivo percusivo ejecutado por el piano y el vibráfono, al cual responden en forma de eco repetido, tanto cuerdas como vientos. La obra es carácter enérgico, aunque hay secciones de calma en las que el eco se convierte en una resonancia de los acordes ejecutados por el piano. Hacia el final de la obra, se da una recapitulación del motivo, pero ahora los roles se invierten y son el piano y vibráfono, quienes hacen eco del resto del ensamble.

Andrés Soto ( 1986 | Costa Rica)
Amalgama para orquesta de cámara (2018) **

Versatilidad sin límites
Entre las salas de concierto y de cine, la música pop y de videojuegos

Andrés Soto Marín nace en San José, en 1986. Es un compositor y arreglista costarricense, radicado en el área de Nueva York. Realizó estudios de composición, teoría y piano en Hofstra University en Long Island, NY, y en New York University en Manhattan, donde obtuvo una Maestría con énfasis en música para cine. Aunque se ha desenvuelto más como compositor de música clásica contemporánea y bandas sonoras, su versatilidad como arreglista lo ha llevado a colaborar con varios artistas en diversos géneros musicales  como cine, musicales, videojuegos, comerciales, música electrónica, rap, pop, música de cámara, ópera, etc.

Su música sinfónica ha sido interpretada por orquestas en Costa Rica, Nueva York, España, Praga, Texas, y New Hampshire. La Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica estrenó dos obras suyas: Costa Rica aérea en el 2016, y La rosa y el niño, para narrador y orquesta en el 2015, basada en la novela Cocorí de Joaquín Gutiérrez. En este mismo año, debuta como compositor en Carnegie Hall, con la obra Swashbuckler, encargo del ensamble Tromba Mundi.  Con la Orquesta Sinfónica de Heredia estrena en el 2012, su poema sinfónico El Susurro de una brisa, y Tío Conejo en el 2014.  Asimismo, ha compuesto música de cámara que ha sido ejecutada por diversas agrupaciones. En el 2015, también colaboró con Edín Solís en la edición y orquestación de Preciosa y el aire, obra ganadora del Premio Nacional de Música.

Su música para cine incluye bandas sonoras para cuatro largometrajes, cuatro documentales, y más de veinte cortometrajes, muchos de los cuales han sido filmados en lugares como EE.UU., Brasil, Costa Rica, Turquía, Chipre, Abu Dhabi, Jerusalén, y han sido aceptados en varios festivales de cine alrededor del mundo. En el 2017, compone la banda sonora de Buscando a Marcos Ramirez y He matado a mi marido. Finalmente, en el 2016, compone la banda sonora para el videojuego Guns of Icarus, de MuseGames, su primera incursión en este género.

Previamente, obtuvo una beca de la Fundación Hispana para las Artes en EE.UU. en el 2010 y 2011. Su música es publicada por Abundant Silence Publishing.

Para más información visite su página web: www.andres-soto.net  o www.soundcloud.com/andres-soto

AMALGAMA: los discursos que nos atraviesan son inexcusables
La honestidad creadora de Andrés Soto

El compositor de Amalgama, Andrés Soto, narra cómo fue la gestación de su obra: “Después de haber compuesto varias obras de carácter programático, como Cocorí, o la Rosa y el Niño” (2015), y Costa Rica Aérea (2016) para la Orquesta Sinfónica Nacional, y El Susurro de una Brisa  (2012), y Tío Conejo (2013) para la Orquesta Sinfónica de Heredia, sentí la necesidad de componer una obra de música absoluta, sin usar ningún tema de literatura o arte como inspiración”.

Continúa diciendo: “No tenía planes preconcebidos sobre su estructura, ni compuse motivos ni melodías antes de comenzar a componer – quería dejar que la música fuera dictando su destino por sí sola, que cada compás me sugiriera hacia donde quería proseguir a través de la página del pentagrama. El tempo agitado y veloz no da tregua (una vez montados en este tren es difícil bajarse), entonces es la orquestación la que termina definiendo la estructura de la pieza”.

