V programa 2017

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

V Programa

29 de julio, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

30 de julio, 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Javier Álvarez (compositor | México), Fernando Domínguez (clarinete | México), Rubén Simeó (trompeta | España)

Alejandro Cardona (Costa Rica | 1959)

  • Rek-Rap Selim (y otros brebajes)*

Javier Álvarez (México | 1956)

  • Vendedor de ilusiones*

Igor Stravinsky (Rusia | 1882 – 1971

  • Concierto in D para cuerdas | Vivace – Arioso – Rondo

* estreno mundial
 

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo
V programa
Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez | Director titular y artístico

Artistas invitados: Javier Álvarez | Compositor – México

                                 Fernando Domínguez | Clarinete – México

                                 Rubén Simeó | Trompeta – España

PROGRAMA

  1. Alejandro Cardona (Costa Rica | 1959)

Rek-Rap Selim (y otros brebajes) para trompeta, cuatro percusionistas y orquesta de cuerdas. Estreno mundial.

Estudios superiores en Harvard, Portsmouth y Utrecht

Alejandro Cardona, compositor y guitarrista costarricense, nacido en 1959, estudió composición con Luis Jorge González, León Kirchner, Ivan Tcherepnin y Curt Cacioppo. Se graduó en la Universidad de Harvard (EE.UU.). También, tiene una Maestría en Síntesis de Imagen y Animación por Computadora de la Universidad de Portsmouth, Inglaterra, y la Escuela Superior de Artes de Utrecht, Holanda. Radicó muchos años en México donde desarrolló investigaciones sobre música popular mesoamericana y caribeña, aparte de tocar en varias agrupaciones de música popular. Como compositor ha participado activamente en foros y festivales como el Foro de Compositores del Caribe, el Foro Internacional de Música Nueva (México), el Festival Latinoamericano de Música (Venezuela), World Music Days, El Festival Internacional Cervantino, El Festival Iberoamericano de las Artes (Puerto Rico), entre otros.

Prestigiosas orquestas han interpretado su música

Su música ha sido ejecutada y grabada en Latinoamérica, Norteamérica y Europa por conjuntos de la talla del Cuarteto Latinoamericano, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, el ONIX Ensamble, el cuarteto de guitarras Entrequatre (España), las Orquestas Sinfónicas Nacionales de Costa Rica, México y Colombia, la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, el Ensamble ALEA III de la Universidad de Boston, el Lydian String Quartet, la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (Bolivia), entre otros.

Prolífico autor de obras pedagógico-musicales

Es fundador de la Editorial Nuestra Cultura que también publica sus obras. Es autor de los libros Reinventando el oído: análisis musical, creación e identidad, De los principios musicales de la armonía tonal-funcional, y coautor de ¿Dónde está la Má Teodora? (lectura musical basada en principios rítmicos afroamericanos). Su música también es publicada por Gerb. Stark Musikverlag Leipzig GbR.

Premios y grabaciones de Alejandro Cardona

En Costa Rica es tres veces Premio Nacional “Aquileo J. Echeverría” en Música (1999, 2000, 2002), y ha recibido en varias ocasiones premios de la Asociación de Compositores y Autores Musicales (ACAM). Obtuvo una mención honorífica en el Primer Premio Iberoamericano Rodolfo Halffter de Composición (2004), y ganó el VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (2007). Grabaciones de su música han salido bajo los sellos Quindecim, Urtext, Global, Ludiqrecords, White Pine, La Calaca Producciones y Musitica.

Productor audiovisual y multimedial

También ha participado en producciones multimediales y audiovisuales. Su película Testimonios ha sido premiada en Costa Rica (mejor música original, mejor videocreación) y se ha mostrado ampliamente en festivales de América Latina y Europa. En el 2004, estrenó la película Tejidos rebeldes que ha sido mostrada en nueve países de América Latina y en la televisión en México. Ha producido y diseñado dos discos compactos para el Centro Nacional de las Artes en México.

