II programa 2017

 

Orquesta Sinfónica de Heredia

TEMPORADA  2017 | CON – TEMPO

I INTERNACIONAL FESTIVAL OSH  | COSTA RICA

II Programa

25 de febrero, 8:00 pm |  Parroquia Nuestra Señora Inmaculada | Heredia

26 de febrero 11:00 am I Teatro Eugene O´Neill

Director titular: Eddie Mora

Artistas invitados: Walter Morales (piano I  Costa Rica)

Silvestre Revueltas (México | 1899 – 1940)

  • 8 por radio
  • Colorines**

Aaron Copland (Estados Unidos | 1900 – 1990)

  • Appalachian Spring (13 instrumentos)

Paul Hindemith (Alemania | 1895 – 1963)

  • Kammermusik No. 1**

**estreno nacional

 

VACIO
NOTAS AL PROGRAMA

Orquesta Sinfónica de Heredia

Temporada 2017 | Con-Tempo

Dedicatoria al maestro Benjamín Gutiérrez

II programa | I Festival Internacional OSH

Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ)
Municipalidad de Heredia
Asociación Sinfónica de Heredia (ASH)

Eddie Mora Bermúdez  | Director titular y artístico

Artista invitado: Walter Morales | Piano-Costa Rica

PROGRAMA

Aaron Copland (Estados Unidos | (1900-1990)

Primavera en los Apalaches (Appalachian Spring-13 instrumentos)

Estreno nacional

Aaron Copland: varios estilos determinan su carácter musical

Compositor estadounidense y figura destacada en la música del siglo XX de su país. Aaron Copland nació en Nueva York el 14 de noviembre de 1900, donde estudió con su compatriota Rubin Goldmark. También fue discípulo de Paul Vidal y de la profesora francesa Nadia Boulanger, en París. Aunque sus primeras obras están influidas en gran medida por los impresionistas franceses, y manifiestan la huella de Igor Stravinski, pronto comenzó a desarrollar su propio estilo. Tras experimentar con ritmos de jazz en obras como Music for the Theatre y el Concierto para piano, Copland se basó en un estilo más austero y disonante. Obras de concierto como las Variaciones para piano y Statements constan de ritmos nerviosos e irregulares, melodías esquinadas y armonías en extremo disonantes. A estos años corresponden también el trío Vitebst y la Oda sinfónica. A mediados de los años treinta retomó un estilo más sencillo, melódico y lírico, con frecuencia basado en elementos de la música folclórica de su país. Varias obras pertenecientes a este periodo narran distintos temas estadounidenses; en Lincoln Portrait (Retrato de Lincoln para orquesta y narrador), y en los ballets Billy the KidRodeo y Appalachian Spring (Primavera en los Apalaches, ganadora de un Premio Pulitzer en 1945), utiliza melodías del folclore, estilos y ritmos que captan la esencia de los primeros habitantes de su país. También adaptó música popular mexicana para Salón México. Otras obras orquestales son la Sinfonía para órgano y orquesta, una Oda sinfónica y la Sinfonía n.° 3, que incorpora la obra Fanfare for the Common Man (Fanfarria para el hombre común). También pertenece a este periodo la ópera para estudiantes The Second Hurricane (El segundo huracán, de 1937).

Su música para el cinematógrafo y otros géneros

Su música para cine incluye las bandas sonoras de La fuerza bruta (1939, de Lewis Milestone), Sinfonía de la vida (1947, de Sam Wood) y La heredera (1949, de William Wyler, que ganó un Óscar a la mejor banda sonora). Durante los años cincuenta volvió a su austeridad original. En la compleja y virtuosísticaFantasía para piano y en obras orquestales como Connotations (encargada para la inauguración del Lincoln Center de Nueva York) e Inscape, utilizó el método dodecafónico de composición. Proclamation, obra para piano orquestada por Phillip Ramey, se estrenó en 1985 en un concierto conmemorativo del 85 cumpleaños del compositor.