Prosigue: “Al rato, me surgió un motivo que no quería irse y lo dejé aparecer varias veces. Después, el material de los primeros compases quiso regresar, pero transformado en otra tonalidad. En fin, cuando llegué a lo que consideré podría ser la coda, inevitablemente se me colaron unos ritmos costarricenses en 6/8 y decidí no disimular y aceptar que la música, por más absoluta que queramos que sea, es influenciada por lo que nos rodea. El titulo fue lo último en aparecer: me encontré el vocablo “amalgama” de casualidad y me gustó que podría representar la mezcla homogénea de ideas en mi obra, manteniendo un título lo suficientemente ambiguo como para encapsular mi pieza en tan solo tema”, concluye Soto.

Guido Sánchez-Portuguez ( | Costa Rica)
Atavismos **

En la EAM de la UCR se gesta el exitoso periplo del guitarrista

El Dr. Guido Sánchez- Portuguez comenzó sus estudios musicales en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, donde se graduó con honores en 2001, bajo la dirección de Mario Solera. En 1997, 1998 y 1999, obtuvo la beca “Estudiante de Honor” en la Universidad de Costa Rica y viajó a Francia y España para asistir al Stage de Guitares D’Alsace, y al Festival Internacional de Guitarra de Córdoba. En el 2000, fue finalista en el Concurso y Festival Internacional de Guitarra de La Habana, Cuba, una de las competiciones de guitarra más prestigiosas del mundo. Obtuvo la Mención de Honor del Jurado en el Primer Concurso de Composición de Guitarra 2001 por su pieza, Rondó de Vidrio. Además, ganó el primer premio al año siguiente por su pieza de orquesta de guitarra, Arenal. De 1995 a 2003, fue la primera guitarra de la Orquesta de Guitarras de Costa Rica, con la cual ha grabado cinco discos compactos y ha realizado giras por todo el mundo, y en 2003, ganó el Primer Premio en el Concurso Nacional de Guitarra en San José, Costa Rica. También es copropietario de la Escuela Superior de Guitarra en Costa Rica, para la cual ha trabajado como maestro y director.

Maestría y doctorado coronan su capacidad y vocación

Asimismo, en 2004,  Sánchez-Portuguez comenzó su maestría en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana con el distinguido profesor y guitarrista, internacionalmente aclamado, Ernesto Bitetti. Continuó en el prestigioso Programa de Doctorado en la Jacobs School of Music, graduándose en mayo de 2012 como Doctor en Música, en guitarra, con Menciones en Teoría y Composición Musical, donde estudió con los compositores Luis Diego Herra, Sven-David Sandstrom, Per Martensson, Gabriela Ortiz, y Don Freund. En 2008, ganó el premio a la Mejor Interpretación del Trabajo Obligatorio en el Concurso Internacional de Concierto para Guitarra Joann Falletta. 1.

Ha interactuado con Pepe Romero, Leo Brouwer  y Mario Ulloa
Sus frutos como profesor, productor, arreglista, propietario e invitado de honor en festivales son numerosos

Ha participado en clases magistrales con numerosas figuras como Leo Brouwer, Costas Cotsiolis, Pepe Romero, Eduardo Fernández, Nuccio D’Angelo, Javier Hinojosa, Jorge Luis Zamora, Jorge Cardoso, Mario Ulloa, Juan Falú, Francisco Ortiz, Eduardo Martín, Baltazar Benítez y Jesús Ortega.

Entre 2009 y 2014, Sánchez-Portuguez fue profesor en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana, donde impartió cursos de historia de la música latinoamericana y técnicas para arreglar o componer estilos latinos. También, fue el arreglista residente y director musical del Ensamble de Música Popular de América Latina. Con este conjunto, recientemente grabó Paisaje urbano, un disco compacto que presenta su habilidad como intérprete y arreglista, así como, también, como director y productor.