Docencia e investigación

Desde 1986 trabaja en la Universidad Nacional de Costa Rica, en el Programa Identidad Cultural, Arte y Tecnología (ICAT), del cual fue fundador y coordinador durante ocho años, y la Escuela de Música. Fue vicedecano del Centro de Investigación, Docencia y Extensión Artística (CIDEA). Actualmente es profesor del Taller Latinoamericano de Composición Musical, un taller de especialización a nivel de maestría. Asimismo, ha sido investigador del Centro Nacional de Investigación, Información y Difusión Musical “Carlos Chávez” del Centro Nacional de las Artes en México, y conferencista en universidades de EE.UU. y Latinoamérica. Desde el 2005 ha sido coorganizador del Seminario de Composición Musical, junto con el compositor Eddie Mora, de la Universidad de Costa Rica. Hoy en día, ss miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte desde el 2005 y miembro de la ACIMUS (Asociación de Cooperación Iberoamericana en la Música).

  • Rek-Rap Selim (y otros brebajes) para trompeta, cuatro percusionistas y orquesta de cuerdas

 Evocar los estilos de Parker y Davis con sonidos caribeños

Uso del espacio con fines de generación y desarrollo temático

Rek-Rap Selim (y otros brebajes), compuesta en el 2017 especialmente para el trompetista español Rubén Simeó y la Orquesta Sinfónica de Heredia, es una obra que rinde homenaje a dos figuras del jazz que, entre muchas otras, han sido importantes para el compositor: Charlie Parker (“Bird”) y Miles Davis. La obra consiste en un solo movimiento, dividido básicamente en tres partes. Aunque no se basa en citas melódicas, algo muy común en el jazz a la hora de homenajear, sí busca evocar –dentro del lenguaje del compositor y con un sonido mucho más caribeño– ciertos aspectos de los estilos instrumentales de los mencionados jazzeros.

Respecto de Miles Davis, se toman elementos que surgen del trabajo con su llamado “segundo quinteto” (en este sentido, se rescata algo de la lógica compositiva de Wayne Shorter en piezas como Nefertiti o Sanctuary, el estilo denso de tocar la batería de Tony Williams, aquí traducido a la percusión latina, así como los bajos de Ron Carter) y el trabajo inmediatamente posterior, en particular Bitches Brew. Y, claro está, el uso de la sordina Harmon al comienzo y al final de la obra. De Parker se adapta algo de su estilo melódico, en particular su emblemático fraseo angular. Estas evocaciones se tejen con otros elementos provenientes de diversas tradiciones afrolatinoamericanas y caribeñas (el jazz –y el funk– evidencian, más que otros géneros norteamericanos, la continuidad e interrelación que se produce en torno de la influencia musical africana a través de todas las Américas).

Hay un aspecto técnico en la obra que se deriva, en parte, del jazz fusión de los años 70 del siglo XX, en mucho impulsado por Davis y por el pianista de su “segundo quinteto”, Herbie Hancock. Así, la sección de cuerdas y los percusionistas están colocados simétricamente en el escenario de tal manera que se pueden producir efectos muy evidentes en estéreo: paneos, diálogos antifonales, efectos de delay, etc. Pero más importante que los efectos como tales, es el hecho de que la sonoridad armónica surge de una serie de combinaciones de dos conjuntos pentáfonos al semitono que provienen del lado derecho e izquierdo del escenario. Esto permite crear una dinámica de interacción entre la trompeta, las percusiones y la cuerda que se expresa melódica y armónicamente en relación con ciertos estratos sonoros, rítmicos, tesiturales y texturales ubicados espacialmente, tal como se puede lograr en un estudio de grabación. En otras palabras, lo espacial se utiliza como un recurso de generación y desarrollo temático. Aquí también se siente la influencia de Bitches Brew.

  1. Javier Álvarez (México | 1956)

Vendedor de ilusiones  (2017) Clarinete, orquesta de cuerdas y percusiones.

Estreno mundial.

En torno de la figura de Javier Álvarez

“Javier Álvarez es tal vez el músico mexicano más interesante nacido en la década de los

cincuenta. Una inteligencia musical alerta, reforzada por el dominio de una pluralidad de técnicas y una perspectiva ecléctica han dado por resultado una obra multifacética y vigorosa que presenta una evolución muy original.” (Yolanda Moreno Rivas – (La Composición en México en el Siglo XX, CONACULTA, México, DF. 1994).