El formador y escritor

Copland fue profesor del Berkshire Music Center entre 1940 y 1965 y luchó por promover la música de compositores contemporáneos. Escribió libros comoWhat to Listen for in MusicOur New Music, que reeditó con el título The New MusicMusic and Imagination, y Copland on Music. Un 2 de diciembre de 1990, se apaga la llama creadora de este insigne compositor estadounidense de música académica y cinematográfica.

Cronología de hechos importantes

1900: Nació el 14 de noviembre en el barrio de Brooklyn.

1921-1923: Estudió en Francia.

1924: Regresó a su país con el encargo de componer una obra.

1925: Estreno de la Sinfonía para órgano y orquesta por la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la dirección de Walter Damrosch.

1927: La Orquesta Sinfónica de Boston estrenó su Concierto para piano y orquesta.

1928-1931: Organizó con la colaboración de R. Sessions una serie de conciertos dedicados a los músicos americanos.

1929: Compitió en el concurso de composición de RCA Víctor con su Sinfonía de Danza.

1932: La Orquesta Sinfónica de Boston estrenó su Oda Sinfónica.

1942: El Ballet Ruso de Monte Carlo estrenó su ballet Rodeo.

1948: Benny Goodman y la NBC Symphony estrenaron su Concierto para clarinete.

Algunas de sus obras más representativas

1925-1933Música para el Teatro, suite para pequeña orquesta y piano; Oda SinfónicaVitebsk (violín, chelo y piano), y Variaciones para piano.

1933-1938Sinfonía breveStatementsSalón MéxicoMúsica para radioBilly the Kid (ballet).

1939-1944: Música para las películas De ratones y de hombresNuestro pueblo y Estrella del norte, y otras obras como Primavera en los Apalaches y Retrato de Lincoln (narrador y orquesta).

1945-1967 : Concierto para clarineteSinfonía n.° 3Cuarteto para pianoIn the Beginning (coro mixto), Doce poemas de Emily Dickinson.

Primavera en los Apalaches

Primavera en los Apalaches, de Aaron Copland, fue compuesta entre 1943 y 1944 como ballet para Martha Graham, quien lo estrenó con su compañía en la Biblioteca del Congreso de Washington el 30 de octubre de 1944.

Aaron Copland describe su obra

Primavera en los Apalaches, por lo general, se considera inspirada en el folclor. Pero la tonada de los Shakers: “es el don de ser simple”, es el único material foclórico que verdaderamente he citado en la pieza. Ritmos y melodías que sugieren un cierto ambiente norteamericano…y el uso de temas folclóricos específicos no son, después de todo, la misma cosa. Como se sabe, me llevó casi un año terminar Primavera en los Apalaches y originariamente estaba orquestada para tan solo trece intérpretes. Recuerdo que pensaba que era una locura dedicarle todo ese tiempo, porque sabía la corta vida que tienen la mayoría de los ballets y sus partituras, pero la suite para orquesta sinfónica que extraje fue premiada con el Premio Pulitzer en 1945 y cobró vida propia. Realmente, tuvo mucho que ver con llevar mi nombre a un público más amplio”. Tal es el concepto de Copland y su música del ballet  Primavera en los Apalaches.

Acerca del sentido del ballet

De acuerdo con Martha Graham, para quien fue compuesto, el ballet se refiere a “una celebración de pioneros, en la primavera, alrededor de una granja recién construida en las colinas de Pensilvania en la primera mitad del siglo pasado. La recién casada y el joven granjero, que es su marido, personifican las emociones, alegres e inquietas, a las que invita su nueva relación doméstica. Un viejo vecino sugiere, de vez en cuando, la sólida confianza en la experiencia. Un predicador y sus seguidores recuerdan a los fundadores del nuevo hogar los extraños y terribles aspectos del destino humano. Al final dejan a la nueva pareja tranquila y segura en su nueva casa”.