En 2012, dirigió y produjo un disco compacto con la cantante ganadora del Grammy, Sylvia McNair, en la que también aparece como intérprete y arreglista. En 2014 y 2015 se desempeñó como Director de Estudios de Guitarra en Franklin College en Indiana, donde también enseñó World Music. En 2015, comenzó a enseñar clases de guitarra clásica y clases de apreciación de música en línea en Parkland College. Y en ese mismo año, creó su propio estudio de guitarra privado de corte clásico y “fingerstyle” en The Upper Bout.

Guido Sánchez-Portuguez ha sido invitado a participar en numerosos festivales en todo el mundo, incluyendo el Festival de Música Boardwalk en Virginia, el Festival de Guitares D’Alsace en Francia, el Festival Internacional de Guitarra en San José, Costa Rica; el Festival de Guitarra de Guanacaste en Liberia, Costa Rica; Guitar Days en Buffalo, NY; el Festival Permanente de Música de Suchitoto en El Salvador, y el Indiana Guitar Festival. Además, ha realizado recitales y dictado clases magistrales y conferencias en varias universidades, incluidas Marshall University, Universidad de Costa Rica, Tulane University, University of Illinois, Indiana University, University of Indianapolis y Indiana University Purdue en Indianápolis.

Actualmente, ocupa el cargo de profesor de guitarra en la Escuela de Música de la Universidad de Illinois. Continúa componiendo y presentándose como concertista, tanto a nivel local como internacional.

Texturas atávicas en un transformado universo sonoro
Atavismos (Guido Sánchez-Portuguez)

Guido Sánchez-Portuguez, autor de Atavismos, describe la génesis de la obra: “Hasta muy recientemente, mi obra se ha compuesto primordialmente de música para guitarra y música de cámara. Atavismos es mi segundo encuentro con la escritura orquestal (el primero fue mi Concierto para guitarra y orquesta del año 2012), lo cual, a nivel personal, representa un gran paso adelante en mi labor artística como compositor. Un atavismo implica una forma de conducta propia de generaciones pasadas que se hereda a nivel genético y se manifiesta en descendencias posteriores, usualmente saltándose una o más generaciones intermedias. Basándome en esta definición, mi intención ha sido el ilustrar mediante distintos tipos de textura, la transformación en la conducta de un motivo recurrente”.

Amplía el compositor: “El final de la introducción contiene uno de los motivos melódicos más importantes, expuesto por el clarinete, el primer violín y luego la flauta. Justo después, las cuerdas revelan el patrón rítmico que funciona como pilar principal para el desarrollo de la arquitectura contrapuntística y la transformación motívica. La sección media presenta el primer cambio anímico drástico, con un tópico marcial que se va diluyendo hasta llegar a lo que, tal vez, es el momento más evidente en el que se presenta un atavismo: la aparición del contrapunto medieval, elaborado al estilo particular de los compositores del sur de Francia de finales del siglo XIV. Esta sección representa lo que se puede considerar como el resurgimiento de ciertas conductas pertenecientes a una generación antigua, las cuales poco a poco comienzan a interactuar con los tejidos expuestos al principio de la obra, creando una especie de vórtice temporal que culmina con un retorno modificado y extrovertido de la conducta inaugural”, finaliza Sánchez-Portuguez.

Bohuslav Martinú (1890-1959 | Checoslovaquia)
Noneto n.° 2 (1959) *
I- Poco Allegro
II- Andante
III- Allegretto

Cosmopolita influido por la cultura francesa que nunca olvidó el espíritu de su patria

Compositor checo, tal vez el más famoso del siglo XX después de Leoš Janáček. Nació en Policka (hoy república Checa o Chequia), el 8 de diciembre de 1890,  y estudió con el compositor y violinista checo Josef Suk y, en 1923, en París con el compositor francés Albert Roussel, quien ejerció una influencia decisiva en su estilo. Martinú vivió en Estados Unidos entre 1940 y 1946, periodo en el que comenzó a componer sus seis sinfonías, donde combina la tonalidad disonante y el estilo neoclásico de Roussel con una especial sensibilidad hacia la música folclórica checa. Entre sus obras cabe destacar Memorial de Lidice para orquesta (1943), la Sinfonía n.º 6 (1953), y la ópera la Pasión griega sobre el texto de Cristo nuevamente crucificado, de Nikos Kazantzakis (1958).

Martinú fue un autor muy prolífico. Entre sus numerosas composiciones se encuentran obras coreográficas, las seis sinfonías ya mencionadas, así como obra concertante y música de cámara. Fue un compositor cosmopolita, influido por la cultura francesa, pero que jamás olvidó los acentos de su patria checa adonde las vicisitudes de la política le impidieron regresar. Murió de cáncer en Suiza. Bohuslav Martinú recibió una fuerte influencia tanto del impresionismo como de otros compositores y del jazz. Sin embargo, su obra es ante todo la expresión del ideal nacional de la música checa en un lenguaje internacional.

En vida del compositor, a pesar de la difusión que alcanzaron otras obras suyas, su veintena de óperas para la escena y para la radio se conoció poco. Emigró de su país y vivió de manera inestable, tal vez por su carácter, en parte impulsado también por la inestabilidad de la época, en muchos lugares del mundo: París, Italia, Suiza, Estados Unidos. Nunca volvió a su patria, pero durante toda la vida fue fiel a la música de su país. Siempre aparecen en sus obras melodías y ritmos checos.

Martinú fue después de la Primera Guerra Mundial un compositor de vanguardia, luego se pasó al neoclasicismo, que contenía también rasgos románticos. En el ámbito del idioma alemán se interpretaron sus siguientes obras: Julietta, Wovon die Menschen leben y Die Heirat (basada en Gógol y estrenada en Hamburgo en 1954) y Mirandolina.

Bohuslav Martiní fallece el 28 de agosto de 1959, en Liestal, Suiza.

Algunas de sus obras

  • Trío para flauta, violín y piano
  • Julieta o el Libro de los sueños
  • Mirandolina
  • Pasión griega
  • Concierto para piano n.° 1, H.149
  • Tres danzas checas, H.154
  • Sexteto para piano e instrumentos de viento, H.174
  • Concierto para piano n.° 2, H.237
  • Sonata para flauta, violín y piano, H.254
  • Concertino para piano y orquesta, H.269
  • Fantasía y Toccata, H.281
  • Sinfonía n.° 1, H.289
  • Sinfonía n.° 2, H.295
  • Sinfonía n.° 3, H.299
  • Trío para flauta, violonchelo y piano, H.300
  • Sinfonía n.° 4, H.305
  • Sonata para flauta y piano, H.306
  • Estudios y Polkas, H.308

El Noneto para flauta, oboe, clarinete, cuerno, fagot, viola, violín, violonchelo y contrabajo
Misterio y tristeza que presagia la cercanía de la parca

 El Noneto fue compuesto en 1959, poco antes de su muerte. Está orquestado para trío de cuerdas, contrabajo y quinteto de viento. El trabajo fue encargado para celebrar el 35 aniversario del famoso Nonet Checo, prácticamente el único conjunto permanente de este tipo. Esta composición ha recibido considerable aclamación por parte de la crítica. La obra consiste en tres movimientos, todos de una longitud modesta. El primer movimiento, Poco allegro, es soleado y brillante, recordando un poco el sonido de un Haydn neoclásico. La música es animada, pero no agitada. Los vientos y las cuerdas están muy bien combinados, y la obra conserva la naturaleza íntima de la música de cámara en lugar de inclinarse hacia la orquesta. El segundo movimiento, Andante, se presenta en marcado contraste con el primero. Aunque el aire de misterio se extiende por todas partes, también hay una profunda vena de tristeza y derrota, tal vez una señal del hecho de que, por el tiempo en que compuso la música, murió de cáncer. El rango dinámico prácticamente nunca se eleva por encima de un mezzoforte. El tema principal del movimiento final, Allegretto, es rítmicamente complejo, mientras que su melodía es una vez más de tono brillante. Un segundo tema generado por las cuerdas superiores, y luego reiterado por los vientos en masa, tiene una cálida característica de ensueño. Le sigue un interludio lúdico y juguetón, antes de la breve y sosegada coda calmada. Este es un trabajo moderno de primera clase. (The Chamber Music Journal)

Pablo Santiago Chin ( 1982 | Costa Rica)
Si Chavela met Matta para voz femenina con parte de “tape” opcional (2018) **

Conservatorio de Castella y Escuela de Artes Musicales (UCR), los derroteros.
Estados Unidos: la meta soñada y alcanzada

El compositor costarricense, oriundo del cantón de Desamparados, San José, y radicado en Estados Unidos, Pablo Santiago Chin Pampillo, nace en 1982. Inicia sus estudios musicales con énfasis en clarinete en 1994, en el Conservatorio de Castella, con el maestro Fernando Sánchez. Del 2000 al 2002, continúa sus estudios de clarinete en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica con la maestra Yamileth Pérez y, en el 2002, toma clases privadas de composición, análisis y armonía con el compositor Alejandro Cardona. En el 2003 se matricula en el programa de composición de la Universidad Internacional de Florida, donde estudia dicha especialidad con Fredrick Kaufman y Orlando García, además, continúa sus estudios de clarinete con Paul Green. Pablo Chin obtuvo su Doctorado en Composición en la Universidad de Northwestern, en Chicago.

Su producción, comisiones y artistas que han tocado su música

Los trabajos recientes de Chin se inspiran en las narraciones del cine y la literatura, las estructuras fonéticas en el texto y el uso de métodos de transcripción idiosincrásicos, que permiten la exploración imaginativa de fuentes musicales preexistentes.

Su música se ha presentado en Sur, Centro y Norteamérica, en Israel, Asia y en Europa. Ha sido comisionado para componer obras para Ensemble Recherche, International Contemporary Ensemble (ICE), miembros de Anubis Quartet, MAVerick Ensemble, Latino Music Festival of Chicago y Ensemble Dal Niente, entre otros. Su música también ha sido interpretada por artistas como Ostravská Banda, Donatienne Michel-Dansaq, Pierre-Stéphane Meugé, Marino Formenti, Claire Chase, Eric Lamb, Gan Lev y Marcuss Weiss.

Galardones, instructores, festivales y trabajo actual

Ha sido galardonado con el Premio Cacavas, el Premio William T. Faricy y el Premio William Karlins, todos de la Universidad Northwestern, donde obtuvo su doctorado en composición. Allí estudió con Hans Thomalla, Jay Alan Yim y Aaron Cassidy. Los instructores anteriores incluyen a Alejandro Cardona en su Costa Rica natal y Orlando García en Miami. En las clases magistrales, ha trabajado con Richard Barrett, Oliver Knussen, Chaya Czernowin y Kaija Saariaho, entre otros. Ha asistido a prestigiosos festivales internacionales de música nueva, incluidos los 45º y 46º Cursos de Verano para Música Nueva en Darmstadt, Ostrava Days 2009 y Center Acanthes 2011. Pablo Chin es instructor de Composición de Música Electrónica en la Universidad de Drew en Nueva Jersey, y es cofundador y director artístico de la Consorte Fonema. En 2017, Chin lanzó un álbum de retratos bajo la etiqueta New Focus Recordings con sus obras para flauta.

Ficción musical: fusión de la obra pictórica de Roberto Matta y la voz de Chavela Vargas.

El compositor Pablo Santiago Chin, explica los pormenores de su obra: “Si Chavela met Matta propone una situación musical ficticia en la que los contornos visuales de la obra del pintor chileno Roberto Matta, se funden con la voz a cappella de Chavela Vargas, nacida en Costa Rica e ícono de la cultura Mexicana. Grabaciones de Vargas y de distintas progresiones de acordes fueron transformadas a través de una aplicación por computadora de síntesis granular. Siguiendo los contornos de la obra de Matta al tiempo que las grabaciones sonaban en la aplicación, éstas se ralentizaban, aceleraban, congelaban, se revertían, y subían o bajaban las alturas. Luego, los audios resultantes fueron transcritos a notación musical y adaptados a las posibilidades de cada instrumento o combinación instrumental. La obra, entonces, presenta tres perspectivas sobre la convergencia creación visual y sonora: el personaje transformado de Chavela Vargas, un acompañamiento de piano y percusión cual si fueran bongós y guitarra de fondo, pero en un mundo alternativo, y breves reflexiones sobre el trío anterior, tocadas por un octeto de vientos y cuerdas”.

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Luis Adolfo Víquez | Director de orquesta invitado

Inicio y desarrollo de una carrera brillante

Luis Adolfo Víquez Córdoba, costarricense, clarinetista y director de orquesta, nace en 1988. Fue seleccionado como clarinetista concertino de la Orquesta Latinoamericana de Vientos (2009) en Colombia, y como miembro de la Orquesta Mundial de Vientos Taiwán (2011). Es egresado de la Licenciatura en Música con énfasis en clarinete de la Universidad de Costa Rica y, más tarde, obtuvo una maestría doble en Clarinete y Dirección de Bandas en Truman State University (USA).

Laboró como profesor de cursos teóricos, clarinete, y ha sido director de bandas en las escuelas municipales de música de Cartago y Paraíso. Víquez ha sido miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, la Orquesta Municipal de Cartago, la Southeast Iowa Symphony y la Orquesta Sinfónica de Heredia, en la cual se desempeñó como clarinetista principal en varias de sus producciones discográficas y participó como solista invitado para las temporadas 2012 y 2013.

Internacionalmente, Víquez ha brindado recitales y conciertos en Colombia, Guatemala, Honduras, Panamá y los Estados Unidos, entre otros países. Ha sido ganador del Robert Fountain Memorial Award, la Truman Gold Medal Concerto Competition, la MissourI MMTA State Competition, la Medalla de Oro Truman 2013, el Premio Memorial de la Fuente Robert 2014, y recibió el Premio al mejor director en la Competencia Nacional de Banda de Costa Rica (2011), y en la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de Costa Rica, la Medalla de Honor en 2009, entre otros galardones.

Madurez profesional de un joven músico con profusa trayectoria

Luis Adolfo Víquez disfruta de una carrera que demuestra gran versatilidad, tanto como clarinetista solo, como orquestal, de  ópera y como director de banda de vientos. El Dr. Víquez se unió a la Facultad de Música de la Universidad de Dakota del Sur (USD) en 2016, como director de actividades orquestales y profesor asistente de clarinete, donde también supervisa el programa de posgrado en dirección de orquesta, y realiza la producción anual de ópera.

También se ha desempeñado como director de la Banda de Conciertos de la Universidad de Dakota del Sur, y ha impartido cursos de orquestación, literatura musical instrumental, teoría musical y habilidades auditivas. Se presenta con la South Dakota Chamber Winds y con Víquez-Wadley Dúo.

El Dr. Víquez ha actuado y dirigido extensamente a lo largo y ancho de los Estados Unidos, Costa Rica, Inglaterra, Panamá, Colombia, Guatemala, Honduras y Taiwán. Como director invitado, ha dirigido las orquestas del Conservatorio de Música y Danza de la Universidad de Missouri, la Orquesta Sinfónica de Cartago (Costa Rica), el Ensamble de Cámara del Medio Oeste de Kansas City, la Banda Sinfónica Nacional  de Cartago (Costa Rica), la Banda de Conciertos de Heredia (Costa Rica), la Orquesta Sinfónica de Truman, la Sinfonía de Viento y Banda de Conciertos de la Universidad Estatal Truman, la Banda Nacional de Conciertos de Puntarenas (Costa Rica) y la Banda Sinfónica Nacional de San José, Costa Rica.

Apariciones en afamados montajes operísticos

Ha sido destacado conductor en la Conferencia de la Asociación Nacional de Maestros de Música 2013 en Anaheim, California y, asimismo, actuó como solista invitado en la Conferencia de Educadores de Música de Missouri 2016, y como artista invitado en la Conferencia Nacional de Compositores NACUSA 2016 en Knoxville, estado de Tennessee. Las apariciones en ópera incluyen The Old Maid and the Thief, de G. Menotti, con el Truman Opera Theatre, en 2013; Die Zauberflote, de W.A. Mozart; The Turn the Screw, de B. Britten, con el UMKC Opera Theatre, en 2015 y 2016; en  Die Fledermaus (El murciélago),  de R. Strauss, (2017), y en The Consul (2018) con la Ópera de la Universidad de Dakota del Sur, obra de G. Menotti,

Luis Víquez tiene una gran demanda como examinador  y juez, presentando talleres de conducción instrumental y clases magistrales de clarinete a nivel regional e internacional. Con frecuencia aparece como clínico y director honorario con las orquestas nacionales y la Dirección Nacional de Bandas del Ministerio de Cultura de Costa Rica, y el Conservatorio Nacional de Música de Honduras. Viquez ha sido el clarinetista principal de la Orquesta Sinfónica de Heredia (Costa Rica), habiendo grabado en cuatro de sus producciones discográficas, y ha sido presentado como solista invitado para la temporada 2012 con el Concierto Clarinet K. 622, de Mozart. En 2013, fue invitado nuevamente a presentar un concierto de relanzamiento del primer concierto de viento jamás escrito en Costa Rica: el Concierto para clarinete y orquesta, de Benjamín Gutiérrez. En 2009, fue seleccionado como el clarinetista principal de la Orquesta de Viento Juvenil Latinoamericana (Manizales, Colombia), y fue uno de los cuatro músicos latinoamericanos  seleccionados para actuar en la World Youth Wind Orchestra (2011-Ciudad de Chiayi, Taiwán).

Labores desempeñadas antes de llegar a los Estados Unidos

Publicaciones académicas en prestigiosos medios

Antes de llegar a los Estados Unidos, Luis Víquez se desempeñó como profesor de música en las escuelas municipales de música de Cartago y Paraíso, y actuó como clarinetista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica y de la Orquesta Municipal de Cartago. Como académico, ha publicado artículos, tanto en inglés como en español, sobre procedimientos de ensayo de música instrumental, pedagogía de clarinete y repertorio sinfónico latinoamericano en la Asociación de Directores de Orquesta del Journal of the College, la Revista WASBE World, la Revista Electrónica “La Retreta “, la Revista Educación de la Universidad de Costa Rica, y la Revista de la Asociación Mundial de Bandas Sinfónicas y Conjuntos, y es coautor de un libro sobre el estilo musical del compositor costarricense Benjamín Gutiérrez, publicado por la Editorial de la Universidad de Costa Rica (EUCR), en marzo de 2016.

Apreciables atestados de un inquieto músico

Tiene títulos de la Universidad de Costa Rica (BM Clarinet Performance), la Universidad Estatal Truman (MA Clarinet Performance – MA Wind Band Conducting), el Conservatorio de Música y Danza de la Universidad de Missouri-Kansas City ( DMA en dirección de orquesta y ópera), y ha completado estudios superiores en dirección en el Royal Northern College of Music en Manchester, Reino Unido.

MÚSICOS
Músicos participantes en el IV programa “Costa Rica desde afuera”

Director Invitado: Luis Adolfo Víquez

 

Violín Erasmo Solerti
Violín II Johan Chapellin
Viola Samuel Ramírez
Violoncello Olman Ramírez
Contrabajo Jose Pablo Solís
Flauta Mario Velazco
Clarinete Sergio Delgado
Oboe Roslyn Cerdas
Fagot María de Jesús Fernández
Saxofón soprano y alto Mónica Leandro Murillo
Saxofón tenor y barítono Israel Castro
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Enrique Lizano
Corno Mauricio Villalobos
Piano Sharon Villegas
Soprano Marcela Alfaro
Percusión Andrés Barboza
Percusión Dennis Arce