VI programa 2017

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

VI Programa

16 de diciembre, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

17 de diciembre, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Gabriela Ortiz (México | 1964)

  • La Calaca para orquesta de cuerdas

Einojuhani Rautavaara (Finlandia | 1928 – 2016)

  • Cantus Arcticus. Concierto para pájaros y orquesta

Eddie Mora (Costa Rica | 1965)

  • Ofrenda

Sergéi Prokófiev  (Rusia | 1891 – 1953)

  • Overtura sobre temas hebreos para orquesta
vacio
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

VI programa

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Fecha: sábado 16 de diciembre

Hora:   8:00 p.m.

Lugar: Parroquia Inmaculada Concepción, Heredia

Fecha: domingo 17 de diciembre

Hora:   11:00 a.m.

Lugar: Teatro Eugene O’Neill (TEO)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

Artistas invitados: Gabriela Ortiz (México-compositora)

 

Gabriela Ortiz (México|1964)

La Calaca para orquesta de cuerdas

Sólida y rigurosa formación académica

Gabriela Ortiz Torres nace el 20 de diciembre de 1964, en la Ciudad de México. Pertenece a la generación creciente de mujeres compositoras nacidas en la segunda mitad del siglo XX. ​ Estudió el bachillerato en el Colegio de Ciencias y Humanidades, y la licenciatura en composición en la Escuela Nacional de Música, donde fue discípula de Federico Ibarra y Mario Lavista, con este último se formó en el Taller de Composición del Conservatorio Nacional de Música. Destaca su capacidad de sintetizar un estilo sincrético en su música. En ella se reúnen la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea y del jazz, mediados con elementos mexicanos procedentes, inclusive, del México prehispánico.

Estudió piano en la Escuela Vida y Movimiento, con Robert Saxton en la Guildhall School of Music and Drama, gracias a una beca del British Council, y se doctoró en Composición y Música Electroacústica en The City University de Londres, bajo la supervisión de Simon Emmerson (1992).

Flirteo con el Grammy Latino y eminentes vínculos profesionales

Ha sido nominada al Grammy Latino dos veces consecutivas. Acreedora del Premio Nacional de Artes y Literatura 2016 y miembro de número de la Academia de Artes y Letras, es considerada como uno de los más importantes compositores de su generación. Ha colaborado y ha recibido encargos de diversos festivales e instituciones internacionales, tales como: Orquesta Filarmónica de los Ángeles, BBC Scottish Symphony Orchestra, Malmö Symphony Orchestra, South West Chamber Music, The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Orquesta Simón Bolívar, Kronos Quartet, Amadinda Percussion Quartet, Percussion Claviers de Lyon, Cuarteto Latinoamericano, Kroumata, Onix, San Francisco Contemporary Music Players; y de reconocidos solistas y directores, entre los cuales destacan: Dawn Upshaw, Gustavo Dudamel, Alejandro Escuer, Sarah Leonard, Esa-Pekka Salonen, Carlos Miguel Prieto, Zoltan Kocsis, Pierre Amoyal, Giséle Ben Dor, Elim Chan, entre muchos otros.

Merecidas distinciones

Primera mexicana en ganar el Premio Nacional de Artes y Literatura

Gabriela Ortiz es la primera compositora mexicana en ingresar como miembro de número a la Academia de Artes y es, también, la primera mexicana en su especialidad en ganar el Premio Nacional de Artes y Literatura, máximo galardón que el gobierno de México otorga a sus creadores. A lo largo de su amplia trayectoria, ha sido congratulada con diversos premios, tales como:

–  John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2004)

– Distinción Universidad Nacional (2004)

– Primer lugar en el Concurso Nacional Silvestre Revueltas, Música Nueva Fin de Milenio (2000)

– Primer lugar en el concurso de composición Alicia Urreta (1988),

– Entrega de la Medalla Mozart, reconocimiento que otorga la Embajada de Austria junto con la Fundación Cultural Domecq (1997)

– Reconocimiento de la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música (1998),

– La beca de estímulo a Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en México, y otros reconocimientos más.

Difusión de su obra artística

Su trabajo ha sido difundido en transmisiones de radio de diversos países, así como grabaciones en CD, DVD y publicaciones impresas. Su ópera Únicamente la verdad: La verdadera historia de Camelia la Tejana, fue seleccionada por el Festival de México y la Compañía Nacional de Ópera para inaugurar el Festival de México en el 2010. Esta producción obtuvo el premio de Las Lunas del Auditorio al mejor espectáculo de música clásica.