Paul Hindemith (Alemania | 1895-1963)

Música de cámara n.° 1 (Kammermusik)

Estreno nacional

Desde los trece años manifiesta su carácter musical

Compositor y violinista alemán, nacionalizado estadounidense. Una de las figuras más importantes de la música del siglo XX y un influyente profesor. Nació en Hanau (Hesse), el 16 de noviembre de 1895, y falleció el 28 de diciembre de 1963, en Fráncfort del Meno. Estudió en el Conservatorio de Hock, Frankfurt. A los trece años, mientras estudiaba en dicho centro, trabajó en orquestas de baile, teatros y cines. Entre 1915 y 1923 fue concertino y, más tarde, director de la orquesta de la Ópera de Fráncfort. En 1921 fue uno de los creadores del famoso Cuarteto Amar-Hindemith (grupo que había creado el húngaro de ascendencia turca, Licco Amaren). En esta agrupación se hizo cargo de la viola.

Prohibiciones a su música y métodos de composición

Durante los años veinte, Hindemith se consagró como compositor. Primero se le consideraba un sucesor de Richard Strauss, y después se le vinculó al ultramodernismo. En 1927 fue nombrado profesor de composición del Berlin Hochschule für Musik. En 1929 actuó como solista en el estreno del Concierto para viola, de William Walton, en Londres. En 1936, a pesar del apoyo que obtuvo del director Wilhelm Fürtwangler, Hitler prohibió sus obras debido a su “extremado modernismo”. Tampoco se avenía al gusto de los nazis el fuerte sentido irónico de obras como la ópera Noticias del día. Poco más tarde, Hindemith se trasladó a Turquía para reorganizar el programa de estudios musicales del país. En 1940 viajó a los Estados Unidos e impartió clases en la Universidad de Yale hasta 1953, año en el que regresó a Europa para enseñar en la Universidad de Zúrich. En 1946 adquirió la nacionalidad estadounidense. Al igual que sus contemporáneos, Hindemith se encontró con el vacío que había dejado la disolución de las estructuras musicales tradicionales, basadas en la armonía tonal. A pesar de que algunas de sus primeras composiciones acusan la influencia del sistema atonal, la mayor parte de su obra no se inscribe en esa dirección. Desarrolló su propio método respecto al tratamiento de la armonía y la tonalidad, basado en una jerarquía entre la tensión (disonancia) y la relajación (consonancia).

Óperas, música orquestal y de cámara

Entre sus óperas, su obra maestra es Matías el pintor, basada en el vida del pintor alemán Matthias Grünewald. Asimismo, una sinfonía inspirada en temas pertenecientes a esta ópera es una de sus obras orquestales más conocidas. Compuso las óperas Cardillac, sobre textos de F. Lion, estrenada en Dresde en 1926; Die Harmonie der Welt (La armonía del universo, 1957), inspirada en la vida de Kepler y La prolongada cena de Navidad (1962). En 1938 había publicado el ballet Nobilissima visione sobre San Francisco de Asís. En 1956 estrenó en Buenos Aires su obra brevísima Hin und zurück (Ida y vuelta). También compuso varias sinfonías, sonatas, conciertos, música de cámara, piezas vocales y obras para viola.

Paul Hindemith, Bertolt Brecht y el contacto con el pueblo

Fue defensor del concepto Gebrauchmusik (música para todos los usos), a través del cual trató de establecer una aproximación entre el compositor y el público, creando obras destinadas a ser interpretadas por grupos de estudiantes y aficionados. Una de estas obras es su ópera para niños Wir bauen eine Stadt (Construimos una ciudad). La llamada ‘música para usar’ corresponde, en sentido estricto, a un movimiento surgido de” la prédica de Bertolt Brecht que sostenía que los artistas debían mantener el contacto con el pueblo. A tal fin, los creadores debían encontrar su inspiración en temas de actualidad y usar un lenguaje cotidiano. Con todo esto, el propio Hindemith y Kurt Weill, de igual modo partidario de estas ideas, pretendían oponerse al ‘arte por el arte’ y destacar la influencia social de su trabajo Ludus tonalis (1943, colección de fugas que abarca todas las tonalidades), un grupo de estudios para piano, destinado al desarrollo de la técnica pianística con el que demostró sus teorías sobre el contrapunto y la organización tonal.

