OSH | 2018 – LATITUDES SONORAS

III PROGRAMA
Eddie Mora | Director titular
24 Marzo, 8:00 pm | Teatro Nacional de Costa Rica
27 Marzo, 7:30 pm | Parroquia Nuestra Señora Inmaculada de Heredia

  •  Yuri Kasparov (1955 | Rusia)
    Homenaje a Honneger para nueve músicos*
  • Claude Debussy (1862 – 1918 | Francia)
    La siesta del fauno (adaptación de Arnold Schoenberg)*
  • Houston Dunleavy (Australia)
    A kiss before the world’s end para viola y ensamble de vientos*
    Solista: Brett Deubner (Estados Unidos)
  • Vladimir Deshevov (1889 – 1955 | Rusia)
    Rieles (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*
  • Alexander Mosolov (1900 – 1973 | Rusia)
    La fábrica  (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*
  • Arthur Honegger (1892 – 1955 | Suiza)
    Pacific 231 (1927 – adap. por A. Khubeev para la OSH | Rusia)**

*Estreno nacional  | ** Estreno mundial

 

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NOTAS AL PROGRAMA

III PROGRAMA

Temporada 2018 | LATITUDES SONORAS

Eddie Mora |Director titular
24 Marzo: 8:00 pm | Teatro Nacional de Costa Rica
27 Marzo: 7:30 pm | Parroquia Inmaculada Concepción-Heredia

 

PROGRAMA

  • Yuri Kasparov (1955 | Rusia)
    Homenaje a Honneger para nueve músicos*
  • Claude Debussy (1862 – 1918 | Francia)
    La siesta del fauno (adaptación de Arnold Schoenberg)*
  • Houston Dunleavy (Australia)
    A kiss before the world’s end para viola y ensamble de vientos*
    Solista: Brett Deubner (Estados Unidos)
  • Vladimir Deshevov (1889 – 1955 | Rusia)
    Rieles (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*
  • Alexander Mosolov (1900 – 1973 | Rusia)
    La fábrica, opus 19 [La fundición de acero] (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*
  • Arthur Honegger (1892 – 1955 | Suiza)
    Pacific 231 (1927 – adap. por A. Khubeev para la OSH | Rusia)**

 

*Estreno nacional  | ** Estreno mundial

  • Yuri Kasparov (1955 | Rusia)
    Homenaje a Honegger para nueve músicos*

Estreno nacional

De ingeniero eléctrico a ingeniero de la música académica contemporánea

Yuri Sergeyévich Kasparov es un compositor ruso, nacido en Moscú, el 8 de junio de 1955. Se graduó en el Instituto de Ingeniería Eléctrica de Moscú, en 1978 y en el Conservatorio Estatal  P.I. Chaikovski, en 1984, donde cursó estudios de posgrado en composición con Edison Denisov, entre 1984 y 1991.

Entre sus galardones se encuentran: primer premio en el concurso Guido d’Arezzo (1989), Gran Premio del concurso Henri Dutilleux (1996), y una mención especial en el concurso de la Academia Musical Pescarese, en Pescara, Italia (1999). Asimismo, fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno de Francia, en 2008.

Se desempeñó como editor musical en jefe del Centro de Estudios Estatal Ruso de Películas Documentales, de 1985 a 1989. Fundó el Conjunto de Música Contemporánea de Moscú en 1990, y ha fungido como su director artístico desde 1990. Además, fue miembro fundador del comité organizador de la Asociación de Música Contemporánea de Moscú. Además, es profesor de composición y orquestación en el Conservatorio Estatal Chaikovski desde 2005. Desde 1992 forma parte del comité organizador del Festival Internacional Moscovita de Otoño de Música Contemporánea.

En 2007, por decreto del presidente de Rusia, le fue otorgado el Premio Honorífico al Trabajador del Arte. En el año 2008, por el Ministerio de Cultura de Francia, le fue concedido el galardón de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 2009, la popular publicación Revista Musical, nombra a Yuri Kasparov como compositor del año.

Proyección de su música por medio de destacados solistas y renombradas orquestas

Desde el inicio de su carrera, sus obras han sido incluidas en diversos festivales como Pontino (Italia), FrankfurtFest (Alemania), Festival de Radio-France Présences, Festival de Verano de Tokio (Japón), Ensems (España ), Otoño de Varsovia (Polonia) y muchos otros. Kasparov ha recibido encargos por parte de intérpretes y entidades organizadoras de conciertos y festivales.  Entre ellos se encuentran, Ensemble Modern (Alemania), Radio Francia, junto con l’Institut National de l’Audiovisuel (Groupe de Recherches Musicales); festivales internacionales, tales como, Tage für Neue Musik de Zurich (Suiza) y el Festival de Feldkirch (Austria), Gran Teatro de Tours ( Francia), Orquesta Sinfónica de Stavanger (Noruega), Orquesta Sinfónica de Tours (Francia), Ensemble Accroche Note y Conjunto Orquestal Contemporáneo (Francia), el CORE Ensemble (EE.UU.), Archaeus Ensemble (Rumanía), Orquesta de Flûtes Française y otros.

Sus trabajos han sido interpretados por maestros como Paul Méfano, Pierre Roullier y Daniel Kawka (Francia); Friedrich Goldmann (Alemania), Olivier Cuendet (Suiza), Tadaaki Otaka (Japón), David Milnes (EE.UU.); Emin Khachatourian, Valeri Poliansky, Vladimir Ziva, Sergei Skripka, Vassily Sinaisky, Alexandre Dmitriev (Rusia).

Entre los solistas que han estrenado obras suyas están: el flautista Pierre-Yves Artaud (Francia), el oboísta Dorin Gliga (Rumanía), los clarinetistas Armand Angster (Francia) y Nicholas Cox (Reino Unido), los  fagotistas Valeri Popov (Rusia) y Johnny Reinhard (EE.UU. ), los barítonos Jaques Bona y Vincent Le Texier (Francia), el organista Hervé Désarbre (Francia), el violinista Vladislav Igolinsky, el pianista Mikhail Dubov, los violonchelistas Vladimir Tonkha, Sergei Sudzilovsky y Alexandre Zagorinsky (Rusia).

Sus composiciones han sido interpretadas por agrupaciones  como la Orquesta BBC-Gales (Reino Unido), Orquesta Filarmónica de Niza (Francia), Orquesta Nacional de la Radio Rumana, Ensemble Contrechamps (Suiza), Schoenberg-Ensemble (Países Bajos), 2E2M Ensemble (Francia), así como muchas de las principales orquestas y grupos de cámara de Moscú. Diferentes compañías discográficas han grabado muchas de sus composiciones, entre estas, Olympia (Reino Unido), Le Chant du Monde junto con Harmonia Mundi (Francia), Vista Vera (Rusia) y otras empresas discográficas.