En 2013, Únicamente la verdad fue presentada por Long Beach Opera, en Los Ángeles, California, con excelentes críticas del LA Times y Opera News. En 2014, esta ópera obtiene la nominación al Grammy Latino como mejor obra de música clásica contemporánea. Su obra Elegia de su disco Aroma Foliado con Southwest Chamber Music, obtuvo una nominación como mejor obra de música clásica en los Grammys Latinos de 2013. Recientemente en 2017, recibe su segundo encargo para escribir Téenek-Invenciones de Territorio para la Filarmónica de Los Ángeles y su director artístico, Gustavo Dudamel. Su música ha sido publicada por Ediciones Mexicanas de Música, Arla Music, Y Schott Music. Es profesora de tiempo completo en la Facultad de Música de la UNAM.

Composiciones de Gabriela Ortiz

  • Sinfonía coralLuz de lava, encargada por la Universidad Nacional Autónoma de México para conmemorar su centenario. (2010)
  • Altar de Piedra, concertante para percusiones y orquesta en tres movimientos (2003)
  • Puzzle-tocas, para quinteto de vientos (2002)
  • Altar de Muertos, para cuarteto de cuerdas y cinta (1996)
  • Altar de neón, para cuarteto de percusión y orquesta de cámara (1995)
  • El trompo, para vibráfono y cinta (1994)
  • Concierto Candeal, para percusión (1993)
  • Five Microetudes, para cinta (1992)
  • Cuarteto n.º 1(1988)
  • Río de mariposas, para dos arpas y tambor de acero
  • Huitzil(1989) para flauta de pico
  • Divertimento(1985) para clarinete solo
  • Patios(1988) para orquesta
  • Concierto Candela(1993) para orquesta y percusiones
  • Atlas-Pumas(1995) para marimba y violín
  • Río de mariposas(1995) para dos arpas y steeldrum
  • Zócalo-Bastilla(1996)

Ha compuesto también la banda sonora de las películas 

Óperas

Gabriela Ortiz habla sobre su obra Altar de muertos y, especialmente, del cuarto movimiento, titulado La calaca. Transcripción adaptada de un vídeo de YouTube.

Altar de muertos es una obra creada y estrenada en 1997, año del nacimiento de su hija.

De manera informal, amena y espontánea, Gabriela Ortiz cuenta la historia: “Yo conocí a  David Harrington en el Club Cervantino. Él escuchó una obra mía que se llama Tarde neón y le gustó muchísimo, y me pidió mi teléfono, y hasta ahí quedó la conversación. Unos meses después, recibí un fax y decía Kronos Quartet; me latía el corazón y me decía: ¡Kronos me está enviando un fax!, y me decía David, «Voy a ir a México, me gustaría platicar contigo»”.

Prosigue animadamente: “Vino a México, (…) fue un encuentro muy lindo. Lo llevé a varios lados, al Zócalo. Él en ese momento acababa de perder a su hijo Adam Harrington y estaba muy obsesionado con el rollo de la muerte, con el concepto de muerte, de cómo otros países, otras culturas abordan la muerte. Para él había sido durísimo, estaba completamente desvastado (sic). Estaba muy triste y, realmente, estaba muy metido en ese asunto. Y entonces de ahí salió la idea. Me dijo, « vengo yo aquí a México, precisamente, porque yo quiero que tú compongas una pieza sobre el Día de los muertos ». No fue inicialmente una idea mía, sino, fue un requerimiento de David. Y fue así como empecé a pensar cómo idear esto”.

Sobre Altar de muertos, amplía Ortiz: “Él me pidió, además, en ese encargo, que la obra tuviera ciertos elementos escénicos; que fuera una obra que tuviera elementos escenográficos, que además es complicado, (…), para que, además, pudiera viajar con estos (…).  Ellos tocan en una plataforma, entonces, lo que se me ocurrió es que como es una especie de cajones, que ya forman en sí como un altar; lo que se me ocurrió fue hacer un papel picado de plástico que puedes guardar en una maleta (…) y convertir el altar ellos mismos. Ellos son parte del altar; el escenario se convierte en altar (…). La pieza son cuatro movimientos, es una pieza larga de 35 minutos: Ofrenda, Mi clan, Danza macabra y La calaca. Yo lo que hice, a pesar de los elementos escénicos, siempre quise que la música se sostuviera por sí misma, que independientemente de lo visual, se pudiera escuchar en un disco compacto o se pudiera hacer en un formato de concierto (…)”.