En torno de los Kammermusik

Paul Hindemith compone Kammermusik n.° 1, opus 24 para 12 instrumentos en el año 1921. Sus partes son:

  1.  Muy rápido y salvaje
  2.  Medio rápido
  3.  Cuarteto

Compuso los Kammermusik, siete en total, para distintos grupos de instrumentos, inspirados en los Conciertos de Brandenburgo, de Johan Sebastián Bach. Es una actitud modernista de rechazo hacia todo lo romántico, que se rebela contra la pesada tradición musical germánica, del denso cromatismo, heredada de Wagner y busca la sencillez de Bach, basada en la línea clara y transparente del contrapunto. La intención del autor no es volver al pasado para quedarse viviendo en él, y plegarse a su estilo.

Los Kammermusik se inscriben dentro del estilo de la Nueva objetividad. Paul Hindemith fue muy consecuente a lo largo de toda su carrera con los principios estéticos de la Nueva objetividad. Uno de ellos era romper con la forma tradicional de la música, cambiar los títulos e indicaciones en las partituras, y no usar el opus para numerar las obras. El término Kammermusik es una palabra genérica para designar un concierto para varios instrumentos. Hindemith compuso varias sinfonías, pero muy pocas de ellas llevan este título.

Silvestre Revueltas (México | 1899-1940)

Ocho por radio | Colorines

Estreno nacional

SILVESTRE REVUELTAS: COMPOSITOR, VIOLINISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA

Silvestre Revueltas Sánchez nació en Santiago Papasquiaro, México, en 1899, y falleció en Ciudad de México, en 1940. Compositor, violinista y director de orquesta, considerado uno de los máximos y más influyentes representantes de la corriente nacionalista. Formado como violinista y director de orquesta en su tierra natal y Estados Unidos, empezó a componer relativamente tarde, a principios de la década de 1930, posiblemente influido por el ejemplo de Carlos Chávez, de quien fue director asistente entre 1929 y 1935 en la Orquesta Sinfónica de México. En 1937 se fue a España, y participó de manera activa en la Guerra Civil Española a favor del bando republicano. Compositor autodidacta, su producción musical es muy escasa, aunque valiosa, con títulos como el balletEl renacuajo paseador y las obras orquestalesOcho por radio,Redes,Homenaje a Federico García Lorca yLa noche de los mayas. Destaca entre sus obrasSensemayá, su partitura más conocida dentro y fuera de su patria. Un profundo conocimiento de la música mexicana y la primacía absoluta del ritmo otorgan a estas páginas de Revueltas un singular atractivo.

Formación y apoyo a la Guerra Civil Española

Silvestre Revueltas fue el mayor de cuatro hermanos que cultivaron diferentes disciplinas artísticas. Desde muy joven manifestó interés por la música. En 1913 ingresó al Conservatorio Nacional, y en 1917 viajó a Estados Unidos para perfeccionar sus estudios de violín. En los años veinte y treinta difundió la música de concierto en toda la República Mexicana, ocupó la subdirección de la recién creada Orquesta Sinfónica Nacional (1928-1935) y dirigió la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios.

Movido por sus convicciones políticas, viajó a España, donde apoyó la causa republicana durante la Guerra Civil Española (1936-1939). De regreso a México compuso numerosas piezas sinfónicas y continuó desarrollando su labor docente. El devenir de la Guerra Civil, sin embargo, le había sumido en una profunda melancolía que no hizo sino aumentar una destructiva adicción al alcohol que acabó prematuramente con su vida.

Revueltas y el nacionalismo mexicano

Silvestre Revueltas formó parte de un grupo autores nacionalistas que buscaba la renovación de las formas, recuperando los valores de la música indígena y el pasado prehispánico, acercándose, al mismo tiempo, a los lenguajes de la vanguardia europea para, a partir de esta, obtener una auténtica expresión nacional. El más influyente fue sin duda Carlos Chávez, que agrupó a su alrededor a un buen número de seguidores. En el marco de esta corriente nacionalista, la música dionisiaca y vital de Revueltas ofrece novedades en todos los sentidos. Aprovechó todos los recursos instrumentales, dio a las cuerdas papeles percutivos y a los metales un énfasis melódico que recuerda el sonido de las bandas pueblerinas. En cuanto a la estructura de sus obras, las armonías son disonantes y los contrapuntos chocan rítmicamente.

Variedad de su catálogo

Su obra abarca desde piezas para dotaciones pequeñas, como es manifiesto enOcho por radio, hasta obras para gran orquesta, como Janitzio y Sensemayá. Para el cine elaboró partituras que han seguido interpretándose en forma independiente, comoRedes yLa noche de los mayas. Destacan, junto a las obras citadas, los poemas sinfónicosCuauhnáhuac,Esquinas,Ventanas y el balletEl renacuajo paseador. A pesar de su absoluta brevedad, que contribuye de hecho a hacerla aún más efectiva,Sensemayá, título que hace referencia a una serpiente tropical, es la obra más conocida de Silvestre Revueltas. Todos los rasgos del estilo del músico están presentes en ella, empezando por la absoluta primacía del ritmo como generador de la composición, influencia directa del Stravinsky deLa consagración de la primavera.

  • OCHO POR RADIO en la óptica de J.A. Brennan

Juan Arturo Brennan escribió para la OFUNAM, este valioso artículo acerca de la obra Ocho por radio, de Silvestre Revueltas, el cual se transcribe en su totalidad: “Cuando un artista muere prematuramente, en la cima de sus poderes creativos, su ausencia se presta casi inevitablemente a la especulación y a la hipótesis. Se intenta, sobre todo, extrapolar el trabajo realizado por el creador y proyectarlo hacia el futuro que la muerte le negó. En el caso de la obra y el compositor que son objeto de esta nota, la pregunta es muy sencilla: ¿hasta dónde pudo haber llegado Silvestre Revueltas en su desarrollo creativo si hubiera vivido los treinta o cuarenta años que le correspondían? Como en cualquier otro caso similar, no hay respuesta posible, pero se antoja particularmente interesante especular sobre lo que Revueltas pudo haber realizado como compositor de música para los medios. En el ámbito del cine, creó la sensacional partitura de Redes, y la espectacular aunque menos sólida música para La noche de los mayas, así como otros soundtracks que hasta la fecha son desconocidos en las salas de concierto. ¿Qué rumbo habría tomado la música de Revueltas en el contexto del cine mexicano más moderno? ¿Habría podido integrarse Revueltas a la creación de música para televisión? En medio de todas estas especulaciones queda como muestra, al menos, una interesante colaboración de Revueltas para el entonces joven medio radiofónico: su pieza de cámara titulada Ocho por radio”.

Continúa Brennan: “Para descifrar el enigmático título de esta breve partitura de Revueltas es necesario conocer la anécdota que hay detrás de él. O en cambio, acudir al título que suele darse en inglés a esta obra, y que es el de Eight musicians broadcasting, que traducido de regreso al español sería Ocho músicos transmitiendo. Se dice que en cierto momento de su carrera, Revueltas recibió el encargo de componer a toda prisa una obra breve para ser transmitida en un concierto radiofónico. En el momento del encargo, los músicos disponibles para el proyecto eran dos violinistas, un violoncellista, un contrabajista, un clarinetista, un fagotista, un trompetista y un percusionista. Fue así que Revueltas se adaptó a los recursos que en ese momento tenía a su disposición, y creó Ocho por radio para ese peculiar conjunto instrumental. En ocasiones, el compositor solía escribir breves textos relativos a sus obras. Estos textos, que en realidad no son estrictamente notas de programa, están concebidos y realizados con un sarcasmo y un sentido del humor típicos de la personalidad de Revueltas”.

Amplía Brennan: “Esto fue lo que escribió respecto a Ocho por radio: Ecuación algebraica sin solución posible, a menos de poseer profundos conocimientos en matemática. El autor ha intentado resolver el problema por medio de instrumentos musicales, con éxitos medianos, del que la crítica conocedora en achaques de números podrá juzgar con su habitual ecuanimidad. En un tono más formal pero menos divertido, el musicólogo Gérard Béhague apunta lo siguiente: El enigmático título de Ocho por radio, una pieza de cámara de 1933, ha sido interpretado indistintamente como ocho minutos de música para radio u ocho músicos transmitiendo. Es una de las más atractivas obras de Revueltas, una pieza que pone en evidencia su humor cínico. Las características relevantes de esta partitura son una polifonía de estilo mestizo (similar a la que se encuentra en conjuntos populares como el mariachi), figuras rítmicas folklóricas, armonías politonales y forma tripartita. A pesar de las singulares circunstancias de su composición, Ocho por radio es una obra típica del pensamiento musical de Revueltas y contiene, muy sintetizados, muchos de los elementos propios de su lenguaje. Al inicio, una llamada de trompeta inequívocamente revueltiana, y enseguida la irrupción del violín con una tonada de corte popular, muy mexicana pero no folklórica. De ahí en adelante es posible hallar un discurso musical lleno de breves y humorísticas interjecciones en los alientos, así como el discreto apoyo de la percusión. Estructuralmente, la pieza es muy sencilla. Se trata de un solo movimiento dividido en tres secciones claramente diferenciadas: allegro-lento-allegro, que apuntan lejanamente a la distribución formal del concierto barroco y a muchas otras estructuras musicales tripartitas. Pero sobre todo, destaca en Ocho por radio la energía nerviosa que suele caracterizar a la mayor parte de la producción musical de Silvestre Revueltas”.

Finaliza Brennan. “En el interesante catálogo comentado de la obra de Revueltas, realizado por Roberto Kolb y Olga Picún, se mencionan algunos datos interesantes sobre Ocho por radio. El manuscrito de la obra, que no tiene fecha ni firma, lleva una dedicatoria a Guillermo Orta y su grupo de radio. Existe, además, un manuscrito de la versión para piano de Ocho por radio, igualmente sin fecha ni firma, lo que hace imposible saber si esta versión es una reducción de la partitura instrumental, o si ésta fue elaborada a partir de la versión pianística. La obra Ocho por radio fue estrenada en concierto en el Teatro Hidalgo el 13 de octubre de 1933 por miembros de la Orquesta del Conservatorio, institución cuya dirección había asumido Revueltas en marzo de ese año, sustituyendo a su colega y amigo Carlos Chávez. Se desconoce, sin embargo, la fecha de la transmisión radiofónica original de la obra, si es que en realidad ocurrió”.

NOTA: Juan Arturo Brennan, mexicano, es compositor, crítico de música, fotógrafo, productor de televisión, locutor, y guionista de televisión y cine.

  • Poema sinfónico COLORINES

Colorines es un poema sinfónico para orquesta de cámara del compositor mexicano Silvestre Revueltas, escrito en 1932. Su composición se completó en mayo de 1932. A pesar de que Otto Mayer-Serra afirma que fue compuesta en 1933. Colorín es el nombre de un tipo de árbol, Erythrina americana  (Coral Tree), también llamado Tzompāmitl, en náhuatl. La palabra colorín significa color chillón (‘llamativo´). La música de Colorines “no sólo evoca el color profundo que estos árboles dan al paisaje, sino también, los sentimientos de las mujeres indias que llevan collares hechos de la fruta rojinegra que produce este árbol o de los niños jugando con ellos”.

Al interior de la obra

Colorines , como la mayoría de las obras de movimiento único de Silvestre Revueltas, está construida en una forma ternaria de ABA, con una estructura de ritmo rápido-lento-rápido. La disposición de los tempos es una consecuencia natural del desarrollo lírico de los materiales temáticos melódicos, a medida que despliegan progresivamente la narración de la obra.

Recepción de Colorines por parte del público

A comienzos de la década de 1930 era claro que las audiencias mexicanas preferían composiciones en las que el nacionalismo estaba representado no por el elemento precolombino de la cultura mexicana, sino por la música popular mestiza. En esta época, Revueltas había desarrollado un estilo en el que, en una textura de collage, se mezclaban elementos musicales dispares del paisaje sonoro cultural de México, donde lo popular, moderno, urbano, campesino, indio, militar, callejero, el ambiente del mercado o la danza, fueron a menudo yuxtapuestos para que a menudo chocaran. Revueltas no pretendía que estos materiales coexistieran pacíficamente. Aunque la música a veces celebra la pluralidad y la vitalidad de la sociedad mexicana, hay violencia audible, conflicto de culturas, y entre estructuras sociales premodernas y modernas. Este estilo se manifestó a veces en un estilo áspero, abstracto, y modernista, y obras tales como Esquinas Ventanas (ambas de 1931) no fueron bien recibidas por el público; pero, opuestamente, los ejemplos más líricos y tonales como Colorinesfueron calurosamente alabados.

SOLISTA INVITADO

Wálter Morales Salazar, nacido en 1969, es un director de orquesta y pianista costarricense, residente en los Estados Unidos. Se desempeña como director titular de la Edgewood Symphony Orchestra, con sede en Pittsburgh, EE.UU. En el 2011 fue director titular de la Undercroft Opera y director invitado principal de la Pittsburgh Philharmonic.  Ha sido también director musical de la Opera Theater of Pittsburgh, director titular del Carnegie Mellon Contemporary Ensemble, y director adjunto del Programa de Estudios Orquestales y de la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Carnegie Mellon.  Como director invitado, ha dirigido orquestas como:  Westmoreland Symphony Orchestra, Butler Symphony Orchestra, Pittsburgh Youth Symphony Orchestra, University of Pittsburgh Symphony Orchestra, Duquesne University Orchestra, McKeesport Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, Helix New Music Ensemble y Rutgers Chamber Orchestra. Como director asistente ha colaborado con Mariss Jansons, Andrew Davis, Leonard Slatkin, Manfred Honeck, Gianandrea Noseda, David Robertson, Rafael Frühbeck de Burgos, entre otros. Wálter Morales ha grabado para los sellos Mode, Centaur, Zimbel, Quindecim y SVR Producciones.  Su primera grabación de música contemporánea, Makrokosmos III de George Crumb, Music for a Summer Evening, fue premiada en 2007 con el Diapasón de Oro, en Francia.

MÚSICOS

Aplaudimos el talento y la entrega de las y los músicos de la OSH, quienes en cada concierto evidencian su capacidad de respuesta ante una propuesta contemporánea y retadora.

Entérese de los y las protagonistas del II programa de la temporada 2017 CON – TEMPO

Artistas Invitados:

  • Walter Morales (piano I Costa Rica)
  • Andreas Neufeld (violín I Alemania)
Violín I Andreas Neufeld
Violín I Erasmo Solerti
Violín I Adriana Cordero
Violín II Mariana Salas
Violín II Leonardo Perucci
Violín II Mauricio Campos
Violas Samuel Ramírez
Violas Mario Sequeira
Violoncellos Cristian Guandique
Violoncellos Blanca Guandique
Contrabajos Jose Pablo Solís
Flautin / Flauta Mario Velasco
Oboe / corno inglés Roslyn Cerdas
Clarinete Sergio Delgado
Clarinete Daniel Porras
Fagot Luis Diego Cruz
Corno francés Daniel Rivas
Trompeta Nahum Leiva
Trombón Luis Lizano
Percusión José María Piedra
Percusión Allan Vega
Percusión Dennis Arce
Percusión Andrés Barboza
Teclado Leo Gell