Formación académica y galardones de un creador ecléctico y polifacético

Nacido en 1956 en la Ciudad de México, Javier Álvarez inicia sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudia con Mario Lavista (composición) y Francisco Garduño (clarinete). En 1978, con diecisiete años de edad, obtiene su primer reconocimiento nacional, al ganar el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, convocado por la

Sociedad de Autores y Compositores de México con la obra Amor es Más Laberinto para orquesta, coro mixto y solistas, estrenada en 1979 por la Orquesta Sinfónica del Estado de México. En 1981, obtiene la Maestría en Teoría y Composición de la Universidad de Wisconsin en Milwaukee, haciéndose acreedor ese mismo año al Premio Lan Adomian convocado por la UNAM con la obra Tres Ranas contra reloj, para voz soprano y trío instrumental. Con apoyo del Consejo Británico, Álvarez continúa sus estudios superiores en el Royal College of Music en Londres, donde recibe el Premio Arthur Bliss, conferido por la Sociedad de Autores y Compositores de Gran Bretaña con la obra Trireme, un concierto para corno y orquesta.

Estudios doctorales en Londres

De esos años de juventud datan los trabajos que le proyectarían a la escena internacional, notablemente la ya clásica Temazcal, obra para maracas y sonidos electroacústicos, reconocida como un referente imprescindible del repertorio mundial para percusión. Dicho aclamo propicia su ingreso en 1984 a la City University en Londres para realizar un doctorado bajo el copatrocinio de la Fundación Félix Mendelssohn, la Fundación Ralph Vaughn Williams y el London School of Economics. Esta investigación culmina en 1992 con una tesis doctoral en torno de la composición para instrumentos y las nuevas tecnologías, pesquisa que recibió los máximos honores otorgados por dicha universidad.

Distinciones, nominación a un Grammy y Medalla Bellas Artes de México

A partir de los años noventa, Álvarez se ha hecho acreedor a numerosas distinciones, incluyendo, entre otras, galardones de la Federación Internacional de Música Electroacústica (Francia), la British Broadcasting Corporation-BBC (Inglaterra) y el CONACULTA (México). Se destacan entre estos el prestigioso Prix Ars Electronica (Austria), obtenido en 1993 con la obra Mannam, para cítara y sonidos electroacústicos; la Medalla Mozart de Oro, recibida en 2000; su ingreso al Sistema Nacional de Creadores (1993, 1996, 2002 y 2012), y una nominación a los Premios Grammy en 2012. Desde 2005 es miembro Honorario de la Academia de Artes de México, y en 2013 le fue otorgado el Premio Nacional de Ciencias y Artes en reconocimiento a su trayectoria como creador y su contribución a la educación musical en México. Asimismo, en 2014, el Instituto Nacional de Bellas Artes le entregó la Medalla Bellas Artes.

Diversidad de géneros y comisiones en trabajos multimedia

Su creatividad musical ha abarcado géneros diversos a lo largo de su carrera: música de concierto, electroacústica, danza, multimedia y cine. En 1993 compuso la música para La Invención de Cronos, ópera prima del afamado cineasta mexicano Guillermo del Toro. Asimismo, en el campo de la multimedia, ha desarrollado proyectos en prestigiosos centros como el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) y el GRM (Groupe de Récherche Musicale) ambos en Francia. De entre esos proyectos se destacan Cactus Geometries, obra acusmática estrenada en 2001, Mejor morir en la Selva, estrenada en 2017, y Mantis walk in Metal Space, para steel pan solista, ensamble instrumental y electroacústica, estrenada en el 2003 por el ensamble belga Ictus, en el Centro Georges Pompidou. Más recientemente, en el ámbito de la música de concierto, Radio Francia le encargó la composición de Jardines con Palmera, para percusión y orquesta; obra creada para la Orquesta Nacional de Francia y que dicha agrupación estrenara y grabara en 2012.

Extensa y generosa carrera académica superior

A la par de su carrera artística, Álvarez presenta una larga trayectoria académica; amén de numerosas conferencias y cursos impartidos a lo largo de tres décadas en México, notoriamente en el Centro Nacional de las Artes, la Escuela Nacional de Música (UNAM), la Universidad de Puebla y la Universidad Marista en Yucatán. Ha sido profesor en el Royal College of Music y en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, catedrático en la Universidad de Hertfordshire y en la Musikhögskola en Malmo, Suecia. Por invitación del gobierno de Yucatán, regresó a México en 2004 para integrarse al diseño curricular de la naciente Escuela Superior de Artes de esa entidad, donde eventualmente fundó la Licenciatura en Artes Musicales y de la cual fue director y profesor hasta 2007. En Morelia, a su paso por el Conservatorio de las Rosas (2007-11), estuvo a cargo de la Cátedra de Composición y de su Consejo Académico. En demanda como profesor visitante, Javier Álvarez ha dictado cátedra, por mencionar algunas, en instituciones como el Conservatorio de París, City University en Londres, Universidad de Lanús en Argentina, Universidad de Costa Rica,  Universidad de Western Michigan y Houston University. En