Ya sobre La calaca, explica la compositora: “Y La calaca es el cuarto movimiento, pues lo que habla es de este sincretismo, y de este caos, y de esta cuestión sumamente surrealista de lo que sucede hoy en un día de muertos. Cosas que los europeos no entienden, por qué los mexicanos se ríen, por qué el elemento lúdico o esta cuestión de la ofrenda, a quiénes imitan o a quiénes celebran, o por qué lo celebran, por qué prenden un copal (incienso). Todo este caos y toda esta riqueza de múltiples símbolos es lo que yo traté de reflejar en La calaca, que es una música muy directa, muy viva, con muchos cambios anímicos, con muchas secciones; muy angular, muy contrastante (…)”.

Finaliza la autora, hablando sobre la orquestación de la pieza: “Generalmente tengo obras largas de orquesta. Me hacía falta una obra cortita que se pudiera hacer y ese formato yo no lo tenía o tenía muy pocas obras con ese formato; entonces, dije, se presta para orquestar La calaca; entonces, se hizo la orquestación”.

Cabe señalar, finalmente, que Altar de muertos y, por ende, La calaca, su cuarto movimiento, es una obra concebida para cuarteto de cuerdas, en especial, para el ensamble estadounidense Kronos Quartet.

 

Transcripción adaptada de: https://www.youtube.com/watch?v=ezbkmMZJfus La calaca para orquesta, palabras de Gabriela Ortiz.

 

Eddie Mora (Costa Rica|1965)

Ofrenda (2017)

A la Escuela de Artes Musicales | Universidad de Costa Rica

Prestigio reconocido en toda Latinoamérica y más allá

Compositor, director de orquesta, violinista y docente. Uno de los músicos más activos y relevantes de Latinoamérica. Eddie Mora Bermúdez nace el 23 de febrero 1965, en San José, Costa Rica. Inicia sus estudios musicales en el Conservatorio de Castella, graduándose en la especialidad de violín; después, ingresa en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, de donde años más tarde parte hacia Moscú, en los tiempos de la antigua Unión Soviética, para cursar estudios de posgrado en el Conservatorio Chaikovski.

Huellas innovadoras en la OSH y OSN

Actualmente, director artístico de la Orquesta Sinfónica de Heredia (OSH), con la cual ha grabado varios discos compactos: Ecos del silencio (2017), Fuego (2016), Abstracto (2016), Voces (2015), Heredia (2014), Tiempos (2013), Rompiendo moldes (2012), Retratos (2012), Caminos (2011).

Asimismo, funge como director residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en el período  2014 – 2015. Con esta agrupación grabó Música de compositores costarricenses – Vol. I  y Vol. II – producciones nominadas a los Grammy Latino 2014 y 2016 como mejor álbum de música clásica. Suma también el álbum doble Benjamín Gutiérrez, su música.

Otras improntas: IIARTE, Seminario de Composición y Decanato de BA

Premios y actividades académicas

Miembro de Número del Colegio de Compositores de Música de Arte, fundador del Instituto de Investigaciones en Arte (IIARTE) en la Facultad de Bellas Artes y del Seminario de Composición Musical (SCM) en la Escuela de Artes Musicales, en donde ejerce la docencia. Se desempeñó como Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica (2007 – 2015).

Como compositor ha sido reconocido en varias ocasiones con el Premio Nacional en Composición Aquileo J. Echeverría, Premio ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) de Costa Rica y Premio Musical Áncora (La Nación).

Mora ha participado en diferentes festivales de música contemporánea, entre ellos el V Festival Leo Brouwer, el Otoño Moscovita en Rusia, el Festival de la Habana, el I Taller Latinoamericano de Composición (UNEAC – Casa de las Américas / Cuba), invitado especial del XXXI Foro de Música Nueva – Manuel Enríquez en México, el CDMC en Madrid, el Festival Latinoamericano de Música en Venezuela, I Congreso Puertorriqueño de Creación Musical, en la Fiesta Iberoamericana de las Artes (Puerto Rico) y en el V Festival de Música Contemporánea de Morelia.

Sus grabaciones en España, Cuba, Rusia, Inglaterra y Costa Rica

Parte de su obra ha sido publicada por la Editorial Periferia (Barcelona – España), la Revista Casa de las Américas (Cuba) y la Editorial de la Universidad de Costa Rica. Varios discos compactos compilan parte de su catálogo, en donde se registran algunas de sus obras más tempranas hasta las escritas recientemente. Ellos son: Plegaria (2016), Desde la tierra que habito (2015), Bosque adentro (2014), Mujeres (2012), Cuartetos de cuerda (2012), Premieres (2010), Música de cámara (2009), Música incidental (2008), Música para cuerdas (2007), Música de Eddie Mora (2001), Diálogos (1998), así como un DVD con la producción interdisciplinaria Amighetti, en donde dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica.