La música de Yuri Kasparov se interpreta regularmente en muchos países alrededor del mundo. Estrenos mundiales de sus obras han tenido lugar en Francia, Italia, Alemania, Austria, España, Inglaterra, Suiza, Bélgica, Polonia, Suecia, Dinamarca, Noruega, Rumania, Finlandia, Ucrania, Japón, EE.UU. y Rusia. Con regularidad ofrece conferencias y clases magistrales en diversas instituciones de educación superior, tanto en Rusia como en el extranjero.

Acerca de Homenaje a Honegger

El compositor se refiere brevemente a su obra: “Homenaje a Honegger para nueve músicos es una obra creada y estrenada en 2005, para el Festival de Otoño de Varsovia. Hommage à Honegger está dedicado al 50 aniversario de su muerte. En sí, la pieza se refiere al movimiento del tren de la obra Pacific 231 (locomotora de vapor), de Arthur Honegger. Por lo tanto, la composición privilegia el movimiento perpetuo, verdadero pivote de esta obra. Los instrumentos desarrollan, también, alusiones a las cinco sinfonías de Honegger que aparecen y desaparecen con regularidad”.

ALGUNAS COMPOSICIONES DE YURI KASPAROV

Música orquestal

  • Sinfonía n.° 1Guernica(1984). Estreno: junio 1984 – Moscú
  • Sinfonía n.° 2,  Kreutzer (1987). Estreno: enero 1987 – Yaroslavl
  • Sinfonía n.° 3,  L’Ecclésiaste (1999). Estreno:  marzo 2000 – Tours (France)
  • Sinfonía n.° 4,  Notre Dame(2008).Estreno: noviembre 2008 – Moscú
  • Concierto para oboe y orquesta (1988). Estreno: diciembre 1991 – Moscú
  • Concierto para fagot y orquesta (1996). Estreno: octubre 1996 – Stavanger (Noruega)
  • Concierto para flauta y orquesta,C’est la vie (2003Estreno:  noviembre 2003 – Moscú

Música para orquesta de cámara de cuerdas

  • DSCH-Meditaciónpara órgano y veinte cuerdas (1999)
  • Con moto morto(2000) Fantasía para cuatro baldes, doce cuerdas órgano y pequeño mono mecánico. Estreno: noviembre 2006 – Rostov-on-Don (Rusia)
  • Le cauchemar nocturne de l’agent Fix(2005), broma musical para orquesta de cuerdas, basado en la novela de Julio Verne, La vuelta al mundo en 80 días. Estreno: junio 2005 – París 
  • Música para ensambles con solistas
  • Sinfonía de cámara n.° 4 para ocho intérpretes. Le monde disparaissant (2010)  Estreno: mayo 2010 – París
  • Sinfonía de cámara n.° 5 para seis intérpretesFive pictures of invisibility(2010). Estreno: junio 2010 – Feldkirch (Austria)
  • Trino del diablo. Variaciones sobre un tema de Tartini para dieciséis instrumentos (1990) Estreno:  diciembre 1990 – Moscú
  • Siete imágenes ilusorias de la memoria para dieciséis instrumentos (1995). Estreno: mayo 1995  – Fráncfort del Meno, Alemania
  • Homenaje a Honegger para nueve intérpretes (2005). Estreno: setiembre 2005 – Varsovia, Polonia

Además, Yuri Kasparov cuenta en su catálogo con música vocal, música para quinteto, cuarteto, trío, dúo y solista; asimismo, bandas sonoras para cine y música para cine animado.

  • Claude Debussy (1862 – 1918 | Francia)
    La siesta del fauno (arreglo de Arnold Schönberg)*

Estreno nacional

Innovaciones armónicas debussyanas abren puertas a un nuevo universo musical

Achille-Claude Debussy fue un compositor francés, cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Debussy nació en Saint-Germain-en-Laye, el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia, conoció la música de compositores como Chaikovski, Borodin, Balakirev y Mussorgski, así como el folclor ruso y gitano. Ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma, donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, titulada La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel, del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Música, pintura y literatura: fértil sinergia impresionista

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces, naturaleza controvertida, se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes, cabe destacar, el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura, escrita a los 32 años, basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un lector de Charles Pierre Baudelaire, Paul Verlaine y otros; con el arte de estos maestros de la literatura, así como con los pintores llamados impresionistas, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial. Su ópera Peleas y Melisande, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó el simbolismo y ensueño de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones.

Entre 1902 y 1920, Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L’île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas. En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918, durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.

La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala tonal completa, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional.  Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música.

Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan la música para escena de El martirio de San Sebastián (1911), de Gabriele d’Anninzio; la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

Poesía, poema sinfónico, ballet: trayecto de un texto sobre un fracaso amoroso

El Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l’après-midi d’un faune) es un poema sinfónico de Claude Debussy. Estrenado en París en diciembre de 1894, la obra está inspirada en el poema L’après-midi d’un faune, del poeta simbolista Stéphane Mallarmé. Es una de las obras más conocidas de su autor, y es considerada una obra crucial en el desarrollo de la estética impresionista. La sensualidad y la potencia visual de la obra, motivaron que fuera coreografiada en 1912 por Vaslav Nijinsky, y presentada en los escenarios de los ballets rusos de Serge Diaghilev, provocando cierto escándalo por los gestos masturbatorios del fauno.

Breve anotación acerca del poema de Mallarmé

El poema habla sobre un amor fracasado entre un fauno y una ninfa, mostrando el sufrimiento de este por el amor no correspondido.  Entonces, bebe para poder superar esta deprimente situación y así olvidar su sufrimiento. ¿Por qué el título? Porque, precisamente,  ante su impotencia, bebe vino y se queda dormido, tratando de olvidar su pena y su rencor hacia la ninfa.

El fauno como “Tristán debussyano”

Esta revolucionaria obra es considerada el primer hito del impresionismo sinfónico. En cierto modo, constituye la ansiada respuesta al reto -planteado a partir de la derrota francesa en la Guerra de 1870– de sintetizar un estilo -armonía, forma, orquestación, etc.- capaz de medirse -o, en su caso, capaz de superar- el sinfonismo wagneriano mediante fórmulas inequívocamente francesas.

Pese a la consagración del término “impresionismo” para referirse a esta corriente, la estética de Debussy -y esta obra en particular- parece menos inspirada en esta corriente pictórica que en la poesía simbolista. El poema de Mallarmé -publicado en 1876- utiliza un sofisticado lenguaje poético para contar en primera persona las peripecias de un fauno acaecidas durante la mañana: sus juegos eróticos con las ninfas, el rechazo de estas, y el cansancio resultante.

Misterioso y sensual eco wagneriano

La traducción sonora de Debussy se sume en esta decadente atmósfera, dando como resultado una suerte de fresco sinfónico que, partiendo de los modelos germánicos (Wagner, Liszt), se independiza de ellos de forma radical. En un sentido más particular, podemos considerar esta obra como la respuesta francesa al Preludio de Tristán e Isolda, cuyos ecos resuenan por doquier a lo largo de esta obra, transmutados en una esencia distinta, desde el misterioso acorde (semidisminuido y con ambigua función tonal) que abre la obra, hasta la irresistible sensualidad que ambas encarnan de forma arquetípica.

Los primeros acordes escuchados en el Preludio de Tristán e Isolda y en el Preludio a la siesta de un fauno son un acorde semidisminuido, que se resuelve de forma irregular en un acorde séptima de dominante. En el caso wagneriano, la resolución se produce por descenso de semitono; en el debussyano, en unísono. La orquestación de este último (con protagonismo del arpa y las trompas) contribuye a disimular una interpretación relativamente simple del primer acorde como apoyatura del segundo como variante del +vi – V de Walter Piston, dando como resultado una sonoridad mucho más enigmática.

Fragmento inicial del poema original de S. Mallarmé

LA SIESTA DE UN FAUNO

ÉGLOGA

EL FAUNO:

¡Estas ninfas quisiera perpetuarlas.

Palpita

su granate ligero, y en el aire dormita

en sopor apretado.

¿Quizá yo un sueño amaba?

Mi duda, en oprimida noche remota, acaba

en más de una sutil rama que bien sería

los bosques mismos, al probar que me ofrecía

como triunfo la falta ideal de las rosas.

Reflexionemos…

¡Si las mujeres que glosas

un deseo figuran de tus sentidos magos!

Se escapa la ilusión de aquellos ojos vagos

y fríos, cual llorosa fuente, de la más casta:

mas la otra, en suspiros, dices tú que contrasta

como brisa del día cálida en tu toisón.

¡Que no! que por la inmóvil y lasa desazón

-el son con la frescura matinal en reyertano

murmura agua que mi flauta no revierta

al otero de acordes rociado; sólo el viento

fuera de los dos tubos pronto a exhalar su aliento

en árida llovizna derrame su conjuro;

es, en la línea tersa del horizonte puro,

el hálito visible y artificial, el vuelo

con que la inspiración ha conquistado el cielo.

 

Sicilianas orillas de charca soporosa

que al rencor de los soles mi vanidad acosa,

tácita bajo flores de centellas, DECID

«Que yo cortaba juncos vencidos en la lid

por el talento; al oro glauco de las lejanas

verduras consagrando su viña a las fontanas:

Ondea una blancura animal en la siesta:

y que al preludio lento de que nace la fiesta,

vuelo de cisnes, ¡no! de náyades, se esquive

o se sumerja …»

 

www.elaleph.com

 

El mismo fragmento del poema, pero en francés

 

L’après-midi d’un faune (Églogue)

Stephane Mallarmé (1842-1898)

 

Le Faune:

Ces nymphes, je les veux perpétuer.

Si clair,

Leur incarnat léger, qu’il voltige dans l’air

Assoupi de sommeils touffus.

 

Aimai-je un rêve ?

Mon doute, amas de nuit ancienne, s’achève

En maint rameau subtil, qui, demeuré les vrais

Bois mêmes, prouve, hélas ! que bien seul je m’offrais

Pour triomphe la faute idéale de roses.

 

Réfléchissons…

ou si les femmes dont tu gloses

Figurent un souhait de tes sens fabuleux !

Faune, l’illusion s’échappe des yeux bleus

Et froids, comme une source en pleurs, de la plus chaste :

Mais, l’autre tout soupirs, dis-tu qu’elle contraste

Comme brise du jour chaude dans ta toison ?

Que non ! par l’immobile et lasse pâmoison

Suffoquant de chaleurs le matin frais s’il lutte,

Ne murmure point d’eau que ne verse ma flûte

Au bosquet arrosé d’accords ; et le seul vent

Hors des deux tuyaux prompt à s’exhaler avant

Qu’il disperse le son dans une pluie aride,

C’est, à l’horizon pas remué d’une ride

Le visible et serein souffle artificiel

De l’inspiration, qui regagne le ciel.

 

O bords siciliens d’un calme marécage

Qu’à l’envi de soleils ma vanité saccage

Tacite sous les fleurs d’étincelles, Contez

« Que je coupais ici les creux roseaux domptés

« Par le talent ; quand, sur l’or glauque de lointaines

« Verdures dédiant leur vigne à des fontaines,

« Ondoie une blancheur animale au repos :

« Et qu’au prélude lent où naissent les pipeaux

« Ce vol de cygnes, non ! de naïades se sauve

« Ou plonge… »

 

El entorno musical de la versión arreglada de A. Schönberg

La Verein für Musikalische Privataufführungen (Sociedad de interpretaciones musicales privadas) fue fundada por Arnold Schönberg, sus amigos y estudiantes en la segunda década del siglo XX, con el fin de ofrecer a los compositores, la oportunidad de escuchar importantes partituras del momento en un entorno propicio para el desarrollo una comprensión más profunda de las herramientas musicales y las innovaciones de la época. Entre los principales músicos de este círculo se encuentran, por supuesto, Arnold Schönberg, sus famosos estudiantes Alban Berg y Anton Webern, y otros compositores y arreglistas destacados que trabajan en Viena y sus alrededores, especialmente Erwin Stein. En un principio, se realizaron algunas obras importantes de la New Vienna School en estos conciertos privados, pero la Sociedad también estaba interesada en presentar representaciones de obras que merecen discusión o análisis no escritos por sus miembros.

Tampoco querían limitarse únicamente a realizar y debatir obras de cámara, por lo que, a instancias de Schönberg, comenzaron a hacer arreglos de obras orquestales para un conjunto pequeño, por lo general, uno compuesto por cuerdas solistas, piano y armonio, y algunos instrumentos de viento o cuernos solos. Entre las obras transcritas bajo la supervisión de Schönberg se encuentran la Sinfonía n.° 4, de Gustav Mahler y su ciclo de canciones épicas, Das Lied von der Erde; la Sinfonía n.° 7, de Anton Bruckner,  y obras más ligeras como el Vals Emperador, de Johann Strauss Jr. Muchos de los arreglos fueron iniciados por el propio Schönberg, pero completados por uno de sus aprendices, a menudo Stein, quien hizo todo el arreglo de la Sinfonía n.° 4, de G. Mahler. Aunque los gustos de la Sociedad eran generalmente muy teutónicos, el poema sinfónico de Claude Debussy, Prelude a l’apres midi d’un faune,  fue una obra tan radical e influyente que, ciertamente, fue un tema irresistible para la Sociedad. Se sabe que Schönberg tomó notas extensas sobre cómo se deben hacer los arreglos, pero parece probable que haya dejado la última frase bar-by-bar escribiendo a uno de sus alumnos. Sorprendentemente, Schönberg y sus colegas pudieron crear un arreglo que mantiene intacta la increíble variedad de color y estado de ánimo que está presente en el original trabajo debussyano, al tiempo que le da a la obra un elemento adicional de intimidad y claridad.

  • Houston Dunleavy (Australia)

Un beso antes del fin del mundo para viola y ensamble de vientos*
(A kiss before the world’s end for viola and assembly of winds)

Estreno nacional

El compositor cuenta la historia de su vida en su página electrónica

Nací en Ballymena , Irlanda del Norte con la vista muy cercana de un paisaje montañoso. Se llama Slemish , y es uno de los lugares donde se suponía que residía St. Patrick. Mi familia era “musical” por  ambos lados, y era inevitable que aprendiera a cantar, tocar el piano, etc. cuando era un pequeño niño.

Los problemas de Irlanda del Norte, a finales de los 60 y principios de los 70, obligaron a mis padres a mudarse a Australia, en su opinión, para darnos a mi hermana y a mí, la oportunidad de crecer de forma segura. Esa decisión fue algo extraordinariamente valiente. Nunca lo lamentaron. De ese modo, pude ampliar mi formación musical en Haileybury College en clarinete y teoría, así como en el canto.

Después de graduarme en la Universidad de Melbourne con un BA en Historia y un B. Musical en composición, comencé mi carrera profesional como clarinetista y director de orquesta. Luego, tras un accidente, casi pierdo mi dedo pulgar izquierdo, y tuve que cambiarme a la composición a tiempo completo. Viajé a los Estados Unidos para completar maestrías en composición y dirección coral en el Instituto de Música de Cleveland, estudiando con Donald Erb (composición) y Gilbert Brooks (dirección coral); luego, un Ph.D. en Composición Musical de la Universidad Estatal de Nueva York, en Búfalo, estudiando con David Felder y Charles Wuorinen.

Mientras estaba en el curso Compositores de hoy, en 1995, fui nombrado en la Universidad de Wollongong (SE de Australia) como profesor de Composición. Fui  profesor titular y, finalmente, director interino de la Escuela de Música y Teatro. Cuando el programa fue suspendido y me despidieron, volví a ser un profesional independiente, enseñando en el Australian Institute of Music en Sydney (AIM); más tarde, en Sydney y Melbourne, en 2011. Además, llegué a ser director del Coro de Sydney, en 2010 .

Eventualmente, fui nombrado Jefe del Programa de Composición y Producción en AIM, hasta que fui despedido en 2016. Ahora, he vuelto a ser un profesional independiente, con dos puestos de director musical en Melbourne y tiempo suficiente para componer. Asimismo, soy miembro del grupo de improvisación anárquico Third Rail.

Actualmente, vivo en la hermosa ciudad de Melbourne, Australia.

Breve anotación sobre Un beso antes del fin del mundo para viola y ensamble de vientos

La obra inicia con un “clamor” en los agudos y abre con quintas en la viola, señales reminiscentes de la música tradicional irlandesa. La materia tonal del trabajo se deriva de escalas del Medio Oriente; armónicamente, una combinación de la música tradicional de dos culturas.

La obra dura aproximadamente 16 minutos, y fue estrenada por Brett Deubner –quien la interpretará con la OSH- con la Grainger Wind Simphony y la Queen Symphony, en el Iwaki Auditorium, en Melbourne, Australia, el 3 de diciembre de 2011.

La instrumentación es la siguiente: flautín, flauta traversa, oboe, corno inglés, clarinete si bemol, clarinete bajo, fagot, contrafagot, saxofón alto en mi bemol (2), saxofón tenor en si bemol, saxofón barítono en mi bemol, corno francés en fa (2), trompeta en do (2), trombón tenor, tuba, tímpano, percusión (2) y viola (solista).

Solista: Brett Deubner (Estados Unidos)

Brett Deubner, nacido el 31 de marzo de 1968, en Berkeley, California, es un destacado violista estadounidense. Ha actuado como solista de concierto con más de cincuenta orquestas en cuatro continentes.

En su desarrollo como músico, sus principales maestros fueron los violinistas Melvin Ritter y Fredell Lack , ambos, alumnos destacados de Ivan Galamian en la Juilliard School de la ciudad de Nueva York. Deubner estudió violín y viola en la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde sus principales maestros fueron Zvi Zeitlin, Martha Katz, el Cleveland Quartet y John Graham.

Tres continentes han escuchado su maestría con la viola

Discos grabados y obras escritas para él

Ha tocado como solista con diversas orquestas de todo el mundo. En los Estados Unidos, entre otras orquestas, ha actuado con: Grand Rapids Symphony, Peninsula Symphony, New Jersey Symphony Orchestra, Missoula Symphony  y Knoxville Symphony. En América del Sur con orquestas de Ecuador, Venezuela, Brasil, y Argentina, además de México, en América del Norte. En Europa, Deubner ha participado con la Orquesta Bel’Arte de París, la Thüringer Symphoniker de Saalfeld, Alemania; la Orquesta de Cámara Nacional de Ucrania,  y orquestas de Italia, Dinamarca y Bulgaria. Finalmente, en Australia, con la Percy Grainger Wind Symphony, Melbourne.

Compositores ganadores de premios Grammy como Lalo Schifrin, Carlos Franzetti y Richard Danielpour, han escrito viola para Brett Deubner.

A partir de 2017, Deubner cuenta con más de ochenta obras para viola, incluyendo treinta y siete conciertos de viola, y numerosos trabajos en solitario y de cámara, escritos para él. Ha grabado 15 discos compactos, incluidos, conciertos de Trent Johnson, Frank Lewin y Andrew Rudin, e hizo grabaciones de música de cámara para cuarteto de cuerdas , trío de arpa , trío de clarinete / viola / piano , dúo de viola / guitarra y 5 discos de viola / piano.

Ha colaborado con directores de orquesta como Perry So , Anne Manson , Lucas Richman, Patricio Aizaga, David Lockington , Oliver Weder  y Rossen Milanov .

Colaboraciones con brillantes músicos

Como colaborador de música de cámara, Deubner ha actuado con los violinistas Pinchas Zukerman , Timothy Fain, Gregory Fulkerson, Stefan Milenkovich  y Dimitry Sitkovetsky; el Cuarteto de Tokio, Claremont Trio, el Cuarteto Vermeer; los pianistas Joseph Kalichstein, Jeffrey Swann y Robert Koenig; las violonchelistas Wendy Warner y Sarah Sant’Ambrogio; los clarinetistas Guy Deplus y Alexander Fiterstein; las flautistas Carol Wincenc y Ransom Wilson, etc.

Durante 2017, Deubner grabó y estrenó el Concierto de viola, del compositor Richard Danielpour, galardonado con un Grammy, que fue escrito especialmente para él. Deubner instruye a jóvenes violistas en la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland, en Queens College, Nueva York.

Además, es el director artístico de la serie de conciertos Music and More en el área metropolitana de la ciudad de Nueva York; también, sirve como director de la Facultad del Round Top Festival Institute en Texas,  y del Festival Internacional de Música de Gramado en Brasil. Brett Deubner ofrece clínicas maestras en los Estados Unidos y en el extranjero.

  • Vladimir Deshevov (1889 – 1955 | Rusia)
    Rieles, opus 16 (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*

Estreno nacional

Nombre indispensable en la vanguardia musical rusa

Vladimir Mikhaylovich Deshevov  es un compositor  soviético, nacido el 11 de febrero de 1889, en San Petersburgo, y fallecido el 27 de octubre de 1955, en Leningrado.  Músico prodigioso de Tsárskoye Seló, autor de las primeras óperas y ballets soviéticos.

Su padre fue ingeniero de minas, mientras que su madre, cantante de música de cámara. En su familia, desde 1898, que vivía en Tsárskoye Seló, todos eran aficionados a la música, su padre era un asistente habitual en los conciertos, y estudió teoría musical. La abuela, Anna Konstantinovna Loseva, era una pianista de primera clase, tenía habilidades pedagógicas y una gran influencia en el desarrollo de las habilidades musicales de su nieto.

Vladimir Deshevovo estudió primero en la escuela de gramática de Tsárskoye Seló, en la que también estudiaron sus hermanos Konstantin y Sergei; luego, se graduó en la escuela de Nicolás II, en 1908. Conoció e hizo amistad con Sergei Prokófiev. Desde 1904, asistió a conciertos sinfónicos, de mayo a septiembre en Pavlovsk; en 1906, tomó lecciones privadas de teoría de la música y solfeo con el joven compositor A. Pashchenko. Siempre estuvo en la casa de Arens, junto con Vasily Komarovsky , Nikolai Gumilev , Nikolai Punin, y otros.

En 1908 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo. Entre sus profesores, en la clase del piano, tuvo a  Winkler y Nikolaev; en armonía, a Kalafati, y a otros sobresalientes profesores como Lyadov, Shteinberg y Gauk .Su desarrollo musical fue seguido con interés por A. Glazunov  y B.V. Asafyev. Se graduó del conservatorio en 1914.

Con el estallido de la I Guerra Mundial, fue reclutado en el ejército, luchó hasta el comienzo de la revolución de febrero. Luego, llegó a Elisavetgrad, donde trabajó como secretario en el departamento de educación pública, y enseñó teoría de piano y música en la escuela de la ciudad. Más tarde, impartió clases en Sebastopol, donde en 1921, se organizó junto con Sobinov, y dirigió el Conservatorio Popular. En Sebastopol tomó lecciones en la teoría de la composición, el futuro compositor y teórico del arte, Konstantin Konstantinovich Saradzhev. En octubre de 1922, regresó a Petrogrado. Perteneció al ala izquierda de los compositores de Leningrado. Enseñó técnica musical, y fue director de orquesta en teatros dramáticos.

Música para la escena y el cinematógrafo

Escribió música para más de treinta representaciones dramáticas y cinco musicales, incluida la obra de teatro de títeres de Leningrado, Gulliver en el país de los liliputienses (1936). Muchas obras no se entregaron o se eliminaron inmediatamente del repertorio. Trabajó en el cine. Escribió música para la película animada Mail (1930), basada en el poema homónimo de Marshak, y para las películas The Shard of the Empire , Servant of Two Masters, Academlo Pavlov, y otras.

La mayoría de las obras de Deshevov permanecieron archivadas, y mucho de su trabajo no se ha conservado. Un estudio sistemático de su legado recién está comenzando. Desde finales de la década de los 90 y principios del 2000, las obras de Chebotarev se han interpretado cada vez más en Rusia y en el extranjero, junto con el legado de Roslavets, Mosolov, Zhivotov,  Polovinkin y otros representantes de la vanguardia revolucionaria rusa.

Encomio de Darius Milhaud hacia Vladimir Deshevov

Durante la década de 1920, Vladimir Deshevov fue considerado como uno de los compositores soviéticos más prometedores. Darius Milhaud, que lo conoció en 1926 durante una visita a Leningrado, lo elogió en la prensa francesa como un “genio” y un compositor “extremadamente original”. Sin embargo, los intentos posteriores de hacer que sus composiciones fueran más conocidas en el extranjero, no tuvieron éxito. En 1929, escribió la composición más conocida: Hielo y acero. Pero, fueron tales las tensiones ideológicas de este período, que esta obra de vanguardia pronto desapareció del escenario público. Aunque Deshevov fue uno de los principales defensores de la vanguardia musical de izquierda en la década de 1920, y explícitamente se mostró a favor de la apropiación crítica de elementos del modernismo occidental, no fue objeto de ataques ideológicos directos durante la era estalinista. Sin embargo, ninguno de los dos, a pesar de moderar claramente su estilo compositivo, logró obtener una posición prominente en la cultura musical conformista del realismo socialista que prevaleció después de 1932. Fue solo después del estallido de la Segunda Guerra Mundial que comenzó una vez más a produce obras principales propias: música de ballet basada en materiales clásicos y poemas de tono patriótico.  No obstante, esto no evitó que su nombre fuera cada vez más olvidado.

 

Composiciones de Vladimir Deshevov

Música para la escena

Rey Edipo de Sófocles (1924)

Ópera

Hielo y acero (1929, en 2007 fue entregado a Saarbruecken )

La estepa hambrienta (1932)

Ballets

Torbellino rojo (1924)

Jabella (1926)

Jeyrang (principios de 1930)

Bela (1941) [3]

El cuento de la princesa muerta y los siete Bogatyrs (1949 )

Operetas

Mago de Bagdad (1927)

Colina amistosa (1928)

Música de cámara y sinfónica

1918,  poema sinfónico ( 1919 – 1923 )

Meditaciones para piano (1921)

Rieles (1926)

Suite china (1926)

Suite japonesa (1927)

Preludio (1927)

Toccata (1927)

Etude (1929)

El lugar del chamán (1931)

La suite de Samarkanda (1931)

Cuento de hadas ruso (1947)

Obertura rusa (1950)

Leningrado (1953)

  • Alexander Mosolov (1900 – 1973 | Rusia)
    La fábrica, opus 19 (1927 – adap. por A. Khubeev | Rusia)*

(También conocida como La fundición de acero)

 

Reinhold Glière y Nikolái Miaskovski, sus primeros maestros

Aleksandr Vasílievich Mosólov nace en Kiev, un 11 de agosto de 1900, y muere en Moscú, un 22 de julio de 1973. Fue un compositor ruso, un importante vanguardista de la época soviética. Fue hijo de un abogado, que lo dejó huérfano cuando solo tenía cinco años, y de una cantante del Teatro Bolshói. Durante la época de la revolución rusa (1917-1918) llegó a tener contacto personal con Lenin. Posteriormente, prestó servicio en el ejército durante la Primera Guerra Mundial en el frente polaco y en Ucrania, resultando herido y siendo afectado por neurosis de guerra. A partir de 1920, trabajó como pianista en salas de cine mudo, y en 1922, ingresó en el conservatorio de Moscú para estudiar bajo la dirección de Reinhold Glière y Nikolái Miaskovski, culminando sus estudios en 1925. Seguidamente, trabajó para la Asociación de Música Contemporánea como director de música de cámara.

Propaganda antisoviética y alcoholismo

Sus obras han sido acusadas a menudo de cierto brutalismo y maquinismo. Su composición más famosa es la pieza para orquesta La fundición de hierro, también conocida como La fundición de acero, y un movimiento para un ballet titulado Acero (1927), el cual fue interpretado en todo el mundo. Más tarde, cayó en desgracia por motivos políticos, y tras violentos ataques a su reputación, fue expulsado de la Asociación de Música Contemporánea, supuestamente, a causa de su alcoholismo. Fue enviado a Armenia, Kirguistán, Turkmenistán y la república rusa del Daguestán para realizar estudios de música popular y componer una canción sobre Stalin.

En 1937 fue arrestado por propaganda antisoviética y condenado a siete años de trabajos forzados. Gracias a la intervención de sus antiguos profesores fue puesto en libertad a los pocos meses, y continuó sus actividades de estudio de música folclórica a pesar de su estado de salud. Le fue reiteradamente denegada su petición de audiencia por las autoridades soviéticas para lograr su rehabilitación completa. Poco después de su muerte su música comenzó a ser de nuevo apreciada y recuperada.

Acerca de la obra

Evocación musical de la clamorosa industrialización soviética

La composición más famosa del compositor soviético Alexander Mosolov (1900-1973), La fundición de acero, originalmente el primer movimiento de la suite del ballet Acero. La obra se estrenó en Moscú el 4 de diciembre de 1927, en un concierto de la Asociación por la Música Contemporánea para conmemorar el décimo aniversario de la Revolución. Su estreno europeo fue en el Festival de la ISCM de 1930, en Lieja, y dos meses más tarde, fue estrenada en América por la Orquesta de Cleveland. Se trata de un “poderoso himno a la máquina” y una obra que glorificaba a la industrialización socialista y al trabajador dueño de su destino. De Acero sólo sobrevive La fundición de acero; el manuscrito del ballet se perdió en 1929.

Subtitulado “La música de las máquinas”, la breve composición es una evocación musical clamorosa de la industrialización de la época, una pieza bastante audaz en la que el ruido de las máquinas impone una dinámica creadora de gran originalidad. Fue tomada rápidamente por directores en toda Europa como un ejemplo representativo del nuevo arte soviético.

La Revolución de Octubre de 1917 creó las condiciones ideales para incubar un movimiento de corte futurista en ese país. Los compositores soviéticos comenzaron a experimentar en este campo. De este proceso se generó un grupo de futuristas, entre los que se encuentran Roslavets, Mosolov, Deshevov, Davidenko, Goedicke, Gnessin y Pathenko. Ellos se plantearon escribir obras de estructura simple, modernas y que fueran de fácil audición por la gran masa de la población, desde los granjeros colectivos, hasta los obreros de las siderúrgicas, basándose en los nuevos temas protagonistas del nuevo mundo construido tras la toma del poder de la clase obrera: el trabajo, el progreso, la fábrica, el futuro, entre otras cosas.

Los compositores revolucionarios no querían más que representar en sus notas el enorme significado para el futuro del triunfo de los soviets, y contarnos con la voz de sus instrumentos el ritmo vertiginoso al que estaba cambiando el mundo.

Algunas de sus composiciones

 

Instrumental

Sonata para piano n.º 2

Sonata para piano n.º 4

Sonata para piano n.º 5

Nocturnos para piano

Concierto para piano n.º 1

La fundición de hierro

Sinfonía n.º 3

Sinfonía n.º 5

Sinfonía n.º 6

Concierto para violonchelo y orquesta, n.° 2, re menor

Concierto para violín

 

Óperas

Un héroe -ópera de cámara (1928)

La cortina de fuego  – Libreto Ya. Zadykhin (1929-1930)

Una señal – libreto O. Litovsky (1941)

Mascarada – Con base en la obra de Mijaíl Lérmontov (c. 1944)

 

  • Arthur Honegger (1892 – 1955 | Suiza)
    Pacific 231- H. 53 (1927 – adap. por A. Khubeev para la OSH | Rusia)**

Estreno mundial

Compositor suizo nacido en Francia y miembro del Grupo de los seis

Arthur Honegger nace en  El Havre, el 10 de marzo de 1892, y fallece en París, el 27 de noviembre de 1955. Fue un compositor suizo nacido en Francia y que vivió la mayor parte de su vida en París. Fue miembro de Les Six (Grupo Los Seis). Su obra más interpretada, probablemente, es la pieza orquestal Pacific 231, inspirada por el sonido de una locomotora de vapor.

Nacido como Oscar-Arthur Honegger (nunca usó su primer nombre), de padres suizos, estudió en principio armonía y violín en su ciudad natal, El Havre. Tras una formación durante dos años en Zúrich, ingresó en el Conservatorio de París, donde estuvo de 1911 a 1918 y estudió con Charles-Marie Widor y Vincent d’Indy. Su presentación como compositor en París data de 1916, y en 1918 escribió el ballet Le dit des jeux du monde, considerada como su primera obra característica. En 1926 se casó con Andrée Vaurabourg, pianista y condiscípula en el Conservatorio de París, con la condición de que viviesen en apartamentos diferentes. Vivieron separados durante todo su matrimonio, con la excepción de los años de 1935 a 1936, tras sufrir Varaubourg un accidente de tráfico, y en el último año de vida, cuando no pudo valerse por sí mismo. Tuvieron una hija, Pascale, nacida en 1932. Honegger también tuvo un hijo, Jean-Claude (1926-2003), con la cantante Claire Croiza.

Entre la música para el cine, óperas, oratorios y ballets

A comienzos de la década de 1920, Honegger saltó a la fama con su “salmo dramático” Le Roi David, que aún está en el repertorio coral. Entre las dos guerras mundiales Honegger fue muy prolífico. Compuso la música para la película épica de 1927, Napoleón, de Abel Gance. Escribió nueve ballets y tres obras escénicas vocales, entre otras obras. Una de esas obras escénicas, Jeanne d’Arc aur bûcher (1935), un “oratorio dramático” (con texto de Paul Claudel), se contempla como una de sus mejores obras. Además de su trabajo en solitario, colaboró con Jacques Ibert, tanto en una ópera (L’Aiglon, 1937) como en la opereta Les petites cardinal. En esta época también escribió la Danse de la chèvre (1921), una pieza esencial en el repertorio de flauta. Dedicada a René le Roy, esta obra es viva y encantadora, pero con la misma sinceridad de toda la producción de Honegger.

El fragor de la guerra deprimió su pentagrama

Honegger siempre se mantuvo en contacto con Suiza, el país de origen de sus padres, hasta que el estallido de la guerra y la invasión de los nazis le hizo imposible abandonar París. Se unió a la resistencia francesa y, en general, los nazis no le causaron problemas y le permitieron continuar con su trabajo sin demasiadas interferencias. Dio clases de composición en la École Normale de Musique de Paris y entre sus alumnos estuvo Yves Ramette. Sin embargo, la guerra lo deprimió mucho. Entre su estallido y su muerte escribió las cuatro últimas sinfonías (de la segunda a la quinta), que están entre las más importantes obras sinfónicas del siglo XX. Entre ellas, la segunda, para cuerdas con una trompeta solista que interpreta una melodía coral de Johann Sebastian Bach en el último movimiento, y la tercera, subitulada Symphonie Liturgique, con tres movimientos que evocan la música para la misa de Réquiem (Dies Irae, De profundis clamavi y Dona nobis pacem) son probablemente las más conocidas. Escrita en 1946, justo al final de la guerra, tiene su paralelismo con la Sinfonia da Requiem, de Benjamin Britten, de 1940. En contraste con esta obra está la Sinfonía n.º 4, lírica, nostálgica, subtitulada Deliciae Basiliensis (“Los gozos de Basilea”), escrita como tributo a los días de distensión pasados en esa ciudad suiza durante la guerra.

Amor por los trenes

Es conocida la pasión de Honegger por los trenes y en una ocasión dijo: “Siempre he amado a las locomotoras de un modo pasional. Para mí, son seres vivos a los que amo, igual que otros aman a las mujeres o a los caballos. Su “movimiento sinfónico” Pacific 231 (una descripción de una locomotora de vapor) le hizo obtener notoriedad en 1923”.

Muchas de las obras de Honegger recibieron el gran apoyo de su amigo Georges Tzipine, que dirigió las primeras grabaciones de algunas de ellas (el oratorio Chris du Monde, Nicolas de Flüe).

En 1953 escribió su última composición, Una cantata de Navidad. Tras una larga enfermedad, murió en su casa de París, víctima de un ataque al corazón, en noviembre de 1955 y está enterrado en el Cementerio Saint-Vincent del barrio parisino de Montmartre.

Estructura estilística de Honegger:

Contrapunto, ritmo, melodía, armonía, impresionismo sonoro, arquitectura formal

Los principales elementos del estilo de Honegger son el contrapunto bachiano, marcados ritmos, amplitud melódica, armonías muy coloristas, uso impresionista de las sonoridades orquestales y preocupación por la arquitectura formal. Su estilo es más potente y solemne que el de sus colegas de Les Six. Lejos de reaccionar contra el romanticismo alemán como hicieron otros miembros del grupo, las obras de madurez de Honegger tienen una gran influencia de ellas. A pesar de las diferencias de sus estilos, él y sus colegas de Les Six como Darius Milhaud fueron grandes amigos; habían estudiado juntos en el Conservatorio de París. Milhaud dedicó su cuarto quinteto de cuerda a la memoria de Honegger, mientras que Francis Poulenc, de igual modo, le dedicó la Sonata para clarinete.

Quizá sea mundialmente famoso por su frase épica: “El primer requisito para un compositor es estar muerto”. Je suis compositeur, 1951.

Impronta del compositor

Honegger aparece en el billete de veinte francos suizos que se emitió en octubre de 1996 y que se retiró en 2017. Serge Ivanoff pintó su retrato en París en 1944. Se grabó su movimiento sinfónico Rugby con él dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de París en una grabación eléctrica de 1929, que se puede escuchar en YouTube​.

En el año 2002, en su ciudad natal, se inauguró un nuevo conservatorio (hecho por los arquitectos parisinos Jerôme Brunet y Eric Saunier) que lleva su nombre «Conservatoire Arthur Honegger».

En relación con la obra

Movimiento sinfónico de una locomotora

Pacific 231 es un trabajo orquestal de Arthur Honegger, compuesto en 1923. Honegger era conocido por ser un entusiasta de los trenes, y una vez llegó a decir: «Siempre me han gustado las locomotoras apasionadamente. Para mí son como criaturas vivientes y las amo como los demás pueden amar a las mujeres o a los caballos». Es una de sus obras que más frecuentemente se interpretan.

La lectura popular de la pieza es que representa a una locomotora de vapor, una interpretación que es apoyada por el título de la pieza. Honegger, sin embargo, insistió en que él la escribió como un ejercicio sobre la creación de sensación de velocidad, mientras el tempo de la pieza se ralentiza. Originalmente titulada Mouvement Symphonique, fue finalmente titulada Pacific 231 a secas, después de haber sido terminada. Pacific 231 hace referencia a una clase de locomotora de vapor designada en notación Whyte como un 4-6-2, con cuatro ruedas de piloto, seis ruedas motrices, y dos ruedas tiradas (los franceses, que cuentan los ejes en lugar de ruedas al describir las locomotoras, denominan esta disposición como 2-3-1).

La orquestación se compone de los siguientes: dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, clarinete bajo, dos fagotes, contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba,  cuatro percusionistas (tambor tenor, platillos, bombo, tam-tam) y cuerdas.

Pacific 231 es el primero de una serie de tres movimientos sinfónicos compuestos por Honegger. Los otros dos son Rugby y Mouvement Symphonique Nº 3. Honegger se lamentaba de que su “pobre Movimiento Sinfónico n.º 3 pagó un precio muy alto por su estéril título”.  Los críticos generalmente lo ignoran, mientras que Pacific 231 y Rugby, con títulos más sugestivos, han sido tratados en profundidad.

Una galardonada película francesa de 1949, Pacific 231, dirigida por Jean Mitry, utiliza la obra orquestal como banda sonora en homenaje a la locomotora de vapor, e incluye tomas de cerca de las ruedas motrices, los rodamientos del tren y el ferrocarril, en su mayoría tomadas mientras está en marcha, y escenas que siguen la música.

Principales obras del catálogo de Arthur Honegger

Los números de catálogo (H.) provienen del realizado por Harry Halbreich.

Música orquestal

Sinfonías

1930 : Sinfonía n.º 1- H. 75

1941 : Sinfonía n.º 2 para cuerdas y trompeta en re mayor  – H. 153

1946 : Sinfonía n.º 3 (Symphonie Liturgique )- H. 186

1946 : Sinfonía n.º 4 en la mayor (Deliciae basiliensis) –  H. 191

1950 : Sinfonía n.º 5 en re mayor (Di tre re) – H. 202

 

Movimientos sinfónicos

1923 : Pacific 231 (Movimiento sinfónico n.º 1) – H. 53

1928 : Rugby (Movimiento sinfónico n.º 2) – H. 67

1933 : Movimiento sinfónico n.º 3 – H. 83

 

Conciertos

1924 : Concertino para piano y orquesta en mi mayor  – H. 55

1929 : Concierto para violonchelo y orquesta en do mayor  – H. 72

1948 : Concierto de cámara para flauta, corno inglés y cuerda – H. 196

 

Otros

1917 : Le chant de Nigamon – H. 16

1920 : Pastorale d’été – H. 31

1923 : Chant de joie (Canto de gozo) – H. 47

1951 : Monopartita – H. 204

 

Oratorios

1921 : Le roi David (El rey David) libreto de René Morax. Versión para orquesta en 1923 – H. 37

1935 : Jeanne d’Arc au bûcher, libreto de Paul Claudel. Versión con prólogo en 1941 – H. 99

1938 : La danse des morts, (La danza de los muertos). Libreto de Paul Claudel – H 131

1953 : Une cantate de Noël (Una cantata de Navidad) – H. 212

 

Óperas

1903 : Philippa (ni orquestada, ni editada, ni interpretada).

1904 : Sigismond (perdida)

1907 : La Esmeralda, según El jorobado de Nôtre-Dame de Victor Hugo ( inacabada e inédita).

1918 : La mort de sainte Alméenne, libreto de M. Jacob (inédita y solo con los interludios orquestados).

1925 : Judith, libreto de René Morax, estrenada en la Ópera de Monte-Carlo el 13 de febrero de 1925

1927 : Antigone, libreto de Jean Cocteau, basado en Sófocles, estrenada en La Monnaie el 28 de diciembre de 1927 – H. 65

 

Operetas

1925 : L’Aiglon, escrita en colaboración con Jacques Ibert, libreto de los actos 2–4 de H. Cain, según E. Rostand, libreto de los actos 1 y 5 de Ibert, Ópera de Monte-Carlo, 10 de marzo de 1937 – H. 108

1930 : Les aventures du roi Pausole, libreto de A. Willemetz, según P. Louÿs, estrenada el 12 de diciembre de 1930, París, Bouffes-Parisiens

1931 : La belle de Moudon, libreto de René Morax, , Mézières, Jorat, Suiza, 30 de mayo de 1931, inédita.

1937 : Les petites cardinal, libreto de Willemetz y P. Brach, según L. Halévy, París, Bouffes-Parisiens, 13 de febrero de 1938

 

Ballets

1918 : Le dit des jeux du monde – H. 19

1921 : Horace victorieux, symphonie mimée – H. 38

 

Música de cámara

1917 : Cuarteto de cuerda n.º 1 en do menor – H. 15

1935 : Cuarteto de cuerda n.º 2 en re mayor – H. 103

1937 : Cuarteto de cuerda n.º 3 en mi mayor – H. 114

1945 : Paduana para violonchelo solo – H. 181

1947 : Intrada para trompeta en do y piano – H. 193

 

Obras para piano solo

1910 : Tres piezas (Scherzo, Humoresque, Adagio)

1916 : Toccata y variación

1915–9 : Tres piezas (Preludio, Homenaje a Ravel, Danse)

1919–20 : Siete piezas breves

1920 : Sarabande (para el Album de Six)

1923–4 : Le Cahier Romand

1928–9 Homenaje a Albert Roussel

1932 : Prelude, Arioso y Fughetta sobre el nombre BACH

1941 : Petits Airs sûr une basse celebre

1943–4 : Dos esbozos

MUSICOS
Director Titular: Eddie Mora
Artista Invitado: Brett Deubner
Violin I Erasmo Solerti
Violín II Adriana Cordero
Viola Samuel Ramírez
Violoncello Cristian Guandique
Contrabajo José Pablo Solís
Flauta – Piccolo Mario Velazco
Flauta – Piccolo José Mario Portillo
Oboe Roslyn Cerdas
Corno Inglés Raquel Arguedas
Clarinete Bb Sergio Delgado
Clarinete bajo Pablo Cruz
Fagot María de Jesús Fernández
Contrafagot Luis Diego Cruz
Saxofón alto I Ricardo Chavez
Saxofón alto II Mónica Leandro Murillo
Saxofón tenor María Fernanda Cháves
Saxofón Barítono Patrick Miranda
Corno I Mauricio Villalobos
Corno II Daniel Rivas
Trompeta I Roberto Fonseca
Trompeta II Nahum Leiva
Trombón tenor Juan Pablo Marín
Trombón bajo Luis Enrique Lizano
Tuba Andrés Porras
Timbales Allan Vega
Percusión I Andrés Barboza
Percusión II Dennis Arce
Piano Osvaldo Portuguez
Harmonium  Kevin Sequeira