2009 fue invitado por la Junta de Andalucía para dirigir la Cátedra Manuel de Falla en Cádiz; en 2013, visitó la Universidad de Chile, en Santiago, donde impartió un curso avanzado de composición a alumnos de posgrado, y en 2014 fue invitado distinguido de la Universidad de Houston.

Gestión cultural en diversas instituciones dentro y fuera del país

Javier Álvarez se ha desempeñado como gestor cultural en diversas capacidades, tanto en México como en el extranjero; entre otras, como presidente de Sonic Arts Network (1989-91) –la sociedad británica de música electroacústica- y como director artístico de la Sociedad para la Promoción de la Música Nueva (1995-96), ambas en Inglaterra. Desde su regreso a México, en 2004, se ha desempeñado como director artístico del Foro Internacional de Música Nueva (2008-09), miembro de la Comisión de Artes del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2008-12), director artístico del Festival de Música Contemporánea de Morelia (2007-11), miembro del Consejo Académico del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (2007-13), rector del Conservatorio de las Rosas (2007-11) y consejero artístico del Festival de Música de Morelia (2009-presente).

Cuatro décadas de logros ininterrumpidos

Con cuatro décadas de práctica profesional ininterrumpida, Javier Álvarez goza hoy de amplio reconocimiento nacional e internacional, recibiendo numerosos encargos y estrenos en los festivales y ciclos más importantes del orbe. Su extenso catálogo es ejecutado por los más distinguidos solistas, agrupaciones y orquestas de México y el extranjero, en interpretaciones que se transmiten y escuchan frecuentemente por internet, radio y televisión internacional.

  • Vendedor de ilusiones (2017)

Clarinete, orquesta de cuerdas y percusiones

Se dice que el refrán “Se juntaron el hambre con las ganas de comer”, retrata el encuentro entre una necesidad y su satisfactor. Vendedor de Ilusiones ilustra uno de esos casos. Efectivamente, este proyecto tiene su origen en el viejo anhelo de escribir una obra concertante para clarinete (mi instrumento de origen) y la larga amistad que me une con uno de sus mayores exponentes: Fernando Domínguez. Así las cosas, hace ya más de dos años, Fernando Domínguez y yo empezamos a discutir la posibilidad de llevar a cabo tal proyecto, lo que por fortuna se volvió una realidad, gracias a la intervención de Alejandro Cardona y Eddie Mora, quienes nos brindaron la oportunidad de estrenarlo con la Orquesta Sinfónica de Heredia.

Una vez manos a la obra, traté de inventar lo que para este formidable clarinetista pudiesen constituir retos musicales conmensurables por un lado, con su consabida destreza técnica y, por otro, con su extraordinaria sensibilidad expresiva.  Y si bien toda composición musical envuelve una gran cantidad de empeños y escenarios imaginarios difíciles de describir con palabras, lo que sí puedo decir es que en Vendedor de Ilusiones se plasman muchos de nuestros gustos en común: líneas melódicas ondulantes, precipitaciones armónicas, contrastes súbitos, gestos extrovertidos al interior de episodios cruzados, patrones rítmicos repetitivos y una cierta dosis de humor.

Con todo ello en mente, decidí estructurar la obra en tres piezas que reúnen y barajan algunos o varios de estos aspectos entre el clarinete solista y la orquesta; movimientos  que se intitulan, en orden consecutivo de aparición: Ilusión en tiempo presente; Metropasado, re-tornillo y requesón, y Futuro compuesto. No podría negar que los títulos hacen referencia de manera algo críptica y silvestre al espíritu lúdico que frecuentemente anima mi quehacer creativo; pero, más allá de ello, aspiro a que la música transmita – tanto a los intérpretes como a su audiencia – el afán celebratorio y espontáneo que imaginé al componerla.

Vendedor de Ilusiones fue compuesta con apoyo del Fondo Municipal para las Artes Escénicas y la Música de la ciudad de Mérida, en Yucatán, del que fui beneficiario en 2015.

JA., junio 2017

  1. Igor Stravinski  (Rusia | 1882 – 1971)

Concierto en re  para cuerdas  (Concierto de Basilea) |

Secciones: Vivace – Arioso: Andantino -Rondó: Allegro

Iracundia en el estreno de La consagración de la primavera

Igor Fiódorovich Stravinski, es un compositor ruso y director de orquesta, una de las figuras más influyentes de la música del siglo XX. Nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (actualmente Lomonosov). Hijo de un bajo de la Ópera Imperial de San Petersburgo, estudió Derecho en la Universidad de esta ciudad. Allí conoció al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, músico que le dirigió sus primeras composiciones musicales.  En 1908, el empresario ruso Sergei Diáguilev, impresionado por sus obras orquestales Scherzo fantástico (1908) y Fuegos artificiales (1910), le propuso que compusiera para sus ballets rusos, iniciando así una colaboración que duró muchos años.  Sus primeros ballets para Diáguilev, El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911), tuvieron un éxito rotundo y fueron muy admirados por su impacto dramático, su rica orquestación y sus melodías que evocaban la música tradicional rusa. Sin embargo, en el estreno de La consagración de la primavera (1913) la coreografía informal de Nijinski, las intensas disonancias y los fuertes ritmos asimétricos provocaron una reacción tan fuerte del público que ni siquiera los bailarines podían oír la orquesta. Las actuaciones posteriores tuvieron una mejor acogida por parte del público.

Stravinski en Suiza y Francia: impacto de la Guerra e influencia del jazz y el ragtime

Al año siguiente, al estallar la I Guerra Mundial, Stravinski se trasladó a Suiza. Allí, en parte debido a que las difíciles condiciones sociales y económicas no permitían la representación de proyectos mayores, compuso Historia del soldado (1918) para siete instrumentistas, tres actores y una bailarina, donde se advierte su desilusión por los años de guerra y el impacto del jazz, al igual que en Rag-time (1918) para once instrumentos y en Piano ragmusic (1919). En 1920 se trasladó a París. De esta época datan sus célebres sinfonías de instrumentos de viento (1920), la ópera cómica Mavra (1922) y el ballet-cantata La boda, notablemente influido por la música tradicional rusa e interpretada por primera vez por los ballets rusos en 1923. En esta última obra, compuesta para cuatro pianos, percusión y voz, y con influencia de las melodías tradicionales rusas, se advierte una liberación de las tensiones del diálogo que posteriormente caracterizó el resto de su obra. Durante su etapa en París, también trabajó como pianista y director para ayudar a mantener a su familia. Así empezó a componer obras que se ajustaban a su habilidad pianística, como el Concierto para piano e instrumentos de viento (1924). A comienzos de la década de 1920, se enamoró de la actriz Vera de Bosset Soudeikine, con quien contrajo matrimonio en 1940, después de la muerte de su primera mujer.

Inicio del periodo neoclásico y algunas obras

Hacia 1923, empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por su interés en el estilo de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad que en parte era una reacción contra el emocionalismo de finales del Romanticismo. Este ideal se refleja, posteriormente, en su Autobiografía (1935), donde escribió: “La música no tiene, por naturaleza… poder para expresar nada”, y opinaba que los intérpretes debían seguir las intenciones del compositor sin complementarlo con sus propias ideas-posición estética con un fuerte impacto en la música moderna. Algunas obras de este periodo son la ópera-oratorio Edipo rey (1927) con un texto en latín, versión de J. Danielou de un texto de Jean Cocteau inspirado en Sófocles, y el melodrama Perséfone (1934), para recitantes, cantantes y orquesta, con texto de André Gide, inspirado en el mito griego, así como el ballet Apolo Musageta (1928, titulado posteriormente Apolo), entre otras obras escritas para el coreógrafo ruso George Balanchine.

Regreso a la iglesia ortodoxa rusa y su labor en Estados Unidos

A mediados de la década de 1920, Stravinski atravesó una época de crisis espiritual y, en 1926, se convirtió a la religión ortodoxa rusa (que había abandonado a los 18 años). Poco después, en 1930, compuso la Sinfonía de los salmos, para coro y orquesta. En 1939, Stravinski dejó Europa para trasladarse a Hollywood, California (Estados Unidos). Allí se mantuvo gracias a diversos encargos como Circus Polka (1942), obra compuesta para ser bailada por elefantes de circo; Danzas concertantes para orquesta (1942), y Escenas de ballet (1944) para una revista de Broadway. Asimismo, escribió la Sinfonía en tres movimientos (1945), Misa (1948) y la ópera de gran éxito El progreso del libertino (1951, con libreto de W. H. Auden y Chester Kallman), obra que puede ser calificada como la culminación de su periodo neoclásico.

Serialismo a la manera de Stravisnki

En 1948, Stravinski entabló amistad con el joven director estadounidense Robert Craft, quien pasó a ser su asistente musical. Craft le animó a escuchar la música de los serialistas, que trataban la melodía atonal como una serie de tonos sin relaciones armónicas o melódicas, cuyas técnicas se basan en el sistema dodecafónico del compositor vienés Arnold Schönberg. Aunque Stravinski había rechazado anteriormente las teorías de Schönberg, se interesó por la música de su discípulo, el compositor austriaco Anton Webern.  Poco a poco, Stravinsky empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales) en composiciones como la cantata Threni (1958), Movimientos para piano y orquesta (1959) y su última gran composición, Requiem canticles (1966).

Capacidad de evolución haciendo suyas las nuevas técnicas

Sepultura cerca de la tumba de su amigo Diáguilev

En 1967 con 80 años y con una salud débil, dirigió su última grabación. Falleció el 6 de abril de 1971 en Nueva York, y fue sepultado en Venecia, cerca de la tumba de Diáguilev. Durante su vida, Stravinski utilizó muchos estilos de música; un estilo fecundo con influencias de la música tradicional rusa, el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Según sus palabras, seguir un solo camino era retroceder. Las obras de Stranvinski por su originalidad, fuerza y racionalidad reflejaron y, a la vez, influyeron las corrientes más importantes de la música del siglo XX.

  • Creación de la obra en tierras hollywoodenses

Concierto en re para cuerdas, conocido como Basilea

Concierto en re para cuerdas, fue escrito por Igor Stravinski, durante su autoexilio en la meca del cine, Hollywood, un año después de finalizada la Segunda Guerra Mundial, por encargo del promotor musical y compositor Paul Sacher, fundador y director de la Orquesta de Cámara de Basilea.

El especialista Juan Arturo Brennan, considera que, no obstante las críticas de su tiempo, la obra contiene “todos los gestos típicos de su período neoclásico, siendo su brevedad y concisión uno de los más notables”. El Concierto en re para cuerdas, de Stravinski, se estrenó en Basilea, Suiza, el 27 de enero de 1947 por la Orquesta de Cámara de esa ciudad. En algunas fuentes es posible encontrar que este concierto está designado como el Concierto de Basilea. Unos años después de su creación, la obra, como otras de Stravinski, fue convertida en ballet. En 1951 fue estrenado como tal por el New York City Ballet bajo el título de La jaula, con coreografía de Jerome Robbins.

Algunos detalles e historia

Escrito para orquesta de cuerdas, Basilea fue el primer trabajo de Stravinski desde Apolo Musageta (1927-1928). La obra es aproximadamente de la misma duración y de la misma forma que el concierto Dumbarton Oaks (1937-1938) y el Concierto ébano (1945), el cual precede a la composición del Concierto en re de marras. Todas las  tres obras tienen tres movimientos en el orden lento-rápido-lento, típico del concerto grosso barroco; además, en los tres trabajos figura el contraste de concenrtino y ripieno, también, factor característico (dialógico) del concerto grosso barroco.

Los movimientos son: Vivace – Arioso: Andantino – Rondó: Allegro. El inicial Vivace en forma sonata, ofrece un matiz áspero; es decir, la sección externa funciona a modo de exposición, cuyos temas se repiten, aproximadamente, en el mismo orden en el movimiento; pero, la sección central es un lento tiempo Moderato. En el movimiento central Arioso: Andantino, aparece un Stravinski poco extenso, lírico y melodioso en los violines, interrumpidos dos veces por perfectas cadencias en imaginativas tonalidades. El cierre, Rondó: Allegro es más largo que los dos primeros movimientos juntos, lo cual es típico en el Stravisnki de ritmos punzantes de mediados de la década de los 40.

Finalmente, cabe señalar, que el Concierto re para cuerdas, es uno de los últimos trabajos tonales de Igor Stravinski. Solamente Orfeo (1947), la Misa (1944-1947) y El progreso del libertino (1948-1951), le siguieron a este concierto llamado Basilea.

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 SOLISTAS INVITADOS

Fernando Domínguez | clarinetista

En México, primer exponente del repertorio contemporáneo para clarinete

Fernando Domínguez es, actualmente, el principal exponente del repertorio contemporáneo para clarinete en México. Su interés por este género lo ha llevado a colaborar de manera muy cercana con la mayor parte de los compositores mexicanos, quienes le han dedicado obras, tal es el caso de Ignacio Baca-Lobera, Eugenio Toussaint, Juan Trigos, Carlos Sánchez Gutiérrez, Hébert Vázquez, etc. En su repertorio, incluye obras de Franco Donatoni, Brian Ferneyhough, Helmut Lachenmann, Pierre Boulez, Isang Yun, Eliott Carter, entre otros.

Asiduo participante en festivales, foros y ciclos de música contemporánea

Se presenta regularmente en los ciclos dedicados a la música contemporánea, tales como, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Ciclo de Música Contemporánea del Festival Internacional Cervantino, Festival Radar, etc. También, se ha presentado en el Festival de Música Contemporánea de La Habana, en el ciclo “Encuentro con México” en Bogotá, así como, en Estados Unidos, Canadá y China. Asimismo, es clarinetista de los grupos de cámara más reconocidos en el medio musical: Duplum, Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y ÓNIX Ensamble. Con estos grupos ha grabado nueve discos compactos para los sellos URTEXT y Quendicim, dedicados en su totalidad a la música del siglo XX.

Solista con prestigiosas orquestas

Como solista, ha actuado con la Orquesta Sinfónica Vida y Movimiento, Orquesta de Cámara de la Escuela Nacional Preparatoria, Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM), Orquesta Sinfónica de Yucatán. Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta Sinfónica de Oaxaca  y Orquesta Juvenil del Estado de México.

Estudios superiores en Alemania, Austria, Holanda y México

En los años 2002 y 2004 participó en el curso de música contemporánea en Darmstadt, Alemania (Ferienkurse für neue musik Darmstadt), y ha sido becario del FONCA en las modalidades de estudios en el extranjero y ejecutantes. Ha sido miembro del jurado de la comisión dictaminadora de los Apoyos para estudios en el extranjero del FONCA. Es egresado del Conservatorio Estatal de Viena, donde fue alumno de Roger Salander. Posteriormente, realizó una especialización en clarinete bajo y música contemporánea con Harry Sparnaay en el Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam, Holanda. En 2011, obtuvo la licenciatura otorgada por la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Promoción del instrumento y de la escritura musical entre la juventud

Del año 1999 al 2004, fue maestro del taller de clarinete del Colegio Cedros (Universidad Panamericana), dirigido a niños y adolescentes. A partir del año 2000, se ha desempeñado como maestro de clarinete en los niveles Propedéutico y Licenciatura de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Desde el año 2005 es maestro de Música de Cámara de la  Escuela de Música Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli. Además, realiza de manera habitual, cursos y diplomados dirigidos a estudiantes de composición sobre la técnica y escritura contemporánea para clarinete en las escuelas profesionales del país. Es artista Vandoren Paris. Fernando Domínguez, hoy en día, es artista integrante de Ónix Ensamble, agrupación que recibe el apoyo del programa México en Escena, otorgado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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RUBÉN SIMEÓ | TROMPETISTA

Precocidad excepcional en la trompeta

Rubén Simeó nace en Vigo, Galicia, España, en el año 1992. Comienza sus estudios musicales en el conservatorio de esa ciudad con su padre, J. V. Simeó, demostrando, desde muy temprana edad, unas facultades excepcionales en la trompeta, realizando conciertos en grandes auditorios y programas de televisión, con gran éxito de público y crítica musical, que elogian su madurez técnica e interpretativa a tan corta edad.  Desde los 8 años, obtiene grandes premios en los mejores concursos nacionales e internacionales, como Yamaha, en Madrid, Ciudad de Vigo, Porcia (Italia), Benidorm, Maurice André (Paris), Bruselas, Selmer (Francia), P. Jones (Gebwiller, Francia), entre otros, siendo siempre el concursante más joven de todas sus ediciones en conseguirlo.

Precoz maestría ante las cámaras de televisión

Desde muy temprana edad, participa continuamente en programas radiofónicos y televisivos, como los de TVE, Antena 3, Canal 9, T. V. Galega, TV. Francesa, Cuatro, Radio Clásica, T. V. Tokio, Radio France, L.P.T.V. Con doce años de edad, actúa como solista con la Orquesta Sinfónica de la R.T.V.E. en el Auditorio Nacional de Madrid y en Zaragoza, dirigido por Adrián Leapper, y retransmitido en el concierto de Navidad para todo el mundo por Televisión Española Internacional. También participa en varias ocasiones en los programas “El Conciertazo” y “Pizicatto”. Desde entonces, participa asiduamente en distintos programas televisivos y radiofónicos, de RTVE, Antena 3, Canal 9, LPTV, Radio France, Radio Portugal. A esa misma edad, realiza su primera grabación “Ensueño”, la cual presentó con una amplia gira de conciertos por España y Portugal.

Pedagogo dentro y fuera del país

Participaciones con grandes orquestas y bandas alrededor del mundo

Asimismo, realiza cursos y clases magistrales como pedagogo por distintos países, como Estonia, Portugal, España, Francia, Japón. Actúa regularmente con grandes orquestas y agrupaciones sinfónicas, como: Orquesta de Múnich, R.T.V.E., Valencia, Viana do Castelo (Portugal), Sinfónica de San Cristobal (Venezuela), Guarda Republicaine (Paris), Sinfónica León, Orquesta P. Mallorca, Sinfónica Alicante, Filarmónica Cannes, Filarmónica Niza, Filarmónica Nantes, Orquesta Metropolitana Lisboa, E. Romagne (Italia), Torrente, Siena Wind Tokio, Sinfónica Kanazawa (Japón), Sinfónica de Paris, Sinfónica de Sttugart, Sinfónica de Galicia; así como, con las bandas sinfónicas municipales de Valencia, Alicante, Ciudad Real, U.M. Lliria, G. Republic. Francesa, Pensilvania (clausura concurso internacional I.T.G.), Banda Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Orquesta Nantes y Portugal.

Impulso y reconocimiento del maestro Maurice André

En julio de 2005, con 13 años, actúa, invitado por Maurice André en la Semana Internacional de la Trompeta, celebrada en Burdeos (Francia), con gran éxito de crítica y público. En 2008, actúa en Lille, junto con Maurice André y Michel Becquet. Precisamente, André ha resaltado de Rubén sus condiciones técnicas excepcionales, sorprendentes a tan temprana edad.

Grabaciones, premio y actual desempeño como solista

Ha grabado varios discos editados por todo el mundo, con Siena Wind Tokio, Orq. Sinfónica Kanazawa (Japón), varias bandas sinfónicas, orquestas de cámara, acompañado por piano y órgano barroco. Del mismo modo, tiene programada la grabación del Concerto Ibérique de V. Cosma, junto a la Garde Republicaine de Paris. En 2008, recibió en Stuttgart (Alemania), el Premio Europeo para la Cultura, como reconocimiento a su brillante carrera concertística. Actualmente, es concertista de trompeta, así como solista del Holencours Soloist Chamber Orchestra. Desde el fallecimiento del maestro Maurice André, Rubén continúa estudiando bajo la tutela de Vicente Campos, en el Conservatorio Superior de Castellón.

M{USICOS
Instrumento Nombre
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín I Caterina Tellini
Violín I Mauricio Campos
Violín I Carlos Vargas
Violín I Sara Miranda
Violín l Daniela Garner
Violín I Johan Chapellín
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Andrés Mendieta
Violín II Sandra Ramírez
Violín II Andrés Corrales
Violín II Roger León
Violín I Guillermo Salas
Violín II Fabricio Ramírez
Violas Samuel Ramírez
Violas Elisa Hernández
Violas Mario Sequeira
Violas Amado Domínguez
Violas Maricel Méndez
Violas Camila Berg
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Beatriz Meléndez
Violoncellos Blanca Guandique
Violoncellos Olman Ramírez
Violoncellos Thiago Máximo
Violoncellos Gerald Mora
Contrabajos Alberto Moreno
Contrabajos Luis Andrés Véliz
Contrabajos José Saavedra
Contrabajos Pedro García
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Andrés Barboza
Percusión
Solistas
Trompeta Rubén Simeó
Clarinete Fernando Domínguez
Compositor Javier Álvarez