En el 2009 grabó con la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa una de sus obras para el proyecto discográfico del sello español Verso, el cual editó en 2010 un disco monográfico titulado Eddie Mora – Música de Cámara. En el 2012, el sello discográfico Quartz Music de Inglaterra publicó un segundo disco monográfico, con sus tres cuartetos de cuerda interpretados por el Cuarteto latinoamericano, Sulá con la Orquesta Sinfónica de Heredia y Bocetos a Yolanda con el Ensamble Contemporáneo Universitario.

Director invitado por prestigiosas orquestas

En calidad de director ha participado con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, la Orquesta de la Radio y Televisión Rusa (Moscú), la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA), la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG) y la Orquesta Sinfónica de Oaxaca (OSO-México).

OFRENDA  / A LA ESCUELA DE ARTES MUSICALES DE LA UCR

Eddie Mora, autor de Ofrenda para orquesta, escribe acerca de su obra: “En ocasión de la celebración de los 75 años de la fundación de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, es que me di a la tarea de escribir Ofrenda para orquesta. En ella, continúo con la línea estética trazada en Los caminos de la noche (2012), también para orquesta, cuya característica fundamental consiste en la conceptualización por medio del instrumento orquestal de los gestos, desde donde emergen diferentes capas tímbricas que se entrelazan, formando en su totalidad un solo discurso sonoro”.

Acerca del contenido sonoro-simbólico, explica Mora: “El título se desprende de una promesa originada entre lo tangible hacia lo supremo, ese tránsito de lo material a lo sublime, de ahí la tensión y distensión que se generan sobre la base de un canto ritual original que acontece a lo extendido de obra. En el último trazo de tiempo, sobre la base de una sonoridad estática y consonante en la sección de cuerdas, confluyen la distensión y lo apacible, concertándose en las diferentes líneas tímbricas de la percusión y del solo de violín, ocultándose lánguidamente en el silencio”.

Einojuhani Rautavaara (Finlandia | 1928 – 2016)

Cantus Arcticus. Concierto para pájaros y orquesta

Después de Jean Sibelius el más importante

Einojuhani Rautavaara  es un compositor finlandés de música contemporánea, y uno de los más importantes de su país después de Jean Sibelius, nacido en Helsinki, el 9 de octubre de 1928, y fallecido en la misma ciudad, el 27 de julio de 2016.

Estudió en la Academia Sibelius de Helsinki con Aarre Merikanto desde 1948 hasta 1952, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para conseguir una beca para estudiar en la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Vincent Persichetti, así como de Roger Sessions y Aaron Copland en Tanglewood. Destacó por primera vez en el plano internacional cuando ganó el Thor Johnson Contest por su composición Un Réquiem en nuestro tiempo en 1954.

Rautavaara fue profesor no numerario en la Academia Sibelius desde 1957 hasta 1959, archivero de música de la Orquesta Filarmónica de Helsinki desde 1959 hasta 1961, rector del Instituto de Música Käpylä en Helsinki desde 1965 hasta 1966, profesor numerario en la Academia Sibelius desde 1966 hasta 1976, profesor artístico (nombrado por el Consejo de las Artes de Finlandia) desde 1971 hasta 1976, y profesor de composición en la Academia Sibelius desde 1976 hasta 1990.

Sufrió una disección aórtica en enero de 2004 por la cual pasó casi medio año en cuidados intensivos, pero se recuperó y logró continuar con su trabajo. Murió en Helsinki el 27 de julio de 2016 debido a complicaciones después de una cirugía.

Estilo no tan serial, más bien, inclinado hacia lo místico

Rautavaara fue un compositor prolífico y ha escrito en una gran variedad de formas y estilos. Gran parte de su obra es bastante accesible y se ha probado que es ciertamente popular. Experimentó con técnicas seriales al comienzo de su carrera, pero las dejó atrás en la década de 1960 e, incluso, sus trabajos seriales no son claramente seriales. Su Sinfonía n.° 3, por ejemplo, usa esas técnicas, pero suena más como a Anton Bruckner que como a compositores seriales tradicionales como Pierre Boulez. Sus últimos trabajos a menudo tienen algún elemento místico (por ejemplo, varias obras con títulos haciendo referencia a ángeles). Un sonido característico de Rautavaara podría ser un tema rapsódico de belleza austera, interpretado por las cuerdas con sonidos reiterados de una flauta, suaves campanas disonantes y, quizás, la sugestión de un corno pastoral.

Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, varios conciertos, trabajos corales (varios sin acompañamiento instrumental, incluyendo Vigiliasonatas para varios instrumentos, cuartetos de cuerda y otra música de cámara; además de varias óperas biográficas, incluyendo Vincent (basada en la vida de Vincent Van Gogh), Aleksis Kivi y Rasputin. Algunos trabajos tienen partes para cinta magnetofónica, incluyendo Cantus Arcticus (1972), también conocido como Concierto para pájaros y orquesta) y Unicornio verdadero y falso (1971), segunda versión de 1974, revisada en 2001-02), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta.

Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo Libro de visiones (2003-2005), Trilogía Manhattan (2003-2005) y Antes de los Iconos (2005) que es una versión ampliada de su anterior composición pianística Iconos. En 2005, acabó un trabajo para violín y piano llamado Paisajes perdidos, encargado por la violinista Midori Goto.

Se han grabado muchas de las obras de Rautavaara, siendo un éxito popular y de crítica. Una interpretación de su séptima sinfonía, Ángel de la Luz (1995), por la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por Leif Segerstam con el sello discográfico Ondine, fue nominada para varios premios, incluyendo un Grammy. Casi todas las obras de Rautavaara han sido grabadas por Ondine. Algunos de sus trabajos principales también se han grabado por el sello Naxos.

Composiciones de Einojuhani Rautavaara

Óperas: Thomas (1982–1985) / Vincent (1986–1987) / La casa del Sol (Auringon talo), ópera de cámara (1989–1990) / El regalo de los Reyes Magos (Tietäjien lahja), ópera de cámara (1993–1994) / Aleksis Kivi (1995–1996) / Rasputín (2001–2003).

Sinfonías: Sinfonía n.º 1 (1956/1988/2003) / Sinfonía n.º 2: Sinfonía íntima (1957/1984) / Sinfonía n.º 3 (1961) / Sinfonía n.º 4Arabescata (1962) / Sinfonía n.º 5 (1985-1986) / Sinfonía n.º6Vincentiana (1992) / Sinfonía n.º 7: Ángel de la Luz (1994) / Sinfonía n.º 8El viaje (1999).

Conciertos: Concierto para violonchelo (1968) / Concierto para piano n.º 1 (1969) / Concierto para piano n.º 2 (1989) / Concierto para piano n.º 3: Don de los sueños (1998) / Concierto para flauta: Danzas con los vientos (1973) / Concierto para órganoAnunciaciones (1976–1977) / Concierto para violín (1976–1977) / Concierto para contrabajoÁngel del crepúsculo (1980) / Concierto para arpa (2000) / Concierto para clarinete (2001) / Concierto para percusión “Incantations” (2008) / Concierto para violonchelo n.º 2 (2009).

Otras obras orquestales: Anadyomene: Adoración de Afrodita (1968) / Cantus Arcticus (1972) / Ángeles y visitaciones (1978) /Isla de la dicha (Lintukoto) (1995) / Jardines otoñales (1999) / Jardín de espacios (Conjunto regular de elementos en una situación semirregular) (1971; orq. 2003) / Libro de visiones (2003–2005) / Trilogía Manhattan (2003–2005) / Antes de los iconos (2005) / Un tapiz de vida (2007).

Coro: Ludus verbalismotete para coro declamatorio (1960) / Praktisch Deutsch, motete para coro declamatorio (1969) / Concierto para soprano, coro y orquesta: Hija del mar (Meren tytär) (1971) / Unicornio verdadero y falsocantata (1971/2000) / Vigilia nocturna (Vigilia), para coro y solistas (1971–1972/1996) / Libro de vida (Elämän kirja), suite coral (1972) / Credo para coro (1972) /Misa de niños (Lapsimessu), para coro de niños y orquesta (1973) / Suite Lorca para coro de niños o mixto (1973) / La novia (Morsian), canción coral (1975) / La partida (Lähtö), canción coral (1975) / Noche de verano (Sommarnatten), canción coral (1975) / Magnificat, misa coral (1979) / Nirvana Dharma para coro, soprano y flauta (1979) / La catedral (Katedralen), para coro y solistas (1982) / Canción de nuestro tiempo, suite coral (1993) / Die erste Elegie, canción coral (1993) / Con alegría vamos a bailar (Och glädjen den dansar), canción coral (1993) / En la última fronterafantasía para coro y orquesta (1997) / En la sombra del sauce (Halavan himmeän alla), canción coral (1998) / Balada para coro y orquesta (2015).

Banda: Un réquiem en nuestro tiempo (1953) / Una misa militar (Sotilasmessu) (1968).

Orquesta de cuerda: Los violinistas (Pelimannit) (1952/1972) / Suite para cuerdas (1952) / Divertimento (1953) / Un epitafio para Bela Bartok (1955/1986) / Canto I (1960) / Canto II (1961) / Canto III (1972) / Canto IV (1992) / Balada para arpa y cuerdas (1973/1981) / Homenaje a Zoltan Kodaly (1982) / Homenaje a Ferenc Liszt (1989) / Un mito finlandés / Ostrobothnian Polska.

Música de cámara / Instrumentos solos: Cuarteto de cuerda n.º 1 (1952) / Cuarteto de cuerda n.º 2 (1958) /Cuarteto de cuerda n.º 3 (1965) / Cuarteto de cuerda n.º 4 (1975) / Octeto para instrumentos de viento (1962) / Sonata para clarinete y piano (1969) / Sonata para violonchelo n.º 1 (1972–1973/2001) / Sonata para violonchelo n.º 2 (1991) / Balada para arpa y cuerdas (1973/1981) / Sonata para flautas y guitarra (1975) / Serenatas del unicornio para guitarra (1977) / Monólogos del unicornio para guitarra (1980) / Quinteto de cuerdaCielos desconocidos (1997) / Hymnus para trompeta y órgano (1998) / Paisajes perdidos para violín y piano (2005).

Voz sola: Tres sonetos de Shakespeare (1951/2005) / Fiestas sagradas (Pyhiä päiviä) (1953) / Cinco sonetos a Orfeo (1955–56/1960) / Die Liebenden (1958–1959/1964) / El camino de Dios (Guds väg) (1964/2003) / El viaje (Matka) (1977) / Mundo ideal (Maailman uneen) (1972–1982) / En mi jardín de los enamorados (I min älsklings trädgård) (1983–87)

Piano solo: Fiddlers (Pelimannit), Op. 1 (1952) / Iconos, Op. 6 (1955) / Preludios, Op. 7 (1956) / Partita, Op. 34 (1956–8) / Estudios, Op. 42 (1969) / Sonata para piano n.º 1: Christus und die Fischer, Op. 50 (1969) / Sonata para piano n.º 2The Fire Sermon, Op. 64 (1970) / Narcissus (2002).

En torno del Canto del Ártico

Cantus Arcticus, opus 61, es una composición orquestal del compositor finlandés Einojuhani Rautavaara, escrita en 1972. Es una de sus obras más reconocidas a nivel mundial.

Subtitulada Concierto para pájaros y orquesta, incorpora grabaciones en cinta magnetofónica  de cantos de pájaros grabados cerca del Círculo Polar Ártico y en los pantanos de Liminkaen, al norte de Finlandia.

La obra consta de tres movimientos

  • El primer movimiento, El pantano,comienza con un dueto de flautas, tras el que se unen los otros instrumentos de viento-madera, seguido por los sonidos de los pájaros.
  • El segundo movimiento, Melancolía, representa una grabación ralentizada del canto de la alondra cornuda.
  • El movimiento final, Cisnes migrando, toma la forma de un largo crescendopara orquesta, con los sonidos de cisnes cantores, antes de que tanto el canto de las aves como la orquesta se desvanezca como si se perdiera en la distancia.

Cantus Arcticus fue encargada por la Universidad de Oulu para la celebración de su primera ceremonia de doctorado.

 

EINOJUHANI RAUTAVAARA: MUCHO MÁS QUE EL CANTUS ARCTICUS

El sitio web https://www.plateamagazine.com/, tras la muerte del compositor, publica:

Puede haber cierta tendencia a considerar al recientemente fallecido Einojuhani Rautavaara (1928-2016) como compositor de una única obra: su obra para orquesta Cantus Arcticus, creada en 1972 a instancias de la Universidad de Oulu para la fiesta de graduación en primera forma de cantata y que adquirió, finalmente, forma de Concierto para pájaros, lo que no deja de ser una genialidad.

Rautavaara no puso demasiada ilusión en tal encargo, pensando que su obra sería flor de un día; sin embargo, y tras arrinconar la primera intención ya apuntada de componer una cantata al uso para coro y orquesta, observó el espacio inabarcable que se le abría ante sus ojos. Oulu, al norte de Finlandia, es la puerta al Círculo Polar Ártico y Rautavaara no tuvo sino aceptar lo que la misma naturaleza le daba. Y buscando instrumentos para completar la obra, ¿qué más que aceptar como tales los que con su canto natural son, por su sencillez, perfectos?

Rautavaara ha fallecido y los mass media musicales se han referido al compositor como el que nos aportó Cantus Arcticus, dejando de lado una obra prolija que incluye ocho sinfonías (compuestas entre 1956 y 2003), conciertos para distintos instrumentos solistas, que incluyen tanto habituales como piano o violín a los más infrecuentes como contrabajo o percusión; compuso, asimismo, numerosas obras sinfónico-corales, orquestales, cuatro cuartetos de cuerda, trabajos para agrupaciones de metales, otras obras de cámara, para piano, trabajos para masas corales, media docena de ciclos de canciones y ocho óperas, estas últimas compuestas entre 1958 (La mina) y  2003 (Rasputín).

Así pues, la aportación de Einojuhani Rautavaara a la música clásica europea es mucho mayor que un éxito de ventas como Cantus Arcticus. Rautavaara pasa por ser uno de los nombres más significativos de la música europea tras la II Guerra Mundial, y se convierte en abanderado de una escuela tan prolija en nombres importantes como lo es la finlandesa a la que han pertenecido, además del protagonista de la reseña, algunos compositores anteriores como Leevi Madetoja, Oskar Merikanto y su hijo Aarre, y otros contemporáneos del fallecido como Aullis Sallinen o Joonas Kokkonen, además de quienes pueden considerarse legítimos herederos, sobresaliendo en este caso la figura de Kaija Saariaho. Y todos, siempre, mirando el faro de Jean Sibelius.

Revisar la obra de Rautavaara merece la pena. En esta labor cumple papel fundamental el hecho de que la casa discográfica finesa Ondine, y otras, tuvieran a bien grabar la mayoría de sus trabajos, dando una vez más ejemplo de lo que hay que hacer desde un país demográficamente tan pequeño y que, sin embargo, acaba siendo envidia y ejemplo musical en todo el continente.

Haciendo el esfuerzo por conocer la obra de Rauvaara descubriremos, por ejemplo, obras tan peculiares como sus óperas, ignoradas por la miopía de la mayoría de los teatros europeos, y así se nos harán familiares esas obras de carácter biográfico tan habituales en el compositor finés, como son Vincent (inspirada en la figura de Vincent van Gogh), Aleksis Kivi (dedicada a glosar la figura de la gloria literaria finesa) o Rasputín, basada en distintos episodios de la vida del enigmático asistente de la corte Romanov, y que fue compuesta a mayor gloria de la voz de Matti Salminen.

Sergéi Prokófiev  (Rusia | 1891 – 1953)

Obertura sobre temas hebreos para orquesta

Baluarte de la música académica del siglo XX

Sergéi Sergéievich Prokofiev es un compositor ruso, una de las principales figuras de la música culta del siglo XX. Nació el 23 de abril de 1891 en Sontzovka, cerca de Yekaterinoslav (actual Dnipropetrovsk, Ucrania). Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con los compositores rusos Reinhold Glière, Nikolái Rimski-Kórsakov y Anatoli Liadov. De 1918 a 1933, vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus cinco conciertos para piano y sus cinco primeras sonatas para ese instrumento. En 1934 regresó a su país natal. Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite para orquesta (1914), le valieron fama de músico iconoclasta.

Pedro y el lobo, Romeo y Julieta y Sinfonía n.° 5, entre sus más brillantes obras

Durante los años en que vivió fuera de su país, compuso para el empresario de ballet ruso Sergei Diaguilev los ballets Chout (1915) y El paso de acero (1926), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula de Carlo Gozzi, y El ángel de fuego (1919, esc. 1955), aunque su obra más destacada es la Sinfonía clásica (1918), obra concisa e irreverente con armonías modernas y ritmos tradicionales del siglo XVIII que preconizaba el estilo neoclásico que dominaría gran parte del siglo XX. En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera. A su vuelta a Rusia en 1936, Prokófiev siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo (1934) para narrador y orquesta, el ballet Romeo y Julieta (1936, esc. 1940), la ópera Guerra y paz (1946, rev. 1952), la enérgica Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kijé (1933) y la cantata Alejandro Nevski (1938, para la película del director soviético Serguéi Eisenstein).

Aunque hasta ese momento había gozado del favor del gobierno, en 1948 fue censurado por utilizar un “excesivo formalismo” y armonías cacofónicas. Prometió componer con mayor lirismo, pero su ópera Cuento de un hombre auténtico (1948) fue de nuevo censurada. Su Sinfonía n.º 7 (1952, premio Stalin) le devolvió el favor del gobierno. Sergéi Prokófiev falleció el 5 de marzo de 1953 en Moscú (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950, escenificado en 1954).

Películas musicalizadas por Sergéi Prokófiev

Bandas sonoras

1934 – Poruchik Kizhe
Director: Aleksandr Fajntsimmer

 

 

 

1938 – Alexander Nevski
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

1944 – Iván El Terrible
Director: Serguei M. Eisenstein

 

 

 

Obertura sobre temas hebreos, opus 34

Sergéi Prokófiev escribió la Obertura sobre temas hebreos en 1919, durante un viaje que realizó a los Estados Unidos. Está escrita para la instrumentación de clarinetepiano y cuarteto de cuerdas.

El compositor ruso llegó a Nueva York en septiembre de 1918. En general, sus años en Estados Unidos no fueron tan satisfactorios como esperaba:

«El público de aquí no está habituado a escuchar las obras de un solo compositor durante toda la velada. Quiere un programa variado como una muestra de piezas populares. Rachmaninov ha aceptado este compromiso. No puedo ni soñar con el arrollador éxito que tiene en sus conciertos», manifestó alguna vez Prokófiev.

A pesar de ello, pudo procurarse apariciones frecuentes en las salas de concierto estadounidenses. Aunque Rachmaninov era el más prominente de los pianistas rusos en Estados Unidos, Prokófiev dio varios conciertos esa temporada de sus propias obras y levantó su imagen como pianista.

A principios de 1919, recibió un encargo del grupo judío, Simro (Zimro), que emigró de la Unión Soviética. Los miembros tocaban los mismos instrumentos que los que se emplean en esta obra, dicho sea de paso. Le dieron a Prokófiev una libreta con canciones populares judías y él la completó muy rápido. Obertura sobre temas hebreos fue estrenada en Nueva York en 1920, con el mismo compositor al piano. Esta obra fue más tarde orquestada en 1924 como opus 34b, aunque la versión orquestada no se interpreta tan a menudo.

Forma de obertura convencional

Su estructura sigue la forma de una obertura convencional. Está escrita en la tonalidad de do menor. El clarinete y el violonchelo destacan en la pieza, al introducir el primer y segundo tema, respectivamente. Sin embargo, todos los instrumentos están equilibrados y cada uno toca ambos temas, casi siempre en imitación. La parte de piano, de manera curiosa, no es muy difícil en comparación con muchas de las virtuosísticas obras para piano.

La música popular judía tiene una cualidad paradójicamente feliz y casi trágica a la vez que festiva, que bastantes autores, entre ellos Shostakóvich, encontraron con mucha fuerza. El primer tema, un poco allegro, tiene un ritmo saltarín y festivo, dándole un aire agitanado. También tiene un característico empleo de los intervalos de semitono, recurrentes durante toda la obra. El segundo tema, piu mosso, es un bonito tema en cantabile, muy adecuado al registro agudo del chelo, que posteriormente es tratado por imitación por el resto de instrumentos.

MUSICOS

Músicos VI programa 2017

 

CUERDAS
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Johan Chapellin
Violín I Mauricio Campos
Violín l Carlos Vargas
Violín I Leonardo Perucci
Violin I Andrés Corrales
Violín II Mariana Salas
Violín II Cristian Cruz
Violín II Andrés Mendieta
Violín II Daniela Garner
Violin II Roger León
Violín II Fabricio Ramírez
Violín II Jeremias Fajardo
Violas Samuel Ramírez
Violas Amado Domínguez
Violas Luisana Padilla
Violas Mario Sequeira
Violas Elisa Hernández
Violas Esteban Madriz
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos José Pablo Solís
Contrabajos Pedro García
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Alberto Moreno
MADERAS
Flauta José Mario Portillo
Flauta / Piccolo Mario Velasco
Oboe Roslyn Cerdas
Oboe Raquel Arguedas
Clarinete I Sergio Delgado
Clarinete II José Pablo Cruz
Fagot Luis Diego Cruz
Fagot II María de Jesús Fernández
METALES
Corno francés Mauricio Villalobos
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Roberto Fonseca
Trompeta Nahum Leiva
Trombón I Luis Lizano
Trombón II Juan Pablo Marín
Tuba Andrés Porras
PERCUSIÓN
Percusión I Allan Vega
Percusión II José María Piedra
Percusión III Dennis Arce
Piano / Celesta Leo Gell
Arpa Mariela